Ánfora proto-geométrica

Ánfora proto-geométrica


Estilo protogeométrico

los Estilo protogeométrico (o "Proto-Geométrico") es un estilo de cerámica griega antigua liderado por Atenas producido entre aproximadamente 1030 y 900 a. C., [1] en el primer período de la Edad Media griega. [2] Después del colapso de la cultura del palacio micénico-minoico y la subsiguiente Edad Oscura griega, el estilo protogeométrico surgió a mediados del siglo XI a. C. como la primera expresión de una civilización revivida. A raíz del desarrollo de un torno de alfarero más rápido, los jarrones de este período se logran mucho más técnicamente que los ejemplos anteriores de la Edad Oscura. La decoración de estas macetas se limita a elementos puramente abstractos y muy a menudo incluye amplias bandas horizontales alrededor del cuello y el vientre y círculos concéntricos aplicados con brújula y pincel múltiple. Se pueden encontrar muchos otros motivos simples, pero a diferencia de muchas piezas en el siguiente estilo geométrico, normalmente gran parte de la superficie se deja lisa. [3]

Como muchas piezas, el ejemplo ilustrado incluye un cambio de color en la banda principal, derivado de una falla de disparo. Tanto el color rojo como el negro usan la misma arcilla, levigada y disparada de manera diferente. Cuando los griegos aprendieron a controlar esta variación, se abrió el camino hacia su distintiva técnica de disparo en tres fases.

Algunas de las innovaciones incluyeron algunas formas nuevas de influencia micénica, como el ánfora con mango de vientre, el ánfora con mango de cuello, la crátera y los lekytos. Los artistas del ático rediseñaron estos recipientes utilizando la rueda rápida para aumentar la altura y, por lo tanto, el área disponible para la decoración.


Escultura en el período geométrico griego

Aunque derivadas de formas geométricas, las esculturas griegas antiguas del período geométrico muestran cierta observación artística de la naturaleza. Las antiguas esculturas griegas del período geométrico, aunque derivadas de formas geométricas, evidencian una observación artística de la naturaleza en algunas circunstancias. Las esculturas a pequeña escala, generalmente hechas de bronce, terracota o marfil, se produjeron comúnmente durante este tiempo. Los bronces se hicieron utilizando la técnica de la cera perdida, probablemente introducida desde Siria, y a menudo se dejaban como ofrendas votivas en santuarios como Delfos y Olimpia.

Figuras Humanas

Las figuras humanas están formadas por un triángulo a modo de torso que sostiene una cabeza bulbosa con mentón y nariz triangulares. Sus brazos son cilíndricos y solo sus piernas tienen una forma un poco más naturalista. Estos atributos se pueden ver en una pequeña escultura de un hombre sentado bebiendo de una taza que muestra las típicas figuras de modelado como formas simples y lineales que encierran un espacio abierto. Especialmente dignos de mención son sus brazos alargados que reflejan las dimensiones de sus piernas.

Una interpretación relativamente naturalista de las piernas humanas también es evidente en El hombre y el centauro, también conocido como Heracles y Nessos (c. 750–730 a. C.). Sin la espalda equina y las patas traseras, la parte centauro de la escultura es un hombre más bajo con piernas humanas.

Al igual que el hombre sentado arriba, las dos figuras presentan brazos alargados, con el brazo derecho del centauro formando una línea continua con el brazo izquierdo del hombre. Mientras que el hombre sentado parece estar bien afeitado, las figuras de Hombre y Centauro usan barbas, que generalmente simbolizan la madurez. Las cuencas huecas de los ojos de la figura del hombre probablemente alguna vez tuvieron incrustaciones para una apariencia más realista.

Figuras de animales

Los animales, incluidos toros, ciervos, caballos y pájaros, también se basaron en la geometría. Las figurillas de caballos se usaban comúnmente como ofrendas a los dioses. Los animales mismos se convirtieron en símbolos de riqueza y estatus debido al alto costo de mantenerlos. Los cuerpos de los equinos se pueden describir como rectángulos apretados en el medio con patas y colas rectangulares que son similares en forma a ciervos o toros.

Las cabezas de estos mamíferos son más distintivas, ya que el cuello del caballo se arquea, mientras que el toro y el venado tienen caras cilíndricas que se distinguen por cuernos u orejas. Si bien los animales y las personas se basan en formas geométricas básicas, los artistas observaron claramente a sus sujetos para resaltar estos personajes distintivos.

  • El Período Geométrico marcó el final de la Edad Oscura de Grecia y duró desde el 900 al 700 a. C.
  • El período geométrico deriva su nombre del predominio de los motivos geométricos en la pintura de vasijas.
  • Se hicieron y decoraron monumentales cráteres y ánforas como lápidas. Estas vasijas son características de la pintura de vasijas geométricas durante este período.
  • Las vasijas más famosas de este período utilizan una técnica llamada horror vacui, en la que cada espacio de la superficie está lleno de imágenes.
  • Las esculturas geométricas son principalmente de pequeña escala y están hechas de bronce, terracota o marfil.
  • Las figuras de bronce se produjeron utilizando el método de fundición a la cera perdida.
  • Las figuras humanas y animales producidas durante este período tienen características geométricas, aunque las piernas de los humanos parecen relativamente naturalistas.
  • Los bronces geométricos se dejaban típicamente como ofrendas votivas en santuarios y santuarios, como los de Delfos y Olimpia.
  • Los caballos llegaron a simbolizar la riqueza debido a los altos costos de su mantenimiento.

Adaptado de & # 8220 Historia del arte sin límites & # 8221 https://courses.lumenlearning.com/boundless-arthistory/chapter/the-geometric-period/ Licencia: CC BY-SA: Reconocimiento-Compartir igual

Una era de motivos abstractos y estilizados en la pintura y escultura de vasijas griegas antiguas. El período se centró en Atenas y floreció entre el 900 y el 700 a. C.

Un recipiente griego antiguo para mezclar agua y vino.

Un tipo de arcilla de color rojo pardusco. Término italiano que significa "tierra cocida".

El método más común de usar metal fundido para hacer esculturas huecas y únicas. Cuando se aplica calor al molde de arcilla, la capa de cera dentro se derrite y forma canales, que el artista luego llena con metal fundido.


Ánfora proto-geométrica - Historia

Guerrero caído, Templo de Aphaia, Egina (Imagen de ANU).

los Ilíada Es un gran poema, pero también presenta una serie de dificultades para el lector principiante. Esta página está diseñada para ser un punto de partida para ayudarlo a superar algunas de las dificultades comunes que los lectores tienen con Homer. Ilíada, y también para proporcionar herramientas para mejorar y profundizar su lectura del poema.

Haga clic en cualquiera de los siguientes temas para explorarlos más.

4. Textos en inglés y griego del Ilíada para buscar palabras.

6. Sitios arqueológicos de interés para la Ilíada.

7. Algunas preguntas frecuentes al leer el Ilíada por primera vez.



1. Geografía homérica.

No estamos seguros de dónde están todos los lugares mencionados en el Ilíada y Odisea fueron localizados, pero la tradición posterior y las excavaciones arqueológicas modernas nos han ayudado a conocer los sitios. Aquí hay un mapa que enumera algunos de los sitios más importantes y algunos de los héroes y heroínas que se asociaron con ellos. Los nombres de las personas y los sitios griegos están en morado, Trojan en rojo.


Mapa desarrollado por Daphne Kleps.

Para buscar otros sitios mencionados en el Ilíada, puede intentar buscar en el atlas proporcionado por el Proyecto Perseus en la Universidad de Tufts.

También hay un excelente Glosario al final de la traducción de Lattimore del Ilíada que incluye nombres de lugares.


2. Cronología básica de las epopeyas homéricas
(todas las fechas antes de Cristo)

C. 1800-1250 Troya VI
C. 1500-1120 Civilización micénica
C. 1250 fecha posible de la caída histórica de Troya VI
1183 fecha tradicional de la caída de Troya

C. 1100-750 Historias de la caída de Troya transmitidas en forma oral
C. 1100 invasión dórica de Grecia
C. 1050-950 Colonización griega de Asia Menor (costa occidental de Turquía)
C. 900 Inicio del auge de la polis (ciudad-estado)

C. 800-700 El ascenso de las aristocracias
776 Juegos Olímpicos establecidos
C. 750 Comienza la colonización griega del sur de Italia y Sicilia
C. 750 Introducción de una nueva escritura alfabética introducida gradualmente
C. 720 Homero Ilíada
C. 700 Hesíodo, Teogonia y Obras y Días
C. 680 Homero, Odisea Archilochus (poeta lírico)
C. 650 comienza la colonización griega alrededor del Mar Negro
C. 600 Safo (poeta lírico) Thales (filósofo)
594-593 Arconte de Solon en Atenas
545-510 Tiranía de los Peisistratids en Atenas
C. 540 Comienza el canto de poemas homéricos en el festival Panatenaico
533 Thespis gana el primer concurso de tragedias en Atenas
508 Clístenes reforma la Constitución ateniense

490-479 Guerra persa
458 Esquilo, Oresteia
461-429 Pericles domina en la política ateniense la "edad de Pericles"
C. 450-420 Herodoto compone su Historias sobre la guerra persa.
447 Partenón iniciado en Atenas
431-404 Guerra del Peloponeso (Atenas y aliados contra Esparta y aliados)
C. 428 Sófocles, Edipo Rey
C. 424-400 Tucídides compone su Historia de la Guerra del Peloponeso
404 Atenas pierde la guerra del Peloponeso ante Esparta
399 Juicio y muerte de Sócrates



3. Esquema de El Ilíada

los Ilíada es un poema muy largo, y es difícil mantener en orden a todas las personas, lugares y eventos. Este esquema proporciona un resumen de la acción en cada uno de los 24 libros. Úselo para revisar lo que sucede en cada libro o para localizar una escena en particular.


4. Textos en inglés y griego de El Ilíada para buscar palabras.

Esta página le permite encontrar pasajes en el Ilíada en griego o en inglés. También le permite buscar palabras en el texto en inglés o griego.

A. El texto en inglés de la Ilíada del Proyecto Perseus.

B. El texto griego de la Ilíada del Proyecto Perseus.

C. Busque una palabra en inglés en el Ilíada.

D. Busque la palabra griega en el Ilíada.


5. Homero y el arte

los Ilíada y Odisea se compusieron en una cultura en la que el arte jugó un papel central. Los poemas mismos se refieren a producciones artísticas, la más famosa es el escudo elaboradamente decorado que Hefesto hace para Aquiles en Ilíada 18. Además, muchos de los héroes y episodios descritos en los poemas homéricos se convirtieron en temas populares para la escultura y la pintura. Aquí hay una tabla que enumera los períodos principales del arte griego, junto con ejemplos de dos de los períodos y descripciones de algunas de las características principales relacionadas con los poemas homéricos. Se agregarán más ejemplos a medida que estén disponibles.

1. Período micénico (1600-1200)

Este es el tiempo contemporáneo a los eventos "históricos" descritos en el Ilíada y Odisea.
2. Períodos proto-geométricos y geométricos (1050-750)

Ánfora de Dipylon (Saskia JGCO330.GIF)

Esta ánfora, ahora en el Museo Nacional de Atenas, data aproximadamente del 760 a.C., época en la que Ilíada y Odisea estaban tomando forma. Esta pieza es típica de ánforas geométricas grandes (5 pies de alto) que se usaron como marcadores de tumbas en los cementerios a las afueras de Atenas. La mayor parte del jarrón está decorado con intrincados diseños geométricos, a excepción de dos bandas de animales estilizados en el cuello y la escena central de duelo entre las dos asas. La escena central representa la parte de un funeral griego conocido como el prótesis, o tendido fuera del cuerpo. El cadáver aparece acostado en una cama funeraria, rodeado de dolientes que se lamentan y se arrancan el pelo. La escena puede representar un funeral contemporáneo o el de un héroe del pasado mítico.

Las siguientes dos imágenes muestran detalles del ánfora.

3. Período de orientalización (720-620)


4. Período arcaico (620-480)

Aquiles y Ajax jugando un juego de mesa.

Este jarrón ático de figura negra en el Museo del Vaticano fue producido por Exekias en Atenas alrededor del 530 a. C. Representa a Aquiles y Ajax jugando un juego de mesa durante una pausa en la lucha alrededor de Troya.

5. Período clásico (480-323)



6. Sitios arqueológicos de interés para el Ilíada.

Los arqueólogos han hecho mucho en el último siglo para aumentar nuestro conocimiento sobre una serie de sitios mencionados en el Ilíada y Odisea. El Proyecto Perseus proporciona informes útiles de lo que sabemos sobre algunos de estos sitios. Perseo proporciona breves descripciones geográficas y físicas, enumera las excavaciones arqueológicas modernas realizadas en los sitios, toma nota de los restos arquitectónicos y proporciona (para algunos sitios) un plano del sitio con flechas en las que puede "hacer clic" para ver vistas desde ubicaciones específicas en los sitios . ¡Por tanto, es posible "pasear" por los restos de la Micenas de Agamenón o los Pilos de Néstor por su cuenta! Aquí hay una lista de los sitios de Perseo que son de mayor interés para los lectores de Homero.


7. Algunas preguntas "fácticas" frecuentes al leer el Ilíada por primera vez.

Nadie sabe. Incluso los antiguos griegos no pudieron ponerse de acuerdo sobre cuándo y dónde vivía Homero. Un relato popular fue que nació en algún momento del siglo VIII a. C. en Esmirna en Asia Menor, vivió en la isla de Chios y murió en la pequeña isla de Ios. Los escritores griegos también afirmaron que era ciego, que su verdadero nombre era Melesigines y que su padre era el río Meles y su madre una ninfa llamada Kretheis.

Aunque no pudieron ponerse de acuerdo sobre los detalles de su vida, los antiguos griegos no dudaban de que había un poeta llamado Homero que había escrito la Ilíada, los Odisea, y posiblemente varios otros poemas. Muchos eruditos modernos discuten incluso esto. Los estudiosos de los últimos doscientos años han establecido que el Ilíada y Odisea son productos de una larga tradición oral que se afianzó en algún momento del siglo VIII a. C. La forma exacta en que los poemas tomaron su forma final (¿fue obra de una persona o de varias? ¿El proceso implicó escritura?) Sigue siendo una cuestión de especulación.

2. ¿Es el Ilíada históricamente exacto?

Depende de lo que usted quiera decir con "históricamente exacto". Los historiadores modernos generalmente están de acuerdo en que Ilíada refleja un conjunto de eventos históricos, pero no está de acuerdo sobre la relación de la Ilíada a esos eventos. La mayoría de los historiadores aceptan que en algún momento alrededor de 1250-1200 a. C. la ciudad de Troya fue destruida por un grupo de asalto desde el continente griego. La mayoría también cree que el poema, aunque probablemente esté equivocado en la mayoría de sus detalles históricos, refleja algunas realidades históricas de la Edad del Bronce Final y la Edad Media (1200 - 900 a. C.) que son consistentes con el registro arqueológico.

3. ¿Cómo se mantienen rectos todos los nombres de personas, lugares y dioses?

Al principio es difícil. Hay un buen glosario al final de la traducción de Lattimore, y también es útil mantener su propia lista de personas que ocurren más de una vez.


Lexic.us

A continuación, encontrará un ejemplo de uso de este término tal como se encuentra en la literatura clásica y / o moderna:

1. Cerámica helenística y terracotas por Homer A. Thompson, Dorothy Burr Thompson (1987)
"5t, pi. IV Ath. Mitt. XXVI, 1901, p. Ml, Xo. 31 & # 39 !. Para protogeométrico . Nuestro creciente conocimiento de Attic protogeométrico (un tejido que aún conocemos ".

2. Ceramicus Redivivus: El campo de alfareros de la Edad del Hierro temprana en el área de por John K. Papadopoulos (2003)
"PG IV representa Tarde protogeométrico. Además de protogeométrico I-IV, discernió una fase que otros llamarían. "

3. Un santuario de Zeus en el monte Hymettos de Merle K. Langdon (1976)
"Tarde protogeométrico. 195. Base de una crátera. H 597. PH 0,09 m. . Tarde protogeométrico. TEMPRANA GEOMÉTRICA 197. Cuello de ánfora. PI. 18. H465. PH 0,146 m. . "

4. El arte de la antigüedad: Piet de Jong y el ágora ateniense de John K. Papadopoulos, Piet De Jong (2007)
"285, 55) Tarde protogeométrico Urnas cinerarias en tumbas C 9:13 y E 12: 1 Altura: P 8041: 0.347 P 3169: 0.255 P 8041: Inédito mencionado en Desborough 1952. "

5. El Santuario de Demeter y Kore: Topografía y Arquitectura de Nancy Bookidis (1997)
"600 a. C. Los primeros objetos excavados en la Terraza del Medio son algunos fragmentos del micénico, protogeométricoy períodos geométricos. . "

6. Estudios en epigrafía, historia y topografía del ático por Eugene Vanderpool (1982)
"El segundo se basa en la tesis, aún aceptada, de que el protogeométrico El estilo de la cerámica fue una invención ateniense de mediados del siglo XI a.C. y eso. "

7. Corinto: El centenario, 1896-1996 de Charles K. Williams, Nancy Bookidis (2003)
Williams ha identificado una serie de tiestos, principalmente derivados de tazas, que se extiende desde el protogeométrico período hasta los tiempos Arcaicos. . "


Ánfora protogeométrica.

Ánfora protogeométrica., C. 975-950 a. C.

En el período geométrico que siguió, las figuras volvieron a estar presentes en el recipiente. El período duró del 900 al 700 a. C. y marcó el final de la Edad Media griega. Una nueva cultura griega surgió durante este tiempo. La población creció, el comercio comenzó una vez más y los griegos adoptaron el alfabeto fenicio para escribir. A diferencia de los micénicos, esta cultura estaba más centrada en la gente de la polis, lo que se refleja en el arte de este período. El período recibe su nombre de la dependencia de formas y patrones geométricos e incluso de su uso para representar figuras humanas y animales.

La ciudad de Atenas se convirtió en el centro de la producción de cerámica. Un barrio de alfareros en la sección de la ciudad conocida como Kerameikos estaba ubicado a ambos lados de la Puerta Dipylon, una de las puertas occidentales de la ciudad. Los alfareros vivían y trabajaban dentro de la puerta de la ciudad, mientras que fuera de la puerta, a lo largo del camino, había un gran cementerio. En el período geométrico, se utilizaron cráteres de tamaño monumental y ánforas de hasta seis pies de altura como marcadores de tumbas para los entierros justo afuera de la puerta. Los kráteres marcaron tumbas masculinas, mientras que las ánforas marcaron tumbas femeninas.

El Dipylon Master, un pintor desconocido cuya mano es reconocida en muchas vasijas diferentes, muestra la gran experiencia requerida al decorar estos marcadores funerarios. Las vasijas se lanzaron por primera vez a una rueda, un importante desarrollo tecnológico en ese momento, antes de que comenzara la pintura. Tanto el Diplyon Krater como el Dipylon Amphora demuestran las principales características de la pintura durante este tiempo. Por un lado, todo el recipiente está decorado en un estilo conocido como horror vacui, un estilo en el que toda la superficie del medio está llena de imágenes. En el borde de la crátera y en muchos registros del ánfora, hay un meandro decorativo. Este motivo geométrico se construye a partir de una única línea continua con una forma o motivo repetidos.

La escena principal está representada en la parte más ancha del cuerpo de la olla. Estas escenas se relacionan con el aspecto funerario de la olla y pueden representar a los dolientes, un prótesis (un ritual de tendido del cuerpo y de duelo), o incluso juegos funerarios y procesiones. En el Dipylon Krater, dos registros representan una escena procesional, un ekphora, (el transporte del cuerpo al cementerio) y el prótesis . El hombre muerto del prótesis La escena se ve en el registro superior. Está tendido sobre un féretro y los dolientes, que se distinguen por las manos que se tiran del pelo, rodean el cuerpo. Sobre el cuerpo hay un sudario, que el artista representa arriba y no sobre el cuerpo para permitir que el espectador vea la totalidad de la escena. En el registro a continuación, carros y soldados forman una procesión funeraria. Los soldados se identifican por sus escudos de forma única. El Dipylon Amphora representa solo un prótesis en un registro amplio alrededor de la olla. En ambos vasos, hombres y mujeres se distinguen por triángulos que sobresalen en su pecho o cintura para representar los senos o un pene. Cada espacio vacío en estas escenas está lleno de formas geométricas (M, diamantes, destellos) que demuestran el estilo del pintor geométrico. horror vacui.


Este artículo está adaptado de las conferencias de la Sra. Aptaker & # 8217 sobre Historia del Arte en el Instituto de Tecnología de Nueva York

Dejemos que & # 8217s lo enfrenten, ingrese a una galería de museo de estatuas griegas antiguas y jarrones pintados y podría tener la impresión de que durante unos quinientos años desde alrededor del 600 a. C. (este artículo usará la designación más nueva de a. C., antes de la era común) la población masculina de Grecia vivía la vida desnuda. 1 Hay atletas en los soldados desnudos en los jóvenes apuestos desnudos que eran famosos simplemente por ser apuestos desnudos. Por el contrario, los faraones, los nobles y los hombres aristocráticos del antiguo Egipto no serían sorprendidos muertos en representaciones de sí mismos sin una falda o manto de algún tipo que indicara su rango o estatura en la sociedad. Lo mismo ocurre con los hombres de Mesopotamia. Los romanos posteriores, aunque imitaban las estatuas desnudas de Grecia, con la misma frecuencia encargaban estatuas de sí mismos con guerreros y armaduras o ropajes aristocráticos para llamar la atención sobre su heroísmo militar o su importancia política.

Entonces, ¿por qué la actitud de los antiguos griegos era tan diferente de otras culturas antiguas con respecto a la desnudez? Échale la culpa a las matemáticas.

Si esa respuesta parece fácil, considere esto: el gran escultor del siglo V a. C. Policleto escribió un tratado llamado El Canon, o El Canon de la Proporción, que dictaba proporciones y relaciones matemáticas específicas para todas las partes del cuerpo humano. Policleto basó sus fórmulas en el trabajo atribuido al matemático Pitágoras del siglo VI a. C., cuyo teorema aún se utiliza en la actualidad.

Pero Polykleitos & # 8217 Canon, brillante como fue y es, simplemente codificó una forma de pensar, una forma de expresar la belleza, que había ido evolucionando en Grecia durante siglos. De hecho, podemos ver el comienzo de esa forma de pensar, y podemos maravillarnos de que apareció en un momento en que el caos y la violencia dejaron a la civilización griega colgando de un hilo.

La caída de la civilización micénica en la Grecia continental, que comenzó alrededor del 1200 a. C., marcó el comienzo de la Edad Oscura griega. Los invasores del norte y de Jonia en el este invadieron la otrora espléndida civilización heroica de la Edad del Bronce y la reemplazaron con la violencia de la guerra constante y el desplazamiento de poblaciones enteras de pueblos y aldeas saqueadas. Esta miserable situación duró más de doscientos años, pero alrededor del año 1000 a. C., las cosas comenzaron a calmarse lentamente. La vida cotidiana seguía siendo sombría y peligrosa, la violencia continuaba, pero aquí y allá comenzó a arraigarse una cultura revitalizante, principalmente a través de artículos de necesidad diaria, después de todo, incluso si su comunidad ya no necesita palacios, su pequeña choza todavía necesita tazas y jarras y bochas. Es en la alfarería griega temprana donde vemos los comienzos de una forma de pensar que eventualmente se convirtió en la expresión más sofisticada del mundo antiguo de la belleza de la figura humana, particularmente el desnudo masculino.


Fig.1 - Ánfora proto-geométrica, ca. 950 a. C.
terracota, 13 & # 190 & # 8221 de altura. Museo Británico de Londres

Este ánfora (Figura 1) data aproximadamente del 950 a. C. El estilo, llamado proto-geométrico, es simple y estrictamente utilitario: líneas y formas que se mueven alrededor de la superficie de la maceta. El período proto-geométrico, aproximadamente el siglo X a. C., sienta las bases de todo lo que vendrá en el arte griego. 2 En esta olla y otras de la época, vemos los inicios de la fascinación griega por las matemáticas racionales, especialmente la geometría. Todo empezó con utensilios de uso diario decorados con líneas sencillas.

Aunque otras culturas antiguas también decoraron su cerámica con líneas y formas similares, lo que es nuevo aquí, y lo que es exclusivamente griego, es una relación conscientemente armoniosa entre la forma del jarrón y la decoración de la superficie. Cada faceta de la decoración ocupa una parte específica de la estructura y está destinada a delinear los volúmenes, que están en proporción armoniosa entre sí:

-el negro sólido del cuello alto con un patrón de cuadros circundante colocado como un collar

-las bandas sólidas en el hombro

-la onda ondulante alrededor del vientre y la forma hinchada del vientre contenida por otra banda sólida debajo

-el espacio vacío & # 8220reservado & # 8221 sobre el pie dando a todo lo que está por encima de una ligereza visual, una ingravidez

-todo descansando cómodamente y de forma segura sobre la banda sólida del pie.

Tenga en cuenta que he utilizado los nombres de las partes del cuerpo humano para las partes del jarrón: cuello, hombro, vientre, pie. Los griegos creían que la estructura orgánica de la cerámica es análoga a la estructura orgánica y equilibrada de la forma humana y que ambas podrían explicarse mediante los principios de la geometría.

Aunque las matemáticas y la geometría son racionales, para los griegos, incluso en el período proto-geométrico, las matemáticas y la geometría no son frías. Los griegos dieron una calidez filosófica a las matemáticas, uniendo los principios de la racionalidad con el espíritu de la filosofía, que finalmente desarrollaron en la idea clásica del humanismo.

Durante los siglos anteriores al desarrollo ateniense de la democracia en 508 a. C., las ciudades-estado de Grecia, como todas las demás civilizaciones antiguas, fueron gobernadas por reyes. El faraón egipcio, por ejemplo, era considerado un dios viviente en la tierra. Pero la relación griega incluso con sus líderes más poderosos o despóticos era bastante diferente a la de otros reinos. Los reyes griegos se consideraban a sí mismos seres humanos, meros mortales, no dioses en la tierra. Si los reyes griegos tenían una conexión divina con alguno de sus dioses era porque su madre o padre humanos se aparearon con un dios o diosa y el hijo resultante era, en el mejor de los casos, un medio dios, llamado semidiós, y solo debido a la proceso humano de relaciones sexuales y maternidad (los dioses, entre ellos, podrían reproducirse partenogénicamente). Esta gran diferencia de perspectiva, que los seres humanos, no los dioses, eran, como escribió el filósofo griego Protágoras, & # 8220 la medida de todas las cosas & # 8221 en la tierra, es lo que permitió a los griegos unir la racionalidad de las matemáticas al calor de filosofía humanista y, por extensión, a una apreciación del cuerpo humano como evocación ideal de esa unidad.


Figura 2A


Figura 2B

Higos. 2A y 2B-Dipylon Krater, del cementerio de Dipylon,
Atenas, ca. 740 a. C.
3 & # 8217 4 1/2 & # 8221 altura Metropolitan Museum of Art, Nueva York

En el siglo VIII a. C., un estilo geométrico en toda regla fue ascendente, como vemos en esta crátera monumental del cementerio de Dipylon en Atenas (Fig. 2A). Esta enorme vasija, de casi un metro y medio de altura, no era para uso doméstico, pero servía como marcador de tumbas, como se usa hoy en día como lápida. Las escenas pintadas representan el funeral y el duelo (registro superior de figuras) y la procesión fúnebre o desfile militar (registro inferior de figuras) en honor al caballero fallecido que vemos sobre el féretro fúnebre (Fig. 2B, centro). Las propiedades racionales de la geometría informaron las proporciones físicas del jarrón (que están en perfecto equilibrio aquí) y para representar las figuras, que se expresan en un lenguaje puramente geométrico: óvalos para cabezas, triángulos para la parte superior del cuerpo, formas en forma de rombo para caderas y piernas, rectángulos. o líneas para los brazos. Los brazos levantados de las dolientes (que se arrancan el pelo de dolor) a cada lado del féretro fúnebre se doblan en ángulos rectos puros para formar rectángulos y casi cuadrados.

Aunque este uso de formas cotidianas para representar formas humanas (y animales) puede parecer simplista, más o menos un siglo de dibujar de esta manera les dio a los artistas griegos una comprensión profunda de las propiedades de la forma y las relaciones proporcionales entre las partes del cuerpo humano. Esta confianza, junto con la creencia griega de que los seres humanos y la experiencia humana son los temas centrales de la existencia diaria, que el & # 8220 aquí y ahora & # 8221 es más inmediatamente relevante que la eternidad, que era el dominio de los dioses inmortales en cualquier caso y acerca de lo cual los seres humanos tenían poco o nada que decir, dio a los artistas griegos las habilidades y el estado de ánimo para dar el siguiente salto en su notable desarrollo de la figura desnuda.


Fig. 3-Kouros, ca. 590 a. C. Mármol, 6 y # 8217 y # 189 y # 8221 de altura
Museo Metropolitano de Arte, NY

Si bien es justo decir que el desarrollo del arte griego y su énfasis en lo humano y no en lo piadoso fue único en el mundo antiguo, también se debe reconocer que los artistas griegos no se desarrollaron de forma aislada. Aunque este kouros (Fig. 3), que significa una estatua de un joven masculino desnudo, exhibe esos valores que podemos identificar como exclusivamente griegos, también exhibe la influencia de Egipto, el poder y la cultura dominantes a lo largo de gran parte de la historia antigua. Como estatuas egipcias, 3 este kouros se encuentra en una postura frontal rígida, con las manos apretadas a los lados y con una pierna hacia adelante.

Pero la similitud termina ahí. A diferencia de las figuras egipcias, que pretendían expresar un eterno inmutable, este kouros hace visible la filosofía griega de la belleza masculina, armoniosa de rostro y cuerpo, y sobre todo activa y atlética.

Para empezar, el joven está desnudo, mientras que las figuras egipcias iban vestidas. Además, las figuras egipcias de pie estaban ancladas a un bloque de piedra de soporte, 4 pero este kouros es independiente. Este logro no es solo técnico, también representa una expresión filosófica.

Tratando primero con el aspecto técnico, el equilibrio necesario para lograr una figura de piedra independiente fue el resultado de los griegos & # 8217 un profundo conocimiento de la geometría y sus propiedades. Desde las lecciones inherentes a la tectónica de la cerámica hasta las formas geométricas pintadas que antes expresaban la forma humana, en el siglo VI a. C., el período Arcaico, los escultores griegos estaban preparados para producir figuras de tamaño natural que se mantenían de pie con la misma confianza que los vivos. seres humanos.

Estéticamente, el kouros en la Figura 3 es pura y completamente griego. Se crea a través de formas geométricas: todavía vemos el óvalo de la cabeza, un torso triangular y rombos para formar las piernas. Y filosóficamente es griego, que expresa una idea de la masculinidad juvenil no como piadosa o heroica, sino como hermosa. Esta belleza es una expresión del ideal de armonía y equilibrio, dos atributos de las matemáticas racionales que los griegos creían que contribuían a la belleza de todas las cosas, incluido el pensamiento mismo.

A comienzos del período clásico, cuando la confianza cultural griega estaba en su apogeo y ya no estaba bajo la influencia restrictiva de Egipto, la filosofía y el arte griegos alcanzaron una sofisticación, y en el arte, la capacidad técnica, que permitió a filósofos y artistas abordar ese problema. la más humana de las experiencias, la sensualidad.

Fig. 4-Kritios Boy ca. 480 a. C., Atenas,
Mármol, 2 & # 8217 10 & # 8221 altura. Museo de la Acrópolis, Atenas

Esta primera figura clásica llamada Kritios Boy, que data de aproximadamente 480 a. C., comparte la postura frontal / frontal de una pierna de sus predecesores kouros, pero aquí la geometría de las formas ensambladas es más relajada, más natural. Se cree que Kritios Boy es la primera figura humana esculpida que empleó contrapposto, lo que significa & # 8220desplazamiento de peso & # 8221. los seres humanos cambian su peso y su cuerpo, posicionándose a lo largo del eje vertical de la columna.

El contrapposto del Kritios Boy es creado por:

-la ligera caída de su cadera derecha mientras balancea su peso sobre su pierna izquierda (trasera)

-la flexión de su pierna delantera a la altura de la rodilla, a gusto

-su cabeza se volvió levemente hacia la derecha, a diferencia del kouroi arcaico de cuello rígido.

Esta postura más natural, derivada de la aplicación racional de las matemáticas para lograr un equilibrio de proporciones, le da a Kritios Boy no solo una apariencia más natural sino sensual. Lo que se celebra aquí no es heroísmo o poder, lo que se celebra es la belleza de la forma y la belleza de la carne como un ideal filosófico de la vida expresado a través de proporciones armoniosas, facilidad de postura y tranquilidad de expresión.

Solo unos treinta años después de que el escultor desconocido creara el Niño de Kritios, el propio Policleto llevó el espíritu del arte griego a la máxima magnificencia con una serie de esculturas que son obras maestras de su Canon de la proporción. En su Doríforo (Portador de lanzas) (Fig. 5), Policleto expresó armonía, equilibrio y belleza a través del estricto apego a sus fórmulas matemáticas para las proporciones y masas geométricas de la figura desnuda. 5 Con las matemáticas como su base absoluta, pudo crear un contrapposto que es asertivo, dando a la figura la elegante curva en S que se volvería icónica en la escultura griega. Polykleitos realzó aún más la gracia del contrapposto con la armonía del & # 8220cross balance & # 8221: el brazo doblado está diagonalmente opuesto a la pierna estirada, mientras que el brazo estirado es diagonal a la pierna doblada.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

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1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


This article is adapted from Ms. Aptaker’s lectures in Art History at the New York Institute of Technology

Let’s face it, step into a museum gallery of ancient Greek statuary and painted vases and you could get the impression that for about five hundred years from around 600 BCE (this article will use the newer designation of BCE, Before the Common Era) the male population of Greece lived life undressed. 1 There are athletes in the nude soldiers in the nude handsome young men who were famous for merely being handsome in the nude. By contrast, the Pharaohs, nobles and aristocratic men of ancient Egypt wouldn’t be caught dead in representations of themselves without a skirt or drape of some kind that indicated their rank or stature in society. Ditto for the men of Mesopotamia. Later Romans, though they mimicked the nude statuary of Greece, just as often commissioned statues of themselves in warriors’ armor or aristocratic drapery to call attention to their military heroism or political importance.

So why was the attitude of the ancient Greeks so different from other ancient cultures regarding nudity? Blame it on math.

If that answer seems facile, consider this: the great fifth century BCE sculptor Polykleitos wrote a treatise called The Canon, or The Canon of Proportion, which dictated specific mathematical proportions and relationships for all parts of the human body. Polykleitos based his formulae on work attributed to the sixth century BCE mathematician Pythagoras, whose noted theorem is still in use today.

But Polykleitos’ Canon, brilliant as it was and is, simply codified a way of thinking, a way of expressing beauty, which had been evolving in Greece for centuries. We can actually see the beginning of that way of thinking, and we can marvel that it appeared at a time when chaos and violence left Greek civilization hanging by a thread.

The fall of the Mycenaean civilization on mainland Greece, beginning around 1200 BCE, ushered in The Greek Dark Age. Invaders from the north and from Ionia in the east overran the once splendid Bronze Age heroic civilization and replaced it with the violence of constant warfare and the displacement of whole populations of sacked towns and villages. This miserable situation lasted over two hundred years, but around 1000 BCE things slowly started to settle down. Daily life was still bleak and dangerous, violence continued, but here and there a revitalizing culture started to take root, mainly through items of daily necessity after all, even if your community no longer needs palaces, your little hut still need cups and jars and bowls. It is in early Greek pottery that we see the beginnings of a way of thinking that eventually became the ancient world’s most sophisticated expression of the beauty of the human figure, particularly the male nude.


Fig. 1 - Proto-geometric amphora, ca. 950 BCE,
terra cotta, 13 ¾” high. British Museum, London

This amphora (Fig.1) dates from about 950 BCE. The style, called Proto-geometric, is simple and strictly utilitarian: lines and shapes moving around the surface of the pot. The Proto-geometric period, roughly the tenth century BCE, sets the foundation for everything to come in Greek art. 2 In this pot and others of the period, we see the beginnings of the Greek fascination with rational mathematics, especially geometry. It all started with everyday utensils decorated with simple lines.

Though other ancient cultures also decorated their pottery with similar lines and shapes, what’s new here, and what’s uniquely Greek, is a consciously harmonious relationship between the shape of the vase and the surface decoration. Each facet of the decoration occupies a specific part of the structure and is meant to delineate the volumes, which are themselves in harmonious proportion to one another:

-the solid black of the tall neck with an encircling checkered pattern positioned like a necklace

-the solid bands on the shoulder

-the undulating wave around the belly and the swelling shape of the belly contained by another solid band below

-the empty “reserved” space above the foot giving everything above a visual lightness, a weightlessness

-the whole thing resting comfortably and securely on the solid band of the foot.

Note that I’ve used the names of human body parts for the parts of the vase: neck, shoulder, belly, foot. The Greeks believed that the organic structure of pottery is analogous to the organic, balanced structure of human form and that both could be explained by the principles of geometry.

Though mathematics and geometry are rational, for the Greeks, even as early as the Proto-geometric period, mathematics and geometry are not cold. The Greeks gave a philosophical warmth to mathematics, marrying the principles of rationality to the spirit of philosophy, which they eventually developed into the Classical idea of Humanism.

During the centuries prior to the Athenian development of democracy in 508 BCE, the city-states of Greece, like all other ancient civilizations, were ruled by Kings. The Egyptian Pharaoh, for example, was considered a living god on earth. But the Greek relationship with even their most powerful or despotic leaders was quite different from that of other kingdoms. The Greek kings regarded themselves human beings, mere mortals, not gods on earth. If the Greek kings had a divine connection to any of their gods it was because their human mother or father mated with a god or goddess and the resulting child was at best a half-god, called a demi-god, and only because of the human process of sexual relations and childbearing (the gods, among themselves, could reproduce parthenogenically). This great difference in outlook, that human beings, not the gods, were, as the Greek philosopher Protagoras wrote, “the measure of all things” on earth, is what enabled the Greeks to unite the rationality of mathematics to the warmth of humanist philosophy and, by extension, to an appreciation of the human body as an ideal evocation of that unity.


Fig. 2A


Fig. 2B

Figs. 2A and 2B-Dipylon Krater, from the Dipylon cemetery,
Athens, ca. 740 BCE.
3’ 4 1/2” height Metropolitan Museum of Art, New York

By the eighth century BCE, a full blown Geometric style was ascendant, as we see in this monumental krater from the Dipylon cemetery in Athens (Fig 2A). This enormous pot, standing nearly three and a half feet tall, was not for household use but served as a grave marker, much as a headstone is used today. The painted scenes represent the funeral service and mourning (upper register of figures) and funeral procession or military parade (lower register of figures) honoring the deceased gentleman we see lying atop the funeral bier (Fig. 2B, center). The rational properties of geometry informed the physical proportions of the vase (which are in perfect balance here) and to rendering the figures, which are expressed in a purely geometric language: ovals for heads triangles for the upper body lozenge shapes for hips and legs rectangles or lines for arms. The upraised arms of the female mourners (who are tearing out their hair in grief) on either side of the funeral bier bend at pure right angles to form rectangles and near-squares.

Though this use of everyday shapes to render human (and animal) form may seem simplistic, a century or so of drawing in this manner gave Greek artists a deep understanding of the properties of shape and the proportional relationships between parts of the human body. This confidence, together with the Greek belief that human beings and human experience are the central issues of daily existence, that the “here and now” is more immediately relevant than eternity, which was the province of the immortal gods in any event and about which human beings had little or no say, gave Greek artists the skills and state of mind to make the next leap in their remarkable development of the nude figure.


Fig. 3-Kouros, ca. 590 BCE Marble, 6’ ½” height
Metropolitan Museum of Art, NY

While it’s fair to say that the development of Greek art and its emphasis on the human and not the godly was unique in the ancient world, it must also be acknowledged that Greek artists did not develop in isolation. Though this kouros (Fig. 3), meaning a statue of a nude male youth, exhibits those values we can identify as uniquely Greek, it also exhibits the influence of Egypt, the dominant power and culture through much of ancient history. Like Egyptian statuary, 3 this kouros stands in a rigid frontal pose, his hands clenched at his sides and with one leg forward.

But the similarity ends there. Unlike Egyptian figures, which were meant to express an unchanging eternal, this kouros makes visible the Greek philosophy of male beauty, harmonious of face and body, and above all active and athletic.

To begin with, the young man is nude, whereas Egyptian figures were clothed. Moreover, Egyptian standing figures were anchored to a supporting block of stone, 4 but this kouros is free standing. This achievement is not only technical, it represents a philosophical expression as well.

Dealing first with the technical aspect, the balance necessary to achieve a free standing figure of stone was a result of the Greeks’ deep understanding of geometry and its properties. From the lessons inherent in the tectonics of pottery to the painted geometric shapes which earlier expressed human form, by the sixth century BCE, the Archaic period, Greek sculptors were prepared to produce life-sized figures that stood as confidently on their feet as did living human beings.

Aesthetically, the kouros in Figure 3 is purely and utterly Greek. It is created through geometric forms: we still see the oval for the head a triangular torso and lozenges to form the legs. And philosophically it is Greek, expressing an idea of youthful maleness not as godly or heroic but as beautiful. This beauty is an expression of the ideal of harmony and balance, two attributes of rational mathematics which the Greeks believed contributed to the beauty of all things, including thought itself.

By the beginning of the Classical period, when Greek cultural confidence was at its height and no longer under the restraining influence of Egypt, Greek philosophy and art achieved a sophistication—and in art, the technical ability—which enabled philosophers and artists to address that most human of experiences, sensuality.

Fig. 4-Kritios Boy ca. 480 BCE, Athens,
Marble, 2’ 10” height. Acropolis Museum, Athens

This early Classical figure called the Kritios Boy, dating to about 480 BCE, shares the one leg forward/frontal stance of his kouros predecessors, but here the geometry of the assembled shapes is more relaxed, more natural. Kritios Boy is believed to be the first sculpted human figure to employ contrapposto, meaning “shifting of weight.” The sculptor understood that human beings do not stand in rigid poses (except when at “attention” like soldiers) real human beings shift their weight and their body, positioning themselves along the vertical axis of the spine.

The contrapposto of the Kritios Boy is created by:

-the slight dip of his right hip as he balances his weight on his left (rear) leg

-the bend of his forward leg at the knee, at ease

-his head turned slightly to his right, unlike the stiff-necked Archaic kouroi.

This more natural posture, derived from the rational application of mathematics to achieve a balance of proportion, gives Kritios Boy not just a more natural appearance but a sensual one. What is being celebrated here isn’t heroism or power what’s being celebrated is beauty of form and flesh beauty as a philosophical ideal of life expressed through harmonious proportions, ease of posture, calmness of expression.

Only about thirty years after the unknown sculptor created the Kritios Boy, Polykleitos himself brought the spirit of Greek art to full magnificence with a series of sculptures that are masterpieces of his Canon of Proportion. In his Doryphoros (Spear Carrier) (Fig. 5), Polykleitos expressed harmony, balance and beauty through strict adherence to his mathematical formulae for the proportions and geometric masses of the nude figure. 5 With mathematics as his absolute foundation, he was then able to create a contrapposto that is assertive, giving the figure the graceful S-curve that would become iconic in Greek sculpture. Polykleitos further enhanced the grace of the contrapposto with the harmony of “cross balance”: the bent arm is diagonally opposite the straight leg, while the straight arm is diagonal to the bent leg.

Polykleitos’ Canon would remain the standard for Greek sculpture through its Classical and Hellenistic periods and into the art of Rome. The grace and sensuality celebrated by the Classical nude influenced later masters such as Michelangelo, whose monumental David (1501-1504) is a sensual descendent 6 of Polykleitos’ contrapposto and cross balance. And though figurative art is less dominant today, the human need for sensual expression never dies. Who would have thought it could be expressed in math?

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1. Female figures in Greek art were more often clothed.

2. Technical advances in pottery manufacture developed during the Proto- geometric period are further described in Richter, Gisela M.A., A Handbook of Greek Art A Survey of the Visual Arts of Ancient Greece, Seventh Edition, Phaidon Press Ltd., London, 1974 Boardman, John, Early Greek Vase Painting, Thames and Hudson, London, 1998 and others.

3. The period of Egyptian art and history referred to encompasses the Old Kingdom, ca. 2574-2134 BCE through the New Kingdom, ca. 1550-1070 BCE, which, with the exception of the Amarna period, ca. 1353-1335 BCE, essentially set the form which was maintained throughout most of Egyptian art until the Ptolemaic period, ca. 305 BCE-6 BCE. The Ptolemaic rulers, being Greek (after the conquest of Egypt by Alexander the Great), brought Greek influence into late Egyptian art. The defeat of Egypt by the Romans in 6 BCE, further Classicized Egyptian art.

4. Egyptian figures sculpted of wood or smaller than life-size figures in stone were often free-standing. The distribution and balance of weight of life-size and monumental stone figures in Egypt, however, usually necessitated an anchoring block.

5. This figure is a later copy, in marble, made in Rome for the Palestra athletic stadium in Pompeii. The original Greek statue was created cast in bronze. This situation is true of a considerable number of Greek statues, many of them originally bronze, since lost to time. Nevertheless, as far as we know, the ancient Roman sculptors were entirely faithful in their reproductions of the original Greek. Without these Roman copies, we would not know as much about the remarkable development of Greek sculpture. We are especially certain of the Romans’ accuracy of Polykleitos’ works because Roman sculptors strictly followed Polykleitos’ instructions, as written in his Canon.


6. Though the David is clearly influenced by Classical sculpture, and in particular by Polykleitos, Michelangelo had no taste for the mathematical approach to human form. His David is reflective of his belief that organic form already exists within a block of stone and it is the sculptor’s art to bring it out. The proportions of the David, therefore, are not mathematically accurate, though the visual effect is certainly natural to the eye.


Greek ceramics – Chapter 1

This short article does not aim to be an extensive presentation but rather a brief description over the history of greek ceramic in order to answer to the most common questions. In this first chapter we will begin with a global classification per style, then a typological [1] Study of the shapes approach of this ceramic before finishing with a few specific uses.

First we must acknowledge the five main styles of ceramic, which evolve with time as well as their geographical locations. We typically spread these five styles from 1050 B.C [2] Mycenian period, heroic age of the Illiad and the Odisseyr to 146 B.C [3] Fall of Corinth against Rome, Last independant greek kingdom

Proto-geometric (1050-900 B.C)

This style is usually imputed to the mycenaean civilization, which, since the adorn the vases of black varnish patterns and turns the pottery bronze age, on a potter’s wheel rather than manually. These are typically decorated with simplistic and geometric patterns, such as strip and circles.

Geometric style (900-700 B.C)

In continuity with the proto-geometric style, ceramics bedeck themselves with meander, “greek” triangles and other geometric patterns. In this style stand the ancient geometric (900-850 B.C) with only geometric patterns, then the middle geometric (850-770 B.C) with the emergence of figurative adornment (mostly animals) and space saturation, and finally, the moder

geometric (770-700 B.C) with human figure. A great number of those vases were found in one the athenian burial ground, the Dipylon, which will gave its factitious name to the “Dipylon Master”, a vase painter active around 760-750 B.C. Other schools appear all over Greece, in Corinth, Boeotia, Argos, Crete (also in a sterner geometric style) and Cyclades.

Orientalizing Style (725-625 B.C)

As its name states it, this ceramic is influenced by the oriental design, which drains its inspiration from nature, the animal world and mythology. We see the appearances of sphinx, griffins, lions, et caetera, with way more realism than under the geometric style. It firstly emerge in Corinth, who then exported the techniques to Athens, which modifies it according to its own influence: developing the first marks of polychromy, white, black and red, intertwine to give live to the depictions.

Though black figures exist since the 7th century in Corinth and other regions of Greece, it is Athens which carries it to its pinnacle during the archaic period. It presents black figures designs upon a clay background, therefore on red background in Athens case. Figured vases become more common and are no more confined to a ceremonial use, but also everyday life.

Red figures are popularized by attic ceramic from Athens, with a production of industrial scale and monopolizing the market as the only school of

técnica. According to the legend, the first to use this style is Andokides. It is a reversal of the black figure, in its initial stage there even are occurences of bilingual vases, combining black and red figures. This style allows an evolution and a refinement of the designs, the potter and painter Euphronios specialized in the representation of the body muscles. Due to the destruction of Athenian workshop during the second greco-persian war, the production of black figures are abandoned to the profit of the red, which take over the stylistic landscape. Designs are further sophisticated, representing mythological scenes, battles and everyday life representations. Space saturation will slowly come back, floral patterns veiling voids, as well as polychromy with touches of white. During the hellenistic period the technique simplifies itself, with simple settings and even paintings after the baking process.

Far from Athens, in Magna Grecia the apulian region stands outwith its own ceramic technique, of equivalent quality to the athenian’s one, and will last during the hellenistic period thanks to the painter Darius who represents contemporary of Alexender the Great. With its own italic style the apulian ceramic is exported in Greece as well as the whole mediterranean basin. It usually identified by its saturation of icon of heroic theme, numerous details, and for the armament enthusiast the representation of apulo-corinthian helmet. A last subtype, the red figure on white background, typically in the mortuary field, especially upon lekythos which contain perfumes. However if red figures predominates, black figures are used on occasion on honorific vases, such as panathenaic amphora

Bernard Holtzmann et Alain Pasquier, Histoire de l’art antique : l’art grec, écoles du Louvre, Paris, 1998.


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Ancient Greek Art #1: geometric to archaic
• GEOMETRIC= 900-700 BC (end of the dark age, the human figure reappears)
• ORIENTALIZING= 700-600 BC (renewed contact with the outside world)
• ARCHAIC= 600-480 BC (old fashioned period, golden age of painting on pottery (black
figure and red figure pottery)
• Hellenic Period= 900-323 BC (part 1)
o Major trends: interest in depicting the human figure convincingly, idealism
(striving to depict the UNIVERSAL and the PERFECT)
o Familiar forms/conventions= gloss slip, twisted perspective, composite creatures,
painted sculpture, sculptures in poses borrowed from Egypt
• Etruscans were very fond of Greek pottery
• WARRIOR VASE (krater) (from Mycenae, 1200 BC) ! used as a giant punchbowl for
mixing strong wine with water
o Not painted with true paint, painted with GLOSS SLIP (liquid clay, mixed water
with clay and let coarse grains settle, remove them, repeat until the slip is of a nice
smooth consistency)
o Use of BANDING (paint around while pot is still on the wheel)
• STIRRUP JAR W/ OCTOPUS (1200-1100 BC, Mycenae) ! banding, painted with gloss
deslizar
• NOW AFTER THE FALL OF MYCENAE
• PROTO-GEOMETRIC AMPHORA (10th Century BC) ! probable source of style=
surviving Mycenaean folk traditions, very crisp concentric circles
• GEOMETRIC KRATER (from the Dipylon Cemetery, Athens, 740 BC) ! about 4 feet tall,
in the shape of a Krater but never was used as one, instead was used as a grave marker
for an aristocratic man, symbolic of dinner parties
o PROTHESIS: body laying on side, whole scene
o BEIRCLOTH: cloth over a dead body
o Procession at the bottom of the pot, horses, figure 8 shields (borrowed from the
Minoans)(connection between the age or heroes and their own time)
o In ancient Greece people were VERY aware of their lineage
o Figure 8 shields and war chariots were obsolete in the geometric period (used
round shields)
• ORIENTALIZING PERIOD: 700-600 BC
• CORINTHIAN BLACK-FIGURE AMPHORA W/ ANIMAL FRIEZES (624-600 BC)! lions
in heraldic symmetry, SIREN (human head on a bird’s body, tempts sailors), banding,
different colored slip, scratched away slip for detail
• MANTIKLOS APOLLO (from Thebes, 700-680 BC) ! inscription on thighs, bronze young
man, example of a HEROIC NUDE (to distinguish the Greeks from the barbarians)(effort
with perfection, trying to show a perfect person), swelling of the pectoral muscles,
triangular face, very small forehead, very stylized powerful thighs, NICE BUTT
• LADY OF AUXERRE (650-625 BC) ! triangular face, Egyptian style hair, cape and belt
(typical of Crete), small forehead, hand to chest in what is thought to be adoration, was
originally painted

ARTIST PAINTING A STATUE OF HERKALES (360-350 BC) ! shows a painter using
ENCAUSTIC PAINT (powdered pigments held together with very hot wax)
• KOUROS: young man, statues were idealized
• ARCHAIC SMILE: can refer to vitality (life) or is a convention of when artists started to
explore the structure of the face, shows that lips are wrapped around teeth
• ARCHAIC PERIOD: 600-480 BC
• NEW YORK KOUROS (600 BC)! Oldest surviving kouros that is fully preserved, stands
at about 6 feet tall, very neat, Egyptian style hair, Egyptian style pose (very stiff), FIRST
FREE STANDING STONE FIGURES
• KRIUSIS KOUROS (530 BC)! much more accurate than the NY Kouros when it comes
to human anatomy, used as a grave marker (other Kouros used as a grave offering), 6’4”
tall, very large, archaic smile, traces of paint
• PEPLOS KORE (530 BC)! from the acropolis in Athens (PEPLOS= very simple dress),
lovely smile and hair, originally painted
• PHRASIKLEIA FROM MERENDA (540 BC) ! Attica, funerary movement, clothed
• THE GREEKS NOT ONLY TOLD “WHAT HAPPENED” BUT, “HOW IT HAPPENED”
• DEATH OF SARPADON (515 BC)!calyx krater by Euphronos (painter) and Euxitheos
(potter), Attic, sarpedon= son of Minos, Euphronos tried to use FORESHORTENING
• KITHARA PLAYER (490 BC) !amphora attributed to the Berlin painter, attic,
magnificent painting, young man completely lost in his music

Ancient Greek Art #2: classical to Hellenistic
• Hellenic (900-323 BC) ! confined to Greece, idealism, CLASSICAL: (480-323 BC)
moderation, restraint, harmony between parts, universality
• Hellenistic (323-31 BC) ! Greek culture spreads, realism, interest in the dramatic, the
artist’s inventiveness, individual differences

• CLASSICAL PERIOD: 480-323 BC
• ARTEMIS AND APOLLO SLAYING THE CHILDREN OF NIOBE (450 BC) ! attic red
figure calyx krater, niobid painter
o Myth of Niobe: tale to warn against hubris (excessive arrogance), really proud of
all her pretty children, gods get mad, kill her kids
o Imitated the conventions of wall painting (figures floating on a black background),
painter didn’t pay attention to the shape of the pot
• KYLIX= wide, shallow drinking cup, eyes painted on bottom
• DANCING MAENAD (490 BC) ! white ground Kylix (pot made of red clay, interior
painted with black and white slip, used mainly for funerary art because white clay will
chip), MAENAD= female follower of Dionysis, can tell because of her THYRSOS and
because of big cat
o Very limited color scheme
• PHILOXENOS OF ERETRIA (310 BC) ! battle of Issus, Roman copy, battle of Alexander
the great, horses shown with proper foreshortening, enemy watching himself die in his
polished shield
o Alexander the great is calm, looking straight ahead, no beard
• EARLY CLASSICAL= 480-450 BC

Delphi, sacred to Apollo, “bellybutton of the world”.
CHARIOTEER OF DELPHI (470 BC) ! man presenting his chariot to the masses after
winning the race, demonstrates restraint and moderation, IDEAL MASK= reason
governing the emotions, no expression, thick jaw and almost straight line from forehead
to the tip of nose (standard of beauty)
o Anatomically stunning feet, probably cast from a real person
o APOLLO’S SANCTUARY AT DELPHI: lots of mini temples for offerings, theater,
many bronze statues, earthquakes eventually destroyed the temple
o PITHEA= mouthpiece of Apollo, would sit above volcanic fumes and mumble
o PITHEON GAMES= chariot racing, who was it that the god Apollo was smiling on,
charioteer of Delphi= thank offering to Apollo for victory
BATTLE OF THE LAPITHS AND THE CENTAURS (460 BC)! from the west pediment of
Zeus at Olympia
o Considered to be among the greatest groups of Greek sculptures in Marble (may
have been made by a group of sculptors led by Phidias as a young man)
o Tells the story of drunk centaurs kidnapping young bride and her bridesmaids,
Greeks fight them, CIVILIZED vs
.
THEY COULD SHOW
CONVINCINGLY THE HUMAN BODY IN MOTION
WARRIOR (460-450 BC) ! Riace Warrior A, found in the sea, classical, standing in the
contrapposto stance, mature man, copper lips, silver teeth, inlaid eyes, heroic/ideal
nudity
HELLENISTIC ART: 323-31 BC
EPIGONOS (?), Gallic Chieftan, killing himself and his wife (roman marble copy after a
bronze original from Pergamon), Turkey, 230-220 BC)
o Celts believed in reincarnation, death for them was just an inconvenience, made
them very scary fighters
o Sculptures were thank offerings for victory against the Gauls, people in the
sculpture didn’t look Greek at all (REALISM), shown as noble enemies

TEMPLES: 4 main temples, ¾ are doric, temple to hera 1, temple to hera 2 and the
Parthenon)


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