Grandes eventos, deportes destacados y premios Nobel de 1920 - Historia

Grandes eventos, deportes destacados y premios Nobel de 1920 - Historia

Premios Nobel

Química
NERNST, WALTHER HERMANN, Alemania, Universidad de Berlín, b. 1864, d. 1941: "en reconocimiento a su trabajo en termoquímica"

Literatura
HAMSUN, KNUT PEDERSEN, Noruega, b. 1859, d. 1952: "por su obra monumental, Crecimiento del suelo"

Paz
BOURGEOIS, LƒON VICTOR AUGUSTE, Francia, b. 1851, d. 1925: Exsecretario de Estado. Presidente del Parlamento (S & # 142; nat). Presidente del Conseil de la Soci & # 142; t & # 142; des Nations (Consejo de la Sociedad de Naciones).

Fisiología o Medicina
KROGH, SCHACK AUGUST STEENBERG, Dinamarca, Universidad de Copenhague, b. 1874, d. 1949: "por su descubrimiento del mecanismo regulador del motor capilar"

Física
GUILLAUME, CHARLES EDOUARD, Suiza, Bureau International des Poids et Mesures (Oficina Internacional de Pesas y Medidas), S & # 143; vres, b. 1861, d. 1938: "en reconocimiento al servicio que ha prestado a las mediciones de precisión en Física al descubrir anomalías en las aleaciones de acero al níquel"


Década de 1920: cultura impresa

La comunicación en Estados Unidos cambió para siempre en la década de 1920. Con el inicio de la radiodifusión, los periódicos y revistas impresos dejaron de ser las únicas fuentes de información común sobre los acontecimientos del país o del mundo. Aunque alrededor de cincuenta millones de estadounidenses escuchaban la radio a mediados de la década, los periódicos y revistas siguieron siendo las fuentes de información dominantes durante la década.

Los boletines de noticias de radio captaron el interés de la gente, pero las fuentes impresas contaron "toda la historia". Los periódicos no solo proporcionaron informes serios sobre eventos noticiosos, sino que también entretuvieron a las personas con columnas de chismes, tiras cómicas o publicaciones sindicadas. ¡De ripley, creálo o no! caricaturas. Revistas de pulpa, como Historias asombrosas y el Máscara negra, publicó cuentos imaginativos para entretener a los lectores de todo el mundo. La gente podía comprar periódicos y revistas en casi cualquier lugar, desde los chicos de la calle, en los quioscos y en las estaciones de tren.

Aunque el advenimiento de la radio hizo que algunos periódicos y revistas se fusionaran o dejaran de publicarse, durante la década se iniciaron algunos tipos nuevos de revistas. Algunas de las revistas nuevas más influyentes que comenzaron en la década de 1920 fueron Tiempo y Reader's Digest. Reconociendo que los lectores dedicaban menos tiempo a artículos largos y detallados, Tiempo y Resumen del lector proporcionó resúmenes condensados ​​de eventos y temas para brindar a los lectores mucha información en un espacio reducido. El formato fue un éxito y ambas revistas siguen siendo dos de las revistas más leídas en el nuevo milenio.

Los libros siguieron siendo un entretenimiento popular en la década de 1920. Durante la década de 1920, algunos de los escritores estadounidenses más influyentes, como F. ​​Scott Fitzgerald (1896-1940), comenzaron. Los libros para niños también se hicieron populares, con el comienzo de las series Little Blue Books, Winnie-the-Pooh, Nancy Drew y Hardy Boys. Las novelas de primera tirada cuestan hasta 1,75 dólares, pero los libros de tapa dura reimpresos se venden a cincuenta centavos cada uno. Las farmacias u otras tiendas minoristas a menudo tenían bibliotecas en las que la gente podía alquilar libros por un centavo al día.

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"Década de 1920: cultura impresa". Bowling, beatniks y bell-bottoms: cultura pop de la América del siglo XX. . Encyclopedia.com. 17 de junio de 2021 & lt https://www.encyclopedia.com & gt.

"Década de 1920: cultura impresa". Bowling, beatniks y bell-bottoms: cultura pop de la América del siglo XX. . Encyclopedia.com. (17 de junio de 2021). https://www.encyclopedia.com/history/culture-magazines/1920s-print-culture

"Década de 1920: cultura impresa". Bowling, beatniks y bell-bottoms: cultura pop de la América del siglo XX. . Obtenido el 17 de junio de 2021 de Encyclopedia.com: https://www.encyclopedia.com/history/culture-magazines/1920s-print-culture

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Ernest Hemingway

Ernest Hemingway fue un novelista y cuentista estadounidense. Ganó el Premio Nobel de Literatura en 1954. Hemingway basó muchas de sus historias en sus experiencias durante la Primera Guerra Mundial, la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial. Primeros días Ernest Hemingway nació el 21 de julio de 1899 en Oak Park, Illinois. Fue el primer hijo y el segundo de seis hijos de Clarence y Grace Hemingway. Su padre era médico y su madre era ama de casa y ganaba dinero extra dando lecciones de voz y música. Cuando era joven, Ernest pasaba los veranos de vacaciones con su familia en la zona rural de Michigan. Ese contacto cercano con la naturaleza le impartiría a Ernest su pasión de toda la vida por el aire libre, y vivir en áreas que la mayoría consideraría demasiado remotas o incluso aisladas. Asistió a las escuelas secundarias de Oak Park y River Forest, donde boxeó y jugó al fútbol. Ernest sobresalió académicamente, especialmente en inglés. Escribió para el periódico escolar semanal. Después de que Ernest se graduó de la escuela secundaria, no se inscribió en la universidad. En 1916, cuando solo tenía 17 años, se convirtió en reportero de La estrella de Kansas Cityy permaneció en ese trabajo durante unos seis meses.

A una guerra horrible Hemingway intentó unirse al Ejército de los EE. UU. Para ver acción en la Primera Guerra Mundial, pero no pasó el examen médico de ingreso, por lo que se unió al Cuerpo de Ambulancias del Servicio de Campo Estadounidense y se fue a Italia. Poco después de que Hemingway llegara al frente italiano, presenció la brutalidad de la guerra. El primer día de servicio tuvo que recoger restos humanos, la mayoría de los cuales eran mujeres que habían estado trabajando en una fábrica que fue bombardeada. Ese primer encuentro con la muerte humana dejó a Hemingway extremadamente conmocionado. En 1918 fue herido, lo que puso fin a su carrera como conductor de ambulancia. Fue galardonado con la Medalla de Plata al Valor Militar del gobierno italiano. Regresando a casa Hemingway regresó a Oak Park después de la guerra y, en 1920, aceptó un trabajo como autónomo y corresponsal extranjero en la Estrella de Toronto en Ontario. Hemingway se casó con su primera esposa, Elizabeth Hadley Richardson, en 1921. La pareja eligió vivir en París, donde Ernest cubrió la guerra greco-turca por el Estrella. El primer libro de Ernest, Tres historias y diez poemas, se publicó en París en 1923. La pareja regresó a los Estados Unidos cuando Hadley debía dar a luz a su primer hijo. Tuvieron un hijo y lo llamaron John Hadley Nicanor Hemingway. Ernest renunció a la Estrella en 1924 para dedicarse a su propia escritura. Por su cuenta en los EE. UU. El primer trabajo de Hemingway publicado en Estados Unidos fue En nuestro tiempo en 1925. Él y Hadley se divorciaron en 1927, más tarde ese mismo año, se casó con Pauline Pfeiffer. También ese año, Hemingway publicó Hombres sin mujeres, una colección de cuentos que contiene "The Killers", una de sus historias más conocidas. Su primer hijo y Pauline, Patrick, nació en 1928, y dos años más tarde tuvieron un segundo hijo, Gregory. Mientras daba a luz a su primer hijo, Pauline pasó por un parto difícil y el bebé nació por cesárea. Ernest usó ese episodio y su experiencia durante la guerra para escribir Adiós a las armas, publicado en 1929. Un mundo de escritura Después de que Hemingway fue de safari a Mombasa, Nairobi y Machakos, Kenia, escribió Las nieves del Kilimanjaro en 1932. Mientras estaba en España informando sobre la Guerra Civil española, Hemingway rompió los lazos con su amigo, novelista y corresponsal de guerra John Dos Passos, porque Dos Passos persistió en informar de las atrocidades cometidas no solo por los fascistas que a Hemingway no le agradaban, sino también por el Republicanos a quienes Hemingway favorecía. Cuando las fuerzas de Francisco Franco ganaron la Guerra Civil Española en la primavera de 1939, Hemingway perdió su patria adoptiva ante los nacionalistas fascistas de Franco. Menos de un año después, perdió su amada casa en Key West, Florida, debido a su divorcio en 1940. Unas semanas después de divorciarse de Pauline, se casó con Martha Gellhorn, su compañera cuando estaba en España. El mismo año, su novela Por quién doblan las campanas, basado en hechos de la Guerra Civil Española. El 8 de diciembre de 1941, Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial y Hemingway quiso participar en la guerra naval. Mientras estaba a bordo de su barco de pesca, el Pilar, Hemingway supuestamente patrullaba en busca de submarinos alemanes frente a las costas de Cuba y los EE. UU. Más tarde, como corresponsal de guerra para Collier's revista, Hemingway participó en la invasión del Día D de Normandía en una lancha de desembarco, entrando en la novena ola después de que terminó la mayor parte de la acción. Escritura de posguerra Después de la guerra, Hemingway comenzó a trabajar en la novela. El jardín del Edén. Nunca lo terminó, pero se publicaría póstumamente en 1986. También trabajó en una trilogía, que comprende El mar cuando era joven, El mar cuando está ausente, y El mar en el ser. Este último se publicaría en 1952 como El viejo y el mar. Ernest se divorció de Martha Gellhorn. Poco después, se casó con su cuarta y última esposa, la corresponsal de guerra Mary Welsh, a quien había conocido en el extranjero en 1944. El viejo y el mar fue un gran éxito, lo que le valió a Hemingway tanto el premio Pulitzer en 1953 como el Premio Nobel de Literatura en 1954. Entonces, la mala suerte le golpeó. Mientras estaba de safari, Hemingway sufrió heridas en dos accidentes aéreos. Las lesiones fueron graves: se torció el hombro derecho, el brazo y la pierna izquierda, sufrió una conmoción cerebral grave, perdió temporalmente la visión en el ojo izquierdo y la audición en el oído izquierdo. Además, sufrió parálisis del esfínter, aplastamiento de vértebra, rotura de hígado, bazo y riñón, y quemaduras de primer grado en cara, brazos y pierna. Unos meses después, Hemingway resultó gravemente herido en un incendio forestal que le provocó quemaduras de segundo grado en las piernas, el torso, los labios, la mano izquierda y el antebrazo derecho. El dolor fue horrible porque no pudo viajar a Estocolmo, Suecia, para aceptar su Premio Nobel. Una espiral descendente Hemingway vislumbró un ligero atisbo de significado cuando revivió algunos manuscritos de 1928 y trabajó en ellos de 1957 a 1960. El trabajo resultante se convirtió en Una fiesta movible, publicado póstumamente en 1964. Parecía cobrar vida, sin embargo, una vida de consumo excesivo de alcohol lo había alcanzado. Su salud también se vio amenazada por la hipertensión arterial y la inflamación de la aorta. Se deprimió más, lo que se vio agravado por un mayor consumo de alcohol.

Hemingway intentó suicidarse en la primavera de 1961. Recibió terapia electroconvulsiva para la depresión, sin embargo, pocas semanas antes de cumplir 62 años, le apuntó con una escopeta a la cabeza y se quitó la vida la mañana del 2 de julio de 1961. Sus restos fueron enterrados. en el cementerio católico de Ketchum, Idaho. La influencia de los escritos de Hemingway en la literatura estadounidense fue considerable y continúa en la actualidad.


Conociendo a Pierre Curie

Uno de los profesores de Curie consiguió una beca de investigación para que ella estudiara las propiedades magnéticas y la composición química del acero. Ese proyecto de investigación la puso en contacto con Pierre Curie, quien también fue un investigador consumado. Los dos se casaron en el verano de 1895.

Pierre estudió el campo de la cristalografía y descubrió el efecto piezoeléctrico, que es cuando se producen cargas eléctricas al apretar o aplicar tensión mecánica a ciertos cristales. También diseñó varios instrumentos para medir campos magnéticos y electricidad.


Ciencia de la década de 1920

Muchos de los artículos para el hogar que damos por sentados hoy en día fueron inventados o desarrollados en productos comerciales viables en la década de 1920. Los artículos que ahorran trabajo, mejoran el entretenimiento y la comodidad, como planchas eléctricas, tostadoras, refrigeradores, acondicionadores de aire, radio, televisión y aspiradoras, fueron solo algunos.

Es difícil para nosotros imaginar hoy la emoción que se generó cuando las maravillas tecnológicas de la ciencia moderna como la radio y la televisión se demostraron por primera vez al público en general. Fueron tiempos nuevos y emocionantes. Se abrieron industrias completamente nuevas y oportunidades de empleo para fabricar bienes para el mercado minorista en rápida expansión impulsado por un crédito de consumo fácil en forma de planes de pago a plazos.

En 1926, la Oficina Nacional de Patentes abandonó su requisito de que los inventores suministraran modelos de sus invenciones para obtener una patente. Durante muchos años habían acumulado más de 200.000 modelos que requerían mucho espacio de almacenamiento. Se tomó la decisión de donar los modelos más famosos a museos y subastar el resto. Los distribuidores de Nueva York y Baltimore compraron la mayoría de los modelos, siendo los principales compradores los comerciantes de carritos de mano. Luego intentaron venderlos en las calles al público por entre 25 centavos y 25 dólares cada uno.

En 1927, el presidente Coolidge firmó el nuevo proyecto de ley de control de radio, ya que la radio se había vuelto loca, con nuevas estaciones de transmisión surgiendo como hongos y llenando el éter con tantas vibraciones conflictivas y superpuestas que el resultado para el oyente fue un caos. El nuevo proyecto de ley de radio reguló las ondas de radio con la formación de una Comisión de Radio. La comisión clasificó todas las estaciones de radio, asignó bandas de frecuencias o longitudes de onda a las diversas clases de estaciones, determinó la ubicación de las clases de estaciones, o de estaciones individuales, hizo las regulaciones consideradas necesarias para evitar la interferencia entre estaciones y estableció regulaciones especiales aplicables. a las estaciones dedicadas a la transmisión en cadena.

Los principales avances en salud incluyeron el descubrimiento de las vitaminas C y E, la penicilina, el primero de los antibióticos modernos, las innovaciones en inmunización y el descubrimiento de la insulina que hizo posible el tratamiento de la diabetes.

Se hicieron intentos utilizando principios científicos para predecir los principales patrones climáticos y el éxito se experimentó con una predicción correcta del frío verano de 1927.

La comprensión de la humanidad del mundo en miniatura de las partículas atómicas y subatómicas aumentó enormemente y abrió la puerta al desarrollo futuro de nuevas formas de poder y armas.

El mundo infinito del universo y particularmente nuestro sistema solar revelaron algunos de sus secretos a astrónomos y científicos. Por ejemplo, se aprendió mucho más sobre el planeta Júpiter y el planeta Marte a través de mediciones radiométricas y fotografías utilizando diferentes tipos de filtros.

En 1926, Robert Hutchings Goddard se convirtió en la primera persona en lanzar un cohete de combustible líquido, el precursor de los asombrosos gigantes de la actualidad que han llevado al hombre a la luna y visitas exploratorias de naves espaciales a muchos de los planetas.

Ganadores del Premio Nobel de Física

1920 Charles Edouard Guillaume "en reconocimiento al servicio que ha prestado a las mediciones de precisión en Física por su descubrimiento de anomalías en aleaciones de acero al níquel"
1921 Albert Einstein (Alemania) "por sus servicios a la Física Teórica, y especialmente por su explicación del efecto fotoeléctrico"
1922 Niels Henrik David Bohr (Dinamarca) "por sus servicios en la investigación de la estructura de los átomos y de la radiación que emana de ellos"
1923 Robert Andrews Millikan (EE.UU.) "por su trabajo sobre la carga elemental de la electricidad y sobre el efecto fotoeléctrico"
1924 Karl Manne Georg Siegbahn "por sus descubrimientos e investigaciones en el campo de la espectroscopia de rayos X"
1925 James Franck y Gustav Ludwig Hertz "por su descubrimiento de las leyes que gobiernan el impacto de un electrón sobre un átomo"
1926 Jean Baptiste Perrin "por su trabajo sobre la estructura discontinua de la materia, y especialmente por su descubrimiento del equilibrio de sedimentación"
1927 Arthur Holly Compton (EE.UU.) "por su descubrimiento del efecto que lleva su nombre".
1927 Charles Thomson Rees Wilson (Escocia) "por su método de hacer visibles las trayectorias de partículas cargadas eléctricamente por condensación de vapor".
1928 Owen Willans Richardson "por su trabajo sobre el fenómeno termoiónico y especialmente por el descubrimiento de la ley que lleva su nombre"
1929 Príncipe Louis-Victor Pierre Raymond de Broglie (Francia) "por su descubrimiento de la naturaleza ondulatoria de los electrones".

RECURSOS CIENTÍFICOS DE LA DÉCADA DE 1920

Ford y Edison sobre las invenciones futuras - 1929
Los inventores del mañana patentarán miles de máquinas nuevas. ¿Cuáles serán estos? ¿Cuáles son nuestras mayores necesidades hoy? Respuestas a estas preguntas de Henry Ford y Thomas Edison. Ford predice que se utilizará etanol para alimentar vehículos.

Primera transmisión de TV en vivo desde un avión - 1929
Un intento de transmitir a los observadores de radio en tierra lo que se ve desde un avión en vuelo se describe en Air Travel News (Detroit), por S. R. Winters.


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Los principales cambios de la nueva década:

El cine de la década de 1960 reflejó la década de la diversión, la moda, el rock 'n' roll, los tremendos cambios sociales (es decir, la era y las marchas de los derechos civiles) y los valores culturales de transición. Esta fue una década turbulenta de cambios monumentales, tragedias, eventos culturales, asesinatos y muertes, y avances, tales como:

  • 1959 - La muñeca Barbie y el microchip inventados.
  • 1960 - Introducción del baile Twist de Chubby Checker
  • 1962 - Muerte de Marilyn Monroe
  • 1962 - Primeras retransmisiones televisivas en color
  • 1962 - Spacewar, el primer videojuego de computadora, inventado
  • 1962 - La crisis de los misiles cubanos
  • 1963 - Se introdujeron los teléfonos TouchTone
  • 1963 - Asesinato del presidente John F. Kennedy
  • 1963 - Liberación de la mujer, señalada por la publicación de Betty Friedan's La mística femenina
  • 1964 - Beatlemanía, los Beatles nos 'invadieron'
  • 1964 - El boxeador Cassius Clay se unió a la Nación del Islam y cambió su nombre a Muhammad Ali.
  • 1965 - Minifalda hizo primera aparición
  • 1965 - Disturbios raciales de Watts (LA)
  • 1965 - Las protestas por los estereotipos raciales contra el programa de televisión 'Amos and Andy' lo sacaron del aire.
  • 1966 - Un millón de años antes de Cristo hizo de Raquel Welch un símbolo sexual en un bikini de piel de dos piezas
  • 1967 - & quotHair & quot se inauguró fuera de Broadway
  • 1967 - Human Be-In (Golden Gate Park) y Summer of Love en San Francisco
  • 1967 - Primer trasplante de corazón
  • 1967 - Las protestas contra la guerra de Vietnam se intensificaron a medida que se multiplicaron las muertes en la guerra
  • 1968 - & quot60 Minutes & quot debutó en CBS-TV
  • 1968 - Asesinatos de Martin Luther King, Jr y Robert Kennedy
  • 1969 - Festival Musical de Woodstock en el estado superior de Nueva York
  • 1969 - Introducción de la pelota NERF segura para interiores
  • 1969 - & quot; Barrio Sésamo & quot; debutó en televisión
  • 1969 - Mai Lai
  • 1969 - Arpanet (primer Internet) inventado
  • 1969 - El brutal y 'ritualista' asesinato de la actriz de 26 años Sharon Tate (la esposa embarazada de Roman Polanski) y otras personas en Los Ángeles (Bel Air) por la familia hippie 'de culto' de Charlie Manson.
  • 1969 - Primer hombre en la Luna con el vuelo espacial Apolo 11
  • 1970 - Masacre del estado de Kent
  • 1971 - Charlie Manson y tres de sus seguidores femeninas en sus 20 años fueron condenados por los asesinatos de Tate-LaBianca, después del juicio por homicidio más largo en la historia de Estados Unidos.

Sin embargo, 1963 fue el peor año para la producción cinematográfica estadounidense en cincuenta años (solo se estrenaron 121 largometrajes). Y la mayor cantidad de películas extranjeras estrenadas en los EE. UU. En un año fue en 1964 (hubo 361 estrenos extranjeros en los EE. UU. Frente a 141 estrenos en los EE. UU.).

Con la disminución de las audiencias cinematográficas debido al dominio de la televisión, las principales compañías cinematográficas estadounidenses comenzaron a diversificarse con otras formas de entretenimiento: discos, publicaciones, películas para televisión y producción de series de televisión. Por ejemplo:

  • en julio de 1961, TWA Airlines inició la primero Películas regulares a bordo en primera clase durante un vuelo de Nueva York a Los Ángeles, con un proyector Bell and Howell dirigido a una pantalla para mostrar la brillante telenovela Por amor poseído (1961), protagonizada por Lana Turner
  • en septiembre de 1961, Sábado por la noche en el cine se estrenó en NBC con el primero comedia de pantalla ancha, Cómo casarse con un millonario (1953) - marcó el inicio de la tendencia de retransmitir películas de Hollywood en televisión
  • en 1965, Columbia lanzó el álbum del cantante de folk / rock Bob Dylan Highway 61 revisada
  • AMPAS eliminó premios separados para la cinematografía en blanco y negro y en color para las películas de 1967 (y posteriores), porque la mayoría de las películas se estaban haciendo en color

Dificultades financieras dentro de la industria cinematográfica:

Cada vez más en los años 60, los principales estudios financiaron y distribuyeron películas nacionales de producción independiente. Y las películas hechas para televisión se convirtieron en una característica habitual de la programación de las cadenas a mediados de la década. Muchas producciones cinematográficas & quotrunaway & quot se estaban realizando en el extranjero para ahorrar dinero. A mediados de la década, el precio medio de las entradas era de menos de un dólar y el presupuesto medio de una película era un poco más de un millón y medio de dólares. Y al final de la década, la industria cinematográfica estaba muy atribulada y deprimida y experimentaba un mínimo histórico que se había estado desarrollando durante casi 25 años.

Las estrellas y directores vinculados al estudio ya no existían. Y la mayoría de los directores de los primeros días del cine estaban jubilados o muertos. Algunos de los estudios, como UA y Hal Roach Studios, tuvieron que vender sus lotes como bienes raíces valiosos en California (para condominios y centros comerciales). Algunos vendieron accesorios (MGM vendía varios artefactos de películas en 1970, incluidas las zapatillas de rubí de Dorothy de El mago de Oz (1939)), ofreció recorridos por lotes traseros (Universal comenzó sus famosos recorridos por estudios en 1964) o creó parques temáticos (DisneyWorld en Orlando, Florida).

Para ayudar a la industria turística y crear otra atracción, en 1960, la Cámara del Congreso de Hollywood inauguró el Paseo de la Fama de Hollywood (estrellas bronceadas en terrazo rosa y rodeadas de cuadrados de terrazo de carbón que estaban incrustados en las aceras a lo largo de secciones de Hollywood Boulevard y Vine Street ). los primero estrella, colocada el 9 de febrero de 1960, fue para Joanne Woodward. Sin embargo, a mediados de los 70, Hollywood era más conocido por sus librerías para adultos, sus prostitutas y su apariencia decadente.

El nacimiento del multiplex y la desaparición de los palacios teatrales:

Stanley H. Durwood se convirtió en el padre del cine 'multiplex' en 1963 cuando abrió el primero-ever multiplex del centro comercial, compuesto por dos teatros uno al lado del otro con 700 asientos en Ward Parkway Center en Kansas City. Tres años más tarde, Durwood presentó el primer cuatro-plex del mundo y luego, en 1969, construyó un six-plex con cabinas de proyección automatizadas. Durwood pasó a dirigir AMC Entertainment, convirtiéndola en la tercera compañía de cines más grande del país.

Mientras tanto, la creación y la huida a los suburbios, la venta por parte de los estudios de sus existencias teatrales después de 1948 y el impacto de la televisión en la década de 1950 significaron la desaparición y la destrucción de los emblemáticos palacios cinematográficos del centro de la década de los 20. Maravillas arquitectónicas, como el Paramount Theatre de Times Square (Nueva York), proyectaron su última película programada en 1964. El RKO (Hill Street) Theatre de Los Ángeles estaba destinado a convertirse poco después en un garaje de estacionamiento. Y el Teatro RKO Orpheum en el centro de San Diego, construido en 1924, fue demolido para hacer espacio para un banco.

Debido a diversas inseguridades y dificultades financieras, los estudios fueron rápidamente absorbidos por empresas multinacionales, especialmente después de la muerte de magnates de estudios cinematográficos emprendedores de antes de la guerra, como Louis B. Mayer de MGM y Harry Cohn de Columbia. de Darryl F. Zanuck de 20th Century Fox en 1971, y la venta de un tercio de las acciones de Warner Bros. por Jack Warner a Seven Arts en 1967. La era tradicional de los estudios de Hollywood pronto pasaría a la historia, ya que cada vez eran más los estudios adquirido por otros conglomerados comerciales no relacionados. Comenzaba la era de las películas "empaquetadas" y la empresa y el productor independientes.

A mediados y finales de los 60, hubo un frenesí de compra / venta de los principales conglomerados que invirtieron y comerciaron en estudios y redes:

  • En 1962, el creciente conglomerado de entretenimiento MCA (la Music Corporation of America) adquirió Estudios Universal-International (en realidad, Universal-International-Decca), una fusión que tendría una influencia duradera en el mundo del espectáculo, desarrolló su fuerza como productora de televisión
  • En 1966, Industrias Gulf + Western compró el forcejeo Supremoy nombró a Robert Evans jefe de producción del estudio Evans pronto sería responsable de algunas de las películas más influyentes del estudio, como El bebé de Rosemary (1968), Historia de amor (1970), El padrino (1972), y Barrio chino (1974) que Evans produjo
  • En 1967, New Line Cinema fue fundada por Robert Shaye como un distribuidor privado de películas de arte, como el clásico de comedia basura de John Waters Flamencos rosados ​​(1972)
  • En 1967, Bank of America absorbió Artistas Unidos a través de su subsidiaria Transamerica Corporation
  • En 1967, Jack Warner (co-creador del famoso estudio) vendió su participación mayoritaria en Warner Bros. a una corporación canadiense de producción y distribución llamada Siete artes, y la empresa fue renombrada Warner Bros-Seven Arts. La nueva compañía adquirió Atlantic Records, pero cargada de deudas, fue vendida en 1969 a Servicios Nacionales de Kinney Incorporated, un conglomerado de Nueva York cuyos intereses incluían estacionamientos y funerarias, el estudio fue rebautizado más tarde. Warner Communications en 1971
  • En 1968, Avco, una empresa de equipos de aviación y servicios financieros, compró Películas de la embajada del fundador Joseph E. Levine
  • En 1969, MGM fue adquirida por el financiero de hoteles de Las Vegas y magnate de las aerolíneas Kirk Kerkorian, quien ganó el control del estudio en una batalla por poder con Edgar Bronfman, Sr. de Seagram, suspendió temporalmente la realización de películas durante más de diez años, hasta que fue adquirida por Artistas Unidos y relanzado en 1981
  • la pantalla grande original IMAX El sistema de proyección se desarrolló en 1967 e hizo su debut en 1970 en el Pabellón Fuji de la Exposición Universal de Osaka, Japón, con una pantalla de cinco pisos y una película de 70 mm en el proyector (y el primero Película IMAX Niño tigre - una producción de Multiscreen Corporation)

los Cleopatra Desastre:

La muy anunciada película de Joseph L. Mankiewicz Cleopatra (1963), filmada en locaciones en Roma, reunió a la explosiva pareja de Elizabeth Taylor como la reina de Egipto y el futuro esposo Richard Burton como Marc Antony, quienes trajeron más titulares con su floreciente romance que con problemas presupuestarios. Resultó ser un tremendo desastre financiero para 20th Century Fox, encabezada por Darryl Zanuck. Taylor, que ya era la actriz mejor pagada en la historia de Hollywood con $ 1 millón, tenía un vestuario de vestuario presupuestado en casi $ 200,000, y con numerosos costos excesivos, decorados extravagantes y miles de disfraces para el elenco, la película fue la más cara. hasta ese momento en un récord de $ 44 millones (en dólares ajustados, alrededor de $ 300 millones), de un presupuesto inicial de $ 2 millones. También fue el mas largo, película estadounidense de fabricación comercial estrenada en los EE. UU., a las 4 horas y 3 minutos. [Fox se salvó del desastre financiero solo con el lanzamiento de la epopeya bélica basada en hechos El día más largo (1963), una recreación de estrellas de los eventos que rodearon el Día D, y el golpe también fue suavizado por el éxito inesperado de El sonido de la música (1965).]

Con el alto costo de producir y hacer películas en Hollywood y la reducción del tamaño de los estudios, muchos estudios disminuyeron su producción interna y aumentaron la realización de películas fuera del país, principalmente en Gran Bretaña (una base de producción económicamente ventajosa), lo que generó grandes presupuestos y grandes películas. películas allí. En 1962, por ejemplo, el número de películas de Hollywood en producción había alcanzado un mínimo histórico, cayendo un 26% con respecto al año anterior. Dos ejemplos de películas realizadas en otros lugares incluyen estos magníficos dramas históricos de la Inglaterra del siglo XII:

  • Becket (1964) con Richard Burton (como el arzobispo Thomas Becket de Canterbury) y Peter O'Toole (como el rey Enrique II), una película ganadora del Oscar al mejor guión
  • El león en invierno (1968), el recuento del enfrentamiento entre el rey Enrique II (Peter O'Toole retomando su papel de rey) y Leonor de Aquitania (Katharine Hepburn), con premios Oscar por Hepburn y el guión de James Goldman [esta película contó con el largometraje de Anthony Hopkins debut como el rey Ricardo Corazón de León]

Los grandes estudios se convirtieron cada vez más en financistas y distribuidores de películas realizadas en el extranjero. Dos de las películas de los 60 del director David Lean, las que definieron la reputación de su carrera, se hicieron en Gran Bretaña. La belleza escénica y los fondos de ambas películas se convirtieron en un personaje tangible y abrieron la puerta a relatos de viajes épicos similares:

  • Lawrence de Arabia (1962) - la espectacular película épica de aventuras realizada en 70 mm sobre un enigmático y masoquista oficial / héroe británico llamado Coronel TE Lawrence que luchó al estilo guerrillero junto a Omar Sharif (en un papel revolucionario), con el actor de Shakespeare Peter O'Toole en su primera papel importante, nominado al Oscar y protagonista de la pantalla como el protagonista homoerótico de un guión venerado de Robert Bolt
  • Doctor Zhivago (1965), un dramático drama histórico / romántico adaptado de la novela ganadora del Premio Nobel de Boris Pasternak de los días de la Guerra Civil de Rusia que se desarrolla contra la historia del médico Yuri Zhivago, los dos amores femeninos de su vida: la sensual amante Lara (Julie Christie) y su esposa Tanya (Geraldine Chaplin) y el villano Kamarovsky (Rod Steiger)

La epopeya angloamericana Un hombre para todas las estaciones (1966) del director Fred Zinnemann, ganó seis premios de la Academia, incluidos los premios Oscar a Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor. Retrataba el choque de ideales entre el honorable y de principios Sir Thomas More (el bien hablado Paul Scofield, ganador de un Oscar, repitiendo su interpretación teatral), quien sacrificó su propia vida como rebelde contra el egocéntrico y tiránico rey Enrique VIII (Robert Shaw).

La eliminación progresiva de las grandes epopeyas históricas:

Sin embargo, se estaban eliminando las costosas epopeyas históricas. Dos producciones épicas, opulentas y con mucho dinero, ambas dirigidas por Anthony Mann, fueron remanentes de la década de los 50 de épicas históricas infladas. Estos se hicieron en España e Italia respectivamente, dos lugares de rodaje de películas menos costosos en Europa:

  • El Cid (1961) con el heroico Charlton Heston como el legendario guerrero español del siglo XI, Mann hizo la película después de ser despedido del set de Espartaco (1960) - vea abajo
  • drama histórico del productor Samuel Bronston La caída del Imperio Romano (1964) - una película desastrosa y exorbitante que sobrepasó y llevó a la bancarrota a su estudio

70 mm de Nicholas Ray y Andrew Marton. 55 días en Pekín (1963), también producida por Samuel Bronston, protagonizada por Charlton Heston y Ava Gardner, y la epopeya religiosa de John Huston La Biblia: en el principio (1966) perdió el favor ya que las extravagantes producciones cinematográficas de este tipo se volvieron demasiado costosas.

Cine británico & quotKitchen Sink & quot: & quotAngry Young Men & quot Películas

Una nueva ola de realismo social lúgubre y no ficticio en el cine británico, apodado o llamado & quot; Fregadero de la cocina & quot; debido a sus héroes enojados de la clase trabajadora de todos los días, el diálogo franco y los temas negativos de la posguerra, se ejemplificó en el granulado, poderosas obras de varios directores a finales de los 50 y principios de los 60. La mayoría de los directores tenían experiencia en teatro, televisión y documentales y llevaron su talento a la pantalla.

Sus películas con conciencia social también fueron categorizadas como películas de 'Angry Young Men', debido a que cada una se enfocaba en los problemas económicos y sociales de un protagonista masculino frustrado que intentaba liberarse de la sociedad y sus expectativas, a través del uso del alcohol, sexo, deportes y dinero, etc. Abrieron material nuevo al retratar a la juventud enojada y alienada de Inglaterra en términos frescos, enérgicos y francos:


T. S. Eliot

T.S. Eliot, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1948, es uno de los gigantes de la literatura moderna, muy distinguido como poeta, crítico literario, dramaturgo y editor y editor. En 1910 y 1911, siendo todavía un estudiante universitario, escribió "La canción de amor de J. Alfred Prufrock" y otros poemas que son hitos en la historia de la literatura. En estos poemas universitarios, Eliot articuló temas claramente modernos en formas que fueron tanto un desarrollo sorprendente como un alejamiento marcado de los de la poesía del siglo XIX. En unos pocos años había compuesto otro poema histórico, & ldquoGerontion & rdquo (1920), y en una década, uno de los poemas más famosos e influyentes del siglo, La tierra de residuos (1922). Si bien los orígenes de La tierra de residuos son en parte personales, las voces proyectadas son universales. Más tarde, Eliot negó que tuviera grandes problemas culturales en mente, pero, sin embargo, en La tierra de residuos diagnosticó el malestar de su generación y, de hecho, de la civilización occidental en el siglo XX. En 1930 publicó su próximo gran poema, Miércoles de ceniza, escrito después de su conversión al anglo-catolicismo. Llamativamente diferente en estilo y tono de su obra anterior, esta secuencia confesional traza su continua búsqueda de orden en su vida personal y en la historia. La culminación de esta búsqueda así como de la escritura poética de Eliot & rsquos es su meditación sobre el tiempo y la historia, las obras conocidas colectivamente como Cuatro cuartetos (1943): Norton quemado (1941), East Coker (1940), Los Salvajes Secos (1941) y Pequeño Gidding (1942).

Eliot era un crítico literario casi tan conocido como poeta. Desde 1916 hasta 1921 contribuyó con aproximadamente un centenar de reseñas y artículos a varias publicaciones periódicas. Esta primera crítica se produjo de noche bajo la presión de complementar su magro salario, primero como profesor, luego como empleado de banco y no, como a veces se sugiere, bajo la compulsión de reescribir la historia literaria. Producto de su inteligencia crítica y excelente formación en filosofía y literatura, sus ensayos, por muy apresurados que sean y por cualquier motivo, tuvieron un impacto inmediato. Sus ideas rápidamente se solidificaron en doctrina y se convirtieron, con los primeros ensayos de I.A. Richards, la base de la Nueva Crítica, una de las escuelas de estudio literario más influyentes del siglo XX. A lo largo de medio siglo de escritura crítica, las preocupaciones de Eliot & rsquos se mantuvieron más o menos constantes; sin embargo, su posición con respecto a esas preocupaciones fue refinada, revisada o, en ocasiones, revertida con frecuencia. A partir de finales de la década de 1920, la crítica literaria de Eliot & rsquos se complementó con la crítica religiosa y social. En estos escritos, como La idea de un cristiano Sociedad (1939), puede ser visto como un poeta cristiano profundamente involucrado y reflexivo en el proceso de dar sentido al mundo entre las dos guerras mundiales. Estos escritos, leídos con simpatía, sugieren el dilema del observador serio de la cultura occidental en la década de 1930 y, bien entendidos, complementan su poesía, obras de teatro y periodismo literario.

Eliot también es una figura importante en el drama del siglo XX. Desde el principio se inclinó por el teatro: sus primeros poemas son esencialmente dramáticos, y muchos de sus primeros ensayos y reseñas son sobre teatro o dramaturgos. A mediados de la década de 1920, estaba escribiendo una obra de teatro, Sweeney Agonistes (publicado en 1932, representado en 1933) en la década de 1930 escribió un concurso eclesiástico, La roca (representada y publicada en 1934), y dos obras de teatro en toda regla, Asesinato en la Catedral (realizado y publicado en 1935) y La reunión familiar (representada y publicada en 1939) y a finales de los 40 y 50 se dedicó casi exclusivamente a obras de teatro, de las cuales El cóctel (realizado en 1949, publicado en 1950) ha sido el más popular. Su objetivo, realizado solo en parte, fue la revitalización del drama poético en términos que fueran compatibles con la edad moderna. Experimentó con un lenguaje que, aunque cercano al discurso contemporáneo, es esencialmente poético y, por lo tanto, capaz de resonancia espiritual, emocional e intelectual. Su trabajo ha influido en varios dramaturgos importantes del siglo XX, entre ellos W.H. Auden y Harold Pinter. Eliot también hizo contribuciones significativas como editor y editor. De 1922 a 1939 fue editor de una importante revista intelectual, El Criterio, y de 1925 a 1965 fue editor / director en la editorial de Faber y Faber. En ambas capacidades, trabajó entre bastidores para nutrir la vida intelectual y espiritual de su época.

Thomas Stearns Eliot nació el 26 de septiembre de 1888 en St. Louis, Missouri. Fue el segundo hijo y el séptimo hijo de Charlotte Champe Stearns y Henry Ware Eliot, miembros de una distinguida familia de Massachusetts recientemente trasplantada a Missouri. El árbol genealógico de Eliot & rsquos incluye colonos de la colonia de la bahía de Massachusetts, clérigos y educadores prominentes, un presidente de la Universidad de Harvard (Charles William Eliot) y tres presidentes de los Estados Unidos (John Adams, John Quincy Adams y Rutherford B. Hayes). En 1834, el abuelo del poeta y rsquos, William Greenleaf Eliot, un graduado de la Harvard Divinity School, se mudó a St. Louis para establecer una misión unitaria. Rápidamente se convirtió en un líder en desarrollo cívico, fundando la primera Iglesia Unitaria, la Universidad de Washington (de la que se desempeñó como presidente), la Academia Smith y el Instituto Mary.

La familia Eliot vivía en el centro de St. Louis, no lejos del río Mississippi, y el poeta pasó sus años de formación en una casa grande (que ya no está en pie) en 2635 Locust Street. Su familia veraneaba en Nueva Inglaterra y en 1897 Henry Ware Eliot construyó una casa cerca del mar en Gloucester, Massachusetts. Los veranos en esta espaciosa casa en Cape Ann proporcionaron al poeta sus recuerdos más felices, que aprovechó a lo largo de los años para poemas como & ldquoMarina & rdquo (1930) y Los rescates secos.

A partir de estos pocos hechos, surgen varios puntos relevantes para la mente y el arte de Eliot & rsquos. Primero, sintiendo que los EE. UU.Hasta hace cien años fue una extensión familiar y rdquo (como escribió en una carta de 1928 a Herbert Read), Eliot se hizo muy consciente de la historia y mdash su propia, la de su familia, su país, su civilización, su raza y mdas y de las formas en que el el pasado incide constantemente en el presente y el presente en el futuro. En segundo lugar, a pesar del hecho de que Eliot fue bendecido con una infancia feliz en una familia amorosa, desde muy temprano estuvo poseído por una sensación de falta de hogar. En 1928, justo después de haber cambiado su religión de unitaria a anglicana y su ciudadanía de estadounidense a británica, resumió el resultado de estos años de formación en Missouri y Massachusetts, describiéndose a sí mismo en una carta a Read como un estadounidense que. nació en el sur y fue a la escuela en Nueva Inglaterra cuando era un niño con un acento negro, pero que no era sureño en el sur porque su gente era norteña en un estado fronterizo. y que nunca fue nada en ninguna parte ". Como le había escrito a su hermano, Henry, en 1919, pocos años después de establecerse en Londres," uno sigue siendo siempre un extranjero ". En tercer lugar, Eliot tenía una imaginación urbana, la forma y el contenido de que provino de su experiencia de infancia en St. Louis. En una carta de 1930 citada en un apéndice de Literatura americana y lengua americana (1953), dijo que & ldquoSt. Louis me afectó más profundamente que cualquier otro entorno. & Rdquo Varias de sus imágenes distintivas, calles y barrios marginales de la ciudad, ríos y cielos urbanos, quedaron grabadas en su mente en St. Louis. Las escenas de la ciudad, incluso las sórdidas, como sugirió en una carta de 1914 a Conrad Aiken, lo ayudaron a sentirse vivo, alerta y cohibido.

Eliot fue educado en Smith Academy en St. Louis (1898-1905), Milton Academy en Massachusetts (1905-1906), Harvard University (BA, junio de 1909 MA, febrero de 1911, cursos de doctorado, octubre de 1911 a mayo de 1914), Universidad de París-Sorbona (octubre de 1910-junio de 1911) y Merton College, Universidad de Oxford (octubre de 1914-mayo de 1915). Dedicó un año más (1915-1916) a una tesis doctoral sobre la filosofía de F.H. Bradley, finalmente publicada en 1964.

Como estudiante de Harvard, Eliot enfatizó el lenguaje y la literatura y mdashLatino, griego, alemán y francés. Quizás la consecuencia de mayor alcance de su carrera universitaria fue su descubrimiento accidental en diciembre de 1908 de Arthur Symons & rsquos Movimiento simbolista en la literatura (1899), un libro que, según él, había cambiado el curso de su vida. Primero, Symons le presentó la poesía de Jules Laforgue y Charles Baudelaire. De Laforgue, Eliot aprendió a manejar la emoción en la poesía, a través de la ironía y una cualidad de desapego que le permitió verse a sí mismo y a sus propias emociones esencialmente como objetos de análisis. De Baudelaire, aprendió a utilizar las sórdidas imágenes de la ciudad moderna, la "mano ldquoat" material, en poesía, y de una consecuencia aún mayor, aprendió algo de la naturaleza del bien y del mal en la vida moderna. En segundo lugar, Symons estimuló a Eliot a tomar un curso de crítica literaria francesa de Irving Babbitt en 1910. Babbitt alimentó a Eliot & rsquos en la francofilia en ciernes, su disgusto por el romanticismo y su apreciación de la tradición. Estos gustos son evidentes en la mayor parte de la crítica literaria temprana de Eliot & rsquos.

Durante el año que pasó en la Sorbona de París, Eliot conoció la obra del filósofo católico romano Charles Maurras a través de la Kouvelle Revue Francaise y, quizás de mayor trascendencia, asistió a las conferencias de Henri Bergson, profundizando en el proceso las reflexiones sobre el tiempo y la conciencia que se exploran en la poesía temprana y reciben su tratamiento más explícito en Cuatro cuartetos. París también fue importante en el desarrollo de la imaginación urbana de Eliot & rsquos. Aprovechó las artes populares, la ópera y el ballet, y los museos, pero sobre todo absorbió las imágenes de la vida urbana que se ven en las calles secundarias a lo largo del río Sena. Cerca del final de su año en París, Eliot visitó Londres por primera vez y, antes de regresar a casa, también visitó el norte de Italia y Munich.

Durante su tiempo en Harvard, estudió con algunos de los filósofos más distinguidos del siglo, incluidos George Santayana, Josiah Royce y Bertrand Russell. Se centró en la religión indie y la filosofía idealista (especialmente en Immanuel Kant), con más trabajo en ética y psicología. Los estudios indie (dos años de sánscrito y filosofía india) incitaron a su ascetismo innato y proporcionaron un contexto más completo para su comprensión de la cultura. Inevitablemente, estos materiales orientales entraron en su poesía. El mito indio del dios del trueno, por ejemplo, proporciona el contexto para la sección 5 (& ldquoWhat the Thunder Said & rdquo) de La tierra de residuos, y Buddha & rsquos fire sermon el contexto de la sección 3 (& ldquoThe Fire Sermon & rdquo). La actividad extracurricular más fructífera de Eliot & rsquos en Harvard fue su asociación con la revista literaria universitaria, la Abogado de Harvard. Varios de sus primeros poemas se publicaron primero en este periódico, y al menos una de sus amistades de toda la vida, que con su compañero poeta Aiken, se formó en este vivero de escritores y poetas.

Uno de los placeres especiales de los años de Eliot & rsquos en Boston fue la estrecha relación que desarrolló con su prima Eleanor Hinkley, tres años menor que él. Como estudiante en Radcliffe College, había tomado el famoso & ldquo47 Workshop & rdquo en teatro de George Pierce Baker. En 1912, a través de obras de teatro de aficionados en su casa, Eliot conoció a Emily Hale, de quien se enamoró y en un momento tuvo la intención de casarse. Las cartas de Eliot & rsquos a Hinkley se encuentran entre las más animadas y conservan intactas su ingenio y urbanidad juvenil. Sus cartas a Hale probablemente estarán entre las más reveladoras, pero hasta el año 2020, permanecen selladas en la Universidad de Princeton. Evidentemente, nunca dejó de amarla y, a fines de la década de 1920, reanudó el contacto. Su relación, que parece haber sido decorosa en todos los sentidos de la palabra, continuó durante dos décadas o más, terminando antes de su segundo matrimonio en 1957.

Al llegar a Oxford en octubre de 1914, Eliot descubrió que la mayoría de los estudiantes británicos se habían ido al Frente Occidental. Tenía la esperanza de conocer a Bradley, un miembro de Merton, pero el viejo don era en ese momento un recluso y nunca se conocieron. Al final del año académico, se trasladó a Londres y continuó trabajando en su tesis, que terminó un año después. La inmersión de Eliot & rsquos en la filosofía contemporánea, particularmente en el idealismo de Bradley & rsquos, tuvo muchos efectos, dos de los cuales resultaron especialmente importantes. Positivamente, estos materiales sugirieron métodos de estructura que pudo poner en uso inmediato en sus poemas de posguerra. Negativamente, su trabajo en filosofía lo convenció de que las respuestas más sofisticadas a la crisis cultural y espiritual de su tiempo eran inadecuadas. Esta conclusión contribuyó a su decisión de abandonar la carrera docente para la que lo había preparado su excelente educación y, en cambio, continuar con sus actividades literarias.

La carrera de Eliot y rsquos como poeta se puede dividir en tres períodos: el primero coincide con sus estudios en Boston y París y culmina en The Love Song of J. Alfred Prufrock en 1911, el segundo coincide con la Primera Guerra Mundial y con el estrés financiero y matrimonial de sus primeros años. años en Londres, y culminando en La tierra de residuos en 1922 y el tercero coincidiendo con su angustia por la depresión económica y el ascenso del nazismo y que culmina en tiempos de guerra. Cuatro cuartetos en 1943. Los poemas del primer período fueron precedidos sólo por unos pocos ejercicios, publicados en revistas escolares, pero en 1910 y 1911 escribió cuatro poemas: "Retrato de una dama", "Preludios", "Rapsodia en una noche ventosa", y "Rapsodia en una noche ventosa", y "El retrato de una dama". Love Song of J. Alfred Prufrock & rdquo & mdashtque introduce temas a los que, con variación y desarrollo, Eliot regresó una y otra vez. Uno de los más significativos es el problema del aislamiento, con atención a sus causas y consecuencias en el mundo contemporáneo. En "Retrato de una dama", un hombre y una mujer se encuentran, pero el hombre es inarticulado, aprisionado en sus pensamientos. En esta irónica dramatización de un "galante de conversación", la mujer habla sin pensar y el hombre piensa sin hablar (una estructura que se repetirá en "Un juego de ajedrez" en La tierra de residuos).

El profundo aislamiento de los personajes de & ldquoRetrato de una dama & rdquo se convierte en & ldquoThe Love Song of J. Alfred Prufrock & rdquo en un aislamiento que es absoluto. La dama específica es sucedida por mujeres generalizadas, la juventud arrogante por el intelectual de mediana edad en el que se convertirá, para quien las mujeres y, de hecho, el universo entero existen como abstracciones. La conmoción de este poema se deriva en parte de una tensión entre el aislamiento autogenerado de Prufrock & rsquos y su obsesión por el lenguaje. Aunque tiene miedo de hablar, solo puede pensar en el lenguaje del diálogo. Este diálogo consigo mismo, además, gira constantemente en torno a las infinitas posibilidades (o imposibilidades) del diálogo con los demás. En & ldquoRhapsody on a Windy Night & rdquo, el Otro femenino, igualmente aislado y aislado, es una joven prostituta con un vestido manchado que duda en una puerta, deseada y despreciada a la vez, eclipsada por una vieja prostituta, la luna picada de viruela, que sonríe débilmente al caminante de medianoche. .

En estos primeros poemas, la progresión desde un débil intento de comunicarse en "Retrato de una dama" hasta un fracaso total en "La canción de amor de J. Alfred Prufrock" tiene un paralelo en otros niveles. El aislamiento es sexual, social, religioso y (porque Eliot es poeta) vocacional. En & ldquoPortrait of a Lady, & rdquo, existen otras personas y quizás Dios, pero son inalcanzables en & ldquoThe Love Song of J. Alfred Prufrock & rdquo y & ldquoRhapsody on a Windy Night & rdquo; existen solo como aspectos de la mente del pensador en & ldquoPreludios & rdquo el Otro, ya sea humano o divino, ha sido asimilado tan profundamente que ya no puede definirse. Esta situación es explícitamente estética. El protagonista del salón de "Retrato de una dama" es acompañado por un artista en la sala de conciertos, y tanto el pretendiente como el pianista no logran llegar a sus oyentes. En ambos casos, el fracaso se describe en términos ceremoniales que superponen lo religioso a lo sexual y estético. J. Alfred Prufrock & mdasha amante, profeta, poeta y mdashalso tampoco logra llegar a su audiencia. Estos fracasos se superponen hábilmente mediante el uso de imágenes que definen el problema de Prufrock & rsquos como sexual (cómo relacionarse con las mujeres), religioso (cómo resucitar de entre los muertos, cómo lidiar con su propia carne en una bandeja) y retórico (cómo relacionarse con las mujeres). cantar, como decir, como repasar). Y como muestra con más claridad "La canción de amor de J. Alfred Prufrock", las brechas horizontales y verticales reflejan una brecha interior, una brecha entre el pensamiento y el sentimiento, una división del yo.

Entre los poemas de 1910-1911 y La tierra de residuos, Eliot vivió varias experiencias que son cruciales para comprender su desarrollo como poeta. Su decisión de echar raíces, o de descubrir raíces, en Europa se erige, junto con su primer matrimonio y su conversión, como las más importantes de toda su vida. Eliot había sido precedido en Londres por su amigo de Harvard, Aiken, quien conoció a Ezra Pound y le mostró una copia de "La canción de amor de J. Alfred Prufrock". Eliot visitó a Pound el 22 de septiembre de 1914, y Pound lo adoptó inmediatamente como un causa, promocionando su poesía y presentándole a William Butler Yeats y otros artistas. En 1915, en un momento en que Eliot estaba a punto de renunciar a la poesía, Pound organizó la publicación de & ldquoThe Love Song of J. Alfred Prufrock & rdquo en Poesía revista, y en 1917 facilitó la publicación de Prufrock y otras observaciones. Pound siguió desempeñando un papel central en la vida y obra de Eliot & rsquos hasta principios de la década de 1920. Influyó en la forma y el contenido del siguiente grupo de poemas de Eliot & rsquos, las cuartetas en Poemas (1919), y más famoso, cambió la forma de La tierra de residuos instando a Eliot a cortar varios pasajes largos.

El impacto de Pound, sin embargo, palidece frente al de Vivienne (o Vivien) Haigh-Wood, la bella institutriz inglesa que Eliot se casó en 1915. En una carta del 24 de abril a Hinkley describiendo su vida social en Oxford, Eliot mencionó que había conocido a una Chica inglesa llamada Vivien. Pound, como parte de su estrategia para mantener a Eliot en Inglaterra, lo animó a casarse con ella, y el 26 de junio, sin notificar a sus padres, lo hizo en la Oficina de Registro de Hampstead. Sin importar cuán amorosamente comenzara, el matrimonio fue en la mayoría de los aspectos un desastre. En la década de 1960, en un periódico privado, Eliot admitió que estaba condenado al fracaso desde el principio: "Creo que todo lo que quería de Vivienne era un coqueteo o una aventura suave: yo era demasiado tímido y poco practicado para lograrlo". Llegué a convencerme de que estaba enamorado de ella simplemente porque quería quemar mis barcos y comprometerme a quedarme en Inglaterra. Y se persuadió a sí misma (también bajo la influencia de Pound) de que salvaría al poeta manteniéndolo en Inglaterra. & Rdquo La extraña naturaleza de esta mala alianza fue inmediatamente evidente para los amigos de Eliot & rsquos, incluidos Russell, Mary Hutchinson y Virginia Woolf. Vivienne Eliot, que había sufrido de "quonerves" durante años, se enfermó irremediablemente después del matrimonio, y Eliot, él mismo con una salud frágil, se sintió parcialmente responsable de su deterioro. Esta carga es la sombra biográfica detrás de un motivo recurrente en los poemas y obras de teatro, el motivo de "hacer de una chica en". Su intento fallido entre 1915 y 1922 de construir un puente a través del golfo que los separaba, se reflejó de manera más conspicua en la parte 2 de La tierra de residuos, es una experiencia vivida detrás de todo su trabajo posterior.

Eliot había llegado a Inglaterra el mes en que comenzó la Primera Guerra Mundial. Al igual que sus amigos europeos, estaba profundamente perturbado por los acontecimientos que se desarrollaban y desesperadamente preocupado por los conocidos en el campo de batalla. En mayo de 1915 fue asesinado su amigo íntimo Jean Verdenal. El 31 de mayo, la primera bomba alemana golpeó Londres, matando a 28 personas e hiriendo a 60. Una o dos semanas después de este evento decisivo, Eliot se mudó a la City (el distrito financiero), donde permaneció durante toda la guerra. En 1916 le escribió a su hermano que & ldquoEl presente año ha sido. la más espantosa pesadilla de ansiedad que la mente humana pueda concebir. ”Eliot, que amaba tanto a Francia como a Inglaterra, trató de alistarse, pero su solicitud se complicó por no aprobar el examen médico. Cuando terminó la guerra en noviembre de 1918, una epidemia de influenza se estaba extendiendo por todo el mundo, cobrando casi tres veces más vidas que las que se habían perdido en la guerra. Para entonces, ambos Eliot estaban gravemente enfermos y tardaron años en recuperarse por completo.

Los acontecimientos de estos años fueron formativos en la vida y el arte de Eliot & rsquos. Primero, el matrimonio precipitado complicó su actitud hacia la sexualidad y el amor humano. Algunos de los poemas escritos durante e inmediatamente después de la guerra (& ldquoSweeney Erect & rdquo, por ejemplo, y La tierra de residuos) conectar la sexualidad con la violencia de formas preocupantes. En segundo lugar, el matrimonio, la guerra y el cambio de vocación generaron un alejamiento de América en general y de su familia en particular. Su familia desaprobó el matrimonio y la decisión de abandonar la filosofía como carrera, y debido a que la familia vivía en América, lejos del derramamiento de sangre, tenían una idea superficial del sufrimiento en Europa. Eliot continuó cavilando sobre el hecho de que su padre moribundo creía que su hijo había hecho un desastre en su vida. En tercer lugar, los acontecimientos de estos años provocaron graves problemas económicos. Para mantenerse a sí mismo y a su esposa, que padecía una enfermedad crónica, Eliot aceptó un trabajo como profesor en el otoño de 1915 en la High Wycombe Grammar School y durante 1916 en la Highgate Junior School. Al ver que la enseñanza de los muchachos agotaba el trabajo, lo dejó a fines de 1916, y en marzo de 1917 comenzó a trabajar en el Departamento Colonial y Extranjero de Lloyds Bank. Aunque permaneció con Lloyds durante los siguientes nueve años, descubrió que la banca, al igual que la enseñanza, no producía ingresos suficientes para cubrir sus gastos y las facturas médicas de Vivienne Eliot & rsquos. Por tanto, se vio obligado a complementar sus deberes como maestro, banquero y enfermero de su esposa con el trabajo nocturno como conferenciante, revisor y ensayista. Trabajando desde 1916 hasta 1920 bajo una gran presión (una jornada laboral de 15 horas era común para él), escribió ensayos, publicados en 1920 como El Bosque Sagrado, que reformuló la historia literaria.

Los primeros ensayos de Eliot & rsquos pueden verse como una variación discursiva sobre los temas subyacentes a los primeros poemas. Su conciencia, por ejemplo, del problema del aislamiento, sus causas y sus consecuencias, es evidente en los ensayos. En los poemas, el énfasis está en el aislamiento de los individuos y las clases entre sí y en el aislamiento humano de Dios. En la crítica literaria, el énfasis está en el artista aislado, aislado de su audiencia y de los grandes artistas y pensadores del presente y del pasado. En & ldquoTradition and the Individual Talent & rdquo (1919), Eliot intenta hacer frente al aislamiento del artista resultante del repudio masivo del pasado de principios del siglo XX, un repudio que cortó las raíces intelectuales y espirituales del hombre. Eliot aborda las implicaciones de este desastre definiendo & ldquotradition & rdquo como una estructura ideal en la que el & ldquotto de la literatura de Europa desde Homero y dentro de él toda la literatura de su propio país [el artista & rsquos] tiene una existencia simultánea y compone un conjunto simultáneo. orden. & rdquo Para decirlo de manera más simple, define la tradición no como un canon, sino como una relación continua y fluida de escritores, vivos y muertos, dentro de la mente y los huesos del poeta contemporáneo. La reacción de Eliot & rsquos contra el romanticismo, de manera similar, está relacionada con el hecho de que el romanticismo celebra al artista de forma aislada. La noción de Eliot & rsquos de que la poesía moderna debe ser compleja se deriva en parte de su intento de superar su aislamiento de sus lectores obligándolos a involucrarse como colaboradores en su poesía. Sugiere que un texto es un objeto autosuficiente y, al mismo tiempo, un constructo logrado en colaboración por un lector. Su relato de la forma en que la mente de un poeta trabaja unificando fenómenos dispares es coherente con su imaginación dialéctica, al igual que su relato de la historia literaria.

En cuanto a su poesía, el período comprendido entre 1911 y 1918 es en su mayor parte un largo tramo seco.Incluyó en el volumen de Prufrock algunas piezas breves escritas en Londres y Oxford en 1914 y 1915, y copió otras que no estaban listas para su publicación en su cuaderno (publicado en 1996 como Inventos de la liebre de marzo: Poemas, 1909-1917). En 1916 temía que "La canción de amor de J. Alfred Prufrock" hubiera sido su canto del cisne. Y en 1917, según su propio testimonio, se había vuelto bastante desesperado. Para ponerse en marcha de nuevo, Eliot escribió un puñado de poemas en francés, uno de los cuales, & ldquoDansk Restaurant, & rdquo en una versión truncada en inglés, terminó en La tierra de residuos. Eliot y Pound estuvieron en su punto más cercano durante estos años, y parte del ímpetu para el resurgimiento de Eliot & rsquos como poeta provino de su extravagante amigo. Ambos sintieron que la libertad lograda en la década anterior de revolución en las artes había degenerado en licencia y decidieron retroceder hacia formas más precisas. Para Eliot, el resultado fueron los poemas de cuarteta, llamados así porque fueron modelados, a sugerencia de Pound & rsquos, sobre las cuartetas de Theophile Gautier & rsquos. Emaux et Camees (1852). Estos poemas inspirados en Gautier, todas sátiras muy refinadas, incluyen & ldquoThe Hippopotamus, & rdquo & ldquoSweeney Erect, & rdquo & ldquoSweeney between the Nightingales, & rdquo & ldquoBurbank con un Baedeker, & rdquo & ldquoMr. Eliot & rsquos Sunday Morning Service, & rdquo & ldquoWhispers of Immortality, & rdquo y & ldquoA Cooking Egg & rdquo Los temas de los poemas franceses y los poemas de cuarteta se superponen con los de los poemas anteriores: soledad social y metafísica, ausencia de amor, esterilidad personal y cultural, muerte y mdash, pero el tono es aún más oscuro, con violencia justo debajo de la superficie. El enfoque internacional, cultural, institucional y mdas es más amplio que en los poemas anteriores. Prufrock es principalmente un Burbank individual y Sweeney son principalmente tipos. El miserable matrimonio de Eliot & rsquos y la experiencia de la Primera Guerra Mundial parecen ser los dos eventos más importantes detrás de este cambio en su obra.

El poema más significativo de Eliot entre 1911 y 1922 fue `` Geronación ''. Importante en sí mismo, también sirve como una transición a La tierra de residuos, a lo que, por razones temáticas, Eliot lo consideró un preludio apropiado, y al que, hasta que Pound lo disuadió, consideró prefijarlo. Formalmente, & ldquoGerontion & rdquo como & ldquoThe Love Song of J. Alfred Prufrock & rdquo desciende del monólogo dramático, pero es más atrevido y más completo. El poema anterior es un retrato de una mente individual, pero & ldquoGerontion & rdquo es un retrato de la Mente de Europa, un contenedor de fragmentos de historia desde la Batalla de las Termópilas en 480 a. C. hasta el Tratado de Versalles en 1919. El personaje principal, como su su nombre lo indica, nació en la antigua Grecia, sobrevive como un Sócrates desecado y deseando que llueva a las puertas de la Europa moderna. Como Prufrock, Gerontion es un intelectual y el poema se compone de sus pensamientos. Para ordenar estos pensamientos, Eliot utiliza la metáfora estructural de casas dentro de casas.

Una de las casas más importantes de este poema chino en forma de caja es la Europa devastada por la guerra, una casa de los horrores con muchos pasajes ingeniosos y pasillos artificiales. Eliot comenzó a escribir el poema en 1917, con la guerra aún en su apogeo, y lo terminó en principios de 1919, pocos meses después del Armisticio. Las grandes casas dinásticas y políticas de Europa y Rusia estaban en ruinas, y nueve millones de sus crías habían sido asesinadas para la civilización occidental. Diferentes personas analizaron la crisis de diferentes maneras para Eliot, la violencia era inseparable de un colapso de un terreno común en la cultura, la pérdida de la subestructura mítica que permite al individuo comprender su relación con cualquier persona o cosa. El colapso de supuestos compartidos en muchos campos: religión, física, filosofía, arte, etc. produjo una crisis en la epistemología, en el conocimiento, y esta crisis es básica para todo el trabajo de Eliot y rsquos.

Los primeros años de Eliot & rsquos como hombre literario dieron frutos tangibles en 1920 con la publicación de sus poemas recientes (como Ara Vos Gratis en Inglaterra, Poemas en América) y lo mejor de su crítica literaria (El Bosque Sagrado). Mientras concluía los detalles que rodeaban estos proyectos, pasó a lo que se convirtió en un hito en la historia de la poesía europea. En diciembre de 1919, Eliot le escribió a su madre que su resolución de Año Nuevo era "no escribir un poema largo que tenía en mi mente durante mucho tiempo". Ese poema largo, La tierra de residuos, continúa su exploración de lo que vio como la decadencia de la civilización europea, pero mientras que & ldquoGerontion & rdquo es su poema más impersonal, La tierra de residuos es hasta cierto punto bastante personal, ya que está fuertemente influido por un colapso en su propia vida. En los años posteriores a su matrimonio, Eliot había sufrido continuamente de exceso de trabajo y tensión financiera. La muerte de su padre en 1919 también tuvo un alto precio, al igual que la pérdida de amigos en la guerra. Su angustia más severa, sin embargo, fue la asociada con la ruptura de su matrimonio. Cada vez estaba más claro que él y Vivienne Eliot no eran buenos el uno para el otro. Sus comentarios sobre ella en las cartas son amables (reflejan, principalmente, preocupación por su salud y respeto por su ingenio), pero como sugieren los poemas & ldquoHysteria & rdquo (1915) y & ldquoOde & rdquo (1918), sus sentimientos eran más negativos de lo que jamás podría pensar. ha admitido ante su familia o amigos, o incluso ante sí mismo. En la década de 1960, en un periódico privado (citado en Las cartas de T S. Eliot, 1988), finalmente reconoció lo que había sido evidente durante mucho tiempo: “Para ella, el matrimonio no le trajo felicidad. para mí, me trajo el estado de ánimo del cual vino La tierra baldía: y rsquo

Estos años de ansiedad absoluta culminaron, finalmente, en una enfermedad grave. En 1921, al borde de un ataque de nervios, Eliot se vio obligado a tomar un descanso del banco. En octubre fue durante un mes a Margate y luego, dejando a Vivienne Eliot en París, fue a un sanatorio en Suiza. En este entorno protegido, se dedicó a completar el & ldquolong poema & rdquo que había estado en su mente durante años, una obra en la que su enfermedad se incluye como parte del material. En enero de 1922, Eliot regresó a Londres y se detuvo brevemente en París, donde dejó el texto mecanografiado del poema y luego tituló "Él hace la policía en diferentes voces" con Ezra Pound. Este último lo reconoció de inmediato como una obra genial, pero pensó que era necesario reducir su longitud. Eliot aceptó la mayoría de las sugerencias de Pound y luego testificó que Pound era un crítico maravilloso porque él. traté de ver lo que estaba tratando de hacer. & rdquo En octubre de 1922 La tierra de residuos apareció en Inglaterra en el primer número de la Criterio, La revista que Eliot editó durante la mayor parte de las siguientes dos décadas en noviembre apareció en América en el Marcar, con Eliot recibiendo el Marcar Adjudicación de $ 2,000.

La tierra de residuos fue tomado por algunos críticos como una broma de mal gusto, por otros como una obra maestra que expresa la desilusión de una generación. En lo que a Eliot se refería, no era ninguna de las dos cosas. Necesitaba, explicó en un 1959 Revisión de París entrevista, para sacar algo de su pecho, agregando, "Uno no sabe muy bien qué es lo que uno necesita para quitarse el pecho hasta que uno se lo quita". En una conferencia en Harvard, citado en La tierra de residuos facsímil (publicado en 1971), respondió a quienes consideraban que el poema era una declaración cultural: `` Para mí fue solo el alivio de un quejido personal y totalmente insignificante contra la vida, es solo una pieza de quejido rítmico ''. personal, por supuesto, razón por la cual él lo llama insignificante, pero sus causas son inseparables de las que hicieron quejarse de una generación o más de occidentales inteligentes. La queja de Eliot & rsquos contra la vida es parte de un descontento más amplio y compartido sobre la civilización de la posguerra y las condiciones de la vida moderna. Otro aspecto de las quejas de Eliot & rsquos que es más que personal es su ansiedad por la posibilidad en el arte. Un tema importante en su poesía y prosa desde el principio había sido la situación del artista que está aislado de su audiencia por el colapso de un terreno común en la cultura. Privado de un marco mítico o religioso compartido, el artista moderno se vio obligado a idear otros medios de unidad. Tenía que encontrar, como dijo Eliot en su reseña de James Joyce & rsquos Ulises (1922), "una forma de controlar, de ordenar, de dar forma y significado al inmenso panorama de futilidad y anarquía que es la historia contemporánea". de historias) de principio a fin, había quedado obsoleta por la ciencia moderna y por las condiciones de la historia.

En La tierra de residuos, en consecuencia, Eliot experimentó con un método que esperaba sería un "paso importante para hacer posible el mundo moderno para el arte". Lo llamó "método quomítico" y lo definió como la manipulación de un paralelo continuo entre un mundo ordenado de mitos (una abstracción) y un mundo caótico de la historia, contemporánea o no. Al mantener el caos de su propio tiempo en la superficie, el artista está siendo fiel a la historia al referir este caos a un orden atemporal, está siendo fiel al arte. El mítico método permitió a Eliot en La tierra de residuos para lidiar simultáneamente con temas como su enfermedad y matrimonio fallido y temas más importantes como los trastornos en la política, la filosofía y la ciencia que rodearon a la Primera Guerra Mundial. El título y gran parte del simbolismo fueron tomados de Sir James Frazer & rsquos La rama dorada (1890-1915) y Jessie Weston & rsquos Arthurian Studies, recopilados en De ritual a Romance (1920). Frazer argumentó que todos los mitos descienden de un solo antepasado (un monomito) que en su reconstrucción describe una tierra en la que un rey y su pueblo están tan interrelacionados que la impotencia en el gobernante conduce a la esterilidad del pueblo y la devastación de la tierra. Weston, un discípulo de Frazer & rsquos, argumentó que las historias del Grial eran parte de este mito más amplio. El monomito tenía especial relevancia para la cultura de principios del siglo XX: Dios había sido declarado muerto, la tierra había sido devastada por la guerra, los líderes políticos habían demostrado ser impotentes, una generación entera de jóvenes habían sido masacrados en Francia y Bélgica y los supervivientes parecían fantasmas en las calles. de la ciudad. El mito de los antepasados ​​no está presente en su totalidad en La tierra de residuos pero se genera en la mente del lector y rsquos por yuxtaposición de fragmentos de sus muchas variantes y, como en Ulises, por una compleja red de referencias. El poema presenta muchas voces de muchos tiempos y lugares, y juntas revelan perspectivas cambiantes sobre situaciones en las que las fallas de liderazgo, comunidad y amor han producido un páramo. El uso de fragmentos de mito para generar estructura y el uso de perspectivas cambiantes son señas de identidad de la forma radical de La tierra de residuos.

Otro aspecto de la forma en el poema es la parataxis, es decir, la yuxtaposición sin transición de fragmentos, algunos no más de una sola palabra. Trozos de mitos, literatura, religión y filosofía de muchas épocas y culturas se combinan con fragmentos de música y conversación tan contemporáneos que podrían haber salido del periódico & rsquos de ayer. Sin sentido en sí mismos, los fragmentos de este collage literario se vuelven poderosamente sugerentes en su yuxtaposición y en la forma en que se hacen eco y se explican entre sí a medida que generan conjuntos más grandes.

La tierra de residuos consta de cinco partes en las que el propio verso de Eliot & rsquos se mezcla con fragmentos del verso de otros. El tema principal de la primera sección, "Entierro de los muertos", es la muerte: la muerte como problema en la eliminación de desechos, la muerte como parte de un ciclo natural, la muerte como parte de la vida, la muerte como final, la muerte como principio. El montaje de Eliot & rsquos incluye la muerte del año, de individuos, de ciudades, de civilizaciones. Todas estas muertes se remontan en la genealogía de Frazer & rsquos a los rituales primitivos en los que a la muerte le sigue una "siembra" ritual con la intención de asegurar una rica cosecha. Eliot se refiere específicamente a tales rituales en las líneas, & ldquoEse cadáver que plantaste el año pasado en tu jardín, / ¿Ha comenzado a brotar? & Rdquo La tierra está en el centro de muchas ceremonias antiguas de fertilidad. Pero las líneas de Eliot & rsquos se refieren también al mundo contemporáneo, donde plantar el cadáver asegura la cosecha al actuar como fertilizante orgánico, y donde abril es cruel porque, en & ldquobreeding / Lilacs out of the dead land, & rdquo promete lo que no entrega: nueva vida .

El tema subyacente de la segunda sección, "Un juego de ajedrez", es el sexo, que en el mito forma parte del interés por la vida. Sin embargo, en la historia, como muestra Eliot, el sexo a menudo no se asocia con la vida en absoluto. Yuxtapone dos "escenas" y "mdashminidramas" de extremos opuestos de la escala social, que muestran relaciones estériles y sin sentido. La relación de una pareja de clase media alta se estructura mediante una partida de ajedrez, y la de una pareja de cockney mediante visitas al pub. A través de la alusión, otras situaciones sexuales estériles & mdashOphelia & rsquos, Cleopatra & rsquos, Philomela & rsquos & mdashare se superponen. El tema subyacente de la sección tres, "El sermón del fuego", es nuevamente la herida sexual detrás de la decadencia de la civilización. Como en & ldquoA Game of Chess, & rdquo hay dos situaciones sexuales contemporáneas & mdashone, una proposición homosexual y la otra, una transacción sexual mecánica entre un mecanógrafo y un empleado. Ambas situaciones surgen del aburrimiento, ambas, obviamente, son infructuosas y sin amor. El tema subyacente en la breve cuarta sección, & ldquoDeath by Water & rdquo, es nuevamente la muerte. El ahogamiento de un marinero, seguido de la disolución, se yuxtapone, mediante alusión, a la "muerte" por el agua del bautismo cristiano y a los mitos de la vegetación de Frazer y rsquos, preludios rituales del renacimiento. La muerte ritualista por agua implica purificación; la muerte contemporánea por agua es también, irónicamente, una purificación, una limpieza literal de huesos.

El tema subyacente de la última sección de La tierra de residuos, "Lo que dijo el trueno" es la restauración, no como un hecho, sino como una posibilidad remota. Reaparecen las anteriores imágenes de sequía y esterilidad, pero ahora acompañadas de imágenes que sugieren la posibilidad de revitalización. Suena un trueno en la distancia Cristo, el héroe asesinado y resucitado cuya muerte produce la restauración, camina por la tierra, el héroe mítico cuyas pruebas personales pueden asegurar la bendición comunitaria se acerca a la Capilla Peligrosa. La marea de esta sección se refiere a una leyenda india en la que hombres, dioses y demonios escuchan el trueno y luego construyen a partir de ese sonido el mensaje positivo que puede restaurar el páramo y hacer fructificar a sus habitantes. El poema termina, sin embargo, no con la restauración sino con una avalancha de fragmentos, la más concentrada de todo el poema. El último fragmento (& ldquoShantih Shantih Shantih & rdquo), por casualidad una bendición, es el más crudo en que, como abril, y quizás como un trueno, despierta expectativas que no satisface.

La restauración, entonces, está presente sólo como un susurro; todo depende, finalmente, de la voluntad de uno mismo para tomar lo dado y construir algo que permita recuperar la estructura y el significado. Las últimas líneas sugieren una distinción que se volvió crucial en la propia vida de Eliot & rsquos: si bien puede que no sea posible recuperar la civilización occidental, puede ser posible restaurar el orden en la vida personal de uno & rsquos.

En 1926, Eliot fue invitado a dar las Clark Lectures en Cambridge (publicado en 1993 como Las Variedades de Poesía metafísica), y en 1932, para entonces un poeta y crítico de renombre mundial, fue invitado a Harvard como profesor de poesía Charles Eliot Norton. Tres eventos de la década intermedia son importantes para seguir la forma de su vida y su arte. En primer lugar, su situación económica y, en cierto sentido, profesional se resolvió cuando, en 1925, dejó Lloyds Bank por la editorial de Faber y Gwyer (más tarde Faber y Faber). En segundo lugar, su situación matrimonial continuó deteriorándose, terminando con su separación permanente de Vivienne Eliot en 1932 y en tercer lugar, en 1927, su odisea espiritual culminó con el bautismo en la Iglesia Anglicana y la naturalización como súbdito británico. La pesadilla financiera había comenzado a desvanecerse en 1922 cuando lanzó El Criterio. Cuando Eliot anunció en vísperas de la Segunda Guerra Mundial que iba a traer El Criterio Para terminar, pudo mirar atrás con considerable orgullo por la calidad y el alcance de sus logros. Al publicar el trabajo de escritores tan distinguidos como Paul Valery, Marcel Proust, Joyce, Woolf, D.H. Lawrence, Auden, Jacques Maritain, Maurras y Wilhelm Worringer, había mejorado enormemente el compañerismo intelectual en Europa. En Faber and Faber, Eliot encontró un grupo de asociados agradable y duradero y, a través de la editorial, pudo ser mentor y amigo de escritores más jóvenes.

La comunidad de intelectuales y artistas de la que Eliot se convirtió en parte mitigó un poco la sensación de fragmentación que siempre lo había perseguido. Sin embargo, los aspectos sexuales y religiosos de su aislamiento se resistieron a mejorar. Él y Vivienne Eliot fueron incapaces de forjar ningún tipo de unidad y, a medida que su relación y su salud continuaron empeorando, él sufrió de formas que afloraron en su poesía. Inseparable de su comprensión de que el amor humano, y en particular el amor sexual, había fallado, fue su vuelta hacia Dios y la iglesia. El vacío y la desolación de este período se capturan perfectamente en "Los hombres huecos", compuesto en fragmentos durante un período de dos o tres años y que aparece por primera vez como un solo poema en Poemas 1909-1925 (1925).

Escrito en el estilo de lo que Eliot dijo una vez fue la mejor parte de La tierra baldía y mdashthe canción que gotea en & ldquoWhat the Thunder Said & rdquo & mdash & ldquoThe Hollow Men & rdquo se basa en cuatro alusiones principales: Dante & rsquos Divina Comedia (hacia 1310-1314), William Shakespeare y rsquos Julio César (1599), Joseph Conrad y rsquos Corazón de la oscuridad (1902), y un evento en la historia inglesa, la trama de la pólvora de 1605. Dante, Shakespeare y Conrad son posiblemente los escritores más importantes en el trasfondo del arte de Eliot & rsquos, y Corazón de la oscuridad es probablemente superado solo por La Divina Comedia como recurso intelectual / espiritual. Conrad & rsquos Mr. Kurtz, un culto idealista europeo y portador de la civilización a lugares oscuros, vislumbra mientras muere una visión que expresa como "¡El horror!" ¡El horror! & Rdquo Estas palabras, incluidas en el epígrafe original de Eliot & rsquos para La tierra de residuos, describe la visión que tanto Conrad como Eliot vieron bajo el barniz de la civilización europea. Y describen lo que probablemente Conrad y Eliot vieron bajo la superficie del idealismo moderno.

En & ldquoThe Hollow Men & rdquo, Eliot se centra en el idealismo compartido por figuras como Brutus, Guy Fawkes y (como en La tierra de residuos) Kurtz, y en un epígrafe que también es una conclusión, cita de Corazón de la oscuridad el simple anuncio de un niño de la jungla: "Mistah Kurtz & mdashhe muerto". La muerte de Kurtz y todo lo que él representa está en el centro del significado de este poema. El "Viejo" del epígrafe no es sólo Guy Fawkes, sino también "el viejo" cuya muerte, según San Pablo, es la condición de una nueva vida. Muchas figuras de los primeros poemas de Eliot & rsquos, incluidos todos los dioses y semidioses de Frazer, tienen que morir o ser ejecutados como condición para la continuación de la vida. Aquellos que no pueden morir no pueden vivir realmente. La más sorprendente de estas figuras de la muerte en vida es la Sibila de Cumas que preside La tierra de residuos. En & ldquoThe Hollow Men & rdquo, Eliot no va más allá de una presentación de la vacuidad, pero en el acto de presentarla, parece aceptar la muerte que es el paso esencial hacia su propia vida. vita nuova. En & ldquoGerontion & rdquo y La tierra de residuos, Eliot había visto a las figuras de la muerte en vida principalmente como algo distinto a él mismo. Pero en "Los hombres huecos", al tratar de expresar su propia vacuidad inarticulada, se incluye a sí mismo entre los muertos vivientes. Su idealismo, como el de Brutus, Fawkes y Kurtz, lo ha llevado a la tierra de los cactus.

La salida de la tierra de los cactus llevó a Eliot a su bautismo el 29 de junio de 1927 en la Comunión Anglicana. En noviembre, en lo que le pareció parte del mismo ritual, se naturalizó como ciudadano británico. Muchos de los contemporáneos de Eliot & rsquos, habiéndolo adoptado como una especie de portavoz, sintieron que al abrazar el cristianismo tradicional los había abandonado. Explicó en & ldquoThoughts After Lambeth & rdquo (1931) que nunca había tenido la intención de ser el portavoz de una generación en la que había estado tratando todo el tiempo de trabajar en su propia salvación y que, por "razones poderosas y concurrentes", se había sentido atraído inexorablemente hacia Cristiandad. En marzo de 1932, en un breve artículo del Oyente, explicó, “En mi propio caso, creo que una de las razones fue que el esquema cristiano me pareció el único que funcionaría. el único esquema posible que encontró un lugar para los valores que debo mantener o perecer. ”Como Blaise Pascal, Eliot había procedido a la posición cristiana mediante un cuidadoso proceso de rechazo y eliminación. Había considerado el budismo y probado esquemas de la filosofía y la antropología, y llegó a la conclusión de que estas opciones no daban cuenta del mundo tal como él lo veía y eran una base inadecuada para el orden en la vida y en el arte. En una sorprendente revisión de su estética temprana de la impersonalidad, Eliot usó su propia lucha espiritual como material en su próximo gran poema, Miércoles de ceniza.

Miércoles de ceniza se compone de seis letras, tres de las cuales se habían publicado por separado antes de la publicación de 1930 de las seis bajo una misma marea. La marea se refiere al primer día de Cuaresma, un día de arrepentimiento y ayuno en el que los cristianos reconocen su mortalidad y comienzan el período de 40 días de autoexamen que conduce a la nueva vida prometida por la Pascua. La estructura de esta secuencia proviene del nuevo principio de orden de Eliot, el esquema cristiano que para él había subsumido tanto a Bradley como a Frazer. En lugar del monomito como punto de referencia, Eliot ahora usa la Encarnación de Cristo, no solo en Miércoles de ceniza pero también en Cuatro cuartetos y las obras de teatro. La Encarnación representa una intersección de lo humano y lo divino, del tiempo y lo atemporal, del movimiento y la quietud. Los esquemas anteriores de Eliot & rsquos habían sido un medio para hacer posible el arte en el caos de la historia contemporánea. Sin embargo, su nuevo esquema es un medio para hacer posible la vida, de la cual el arte es solo una parte. La integración de la vida y el arte se puede ver en el hecho de que Miércoles de ceniza es a la vez más personal, incluso confesional, y al mismo tiempo más formal y estilizada que la obra anterior.

Por todo su brillo, Miércoles de ceniza sigue siendo un poema sobre el crepúsculo, sobre el tiempo de tensión entre la muerte y el nacimiento. La tensión se resuelve en Puerto pequeño (publicado como panfleto de Navidad en 1930), frecuentemente considerado como el poema corto más hermoso de Eliot & rsquos. Consiste en un monólogo interior pronunciado por Pericles, príncipe de Tiro, quien en la obra de Shakespeare & rsquos navega por los mares en busca de su amada esposa, perdida tras dar a luz en el mar a una pequeña hija, también perdida y presuntamente muerta. El monólogo de Eliot & rsquos, inspirado en la escena de reconocimiento de Shakespeare & rsquos, transmite la maravilla y el asombro que experimenta el viejo príncipe al darse cuenta de que la hermosa niña que está frente a él es Marina, un reconocimiento que no solo restaura a una hija sino que también conduce a la restauración de su esposa.

La década inaugurada con Miércoles de ceniza fue uno lleno de acontecimientos para Eliot. En 1932 publicó Seleccionado Ensayos 1917-1932, una colección de su crítica literaria durante la década de 1920. El mismo año, en septiembre, regresó a Estados Unidos para impartir las prestigiosas conferencias de Charles Eliot Norton en Harvard. Vivienne Eliot permaneció en Inglaterra. En este momento crítico, Eliot decidió que ya no podían vivir juntos. Por varias razones, él no quería divorciarse de ella, por lo que le pidió a su abogado de Londres que preparara una "Escritura de Separación". Después de que él regresó a Inglaterra, vivieron separados y rara vez se vieron. Su salud empeoró aún más y en 1939 fue institucionalizada por su hermano Maurice.

La parte más gratificante del año de Eliot & rsquos en Estados Unidos, su primera visita a casa en 18 años, fue que le permitió renovar su relación con los miembros sobrevivientes de su familia. En diciembre viajó a California, aparentemente para dar una conferencia en Scripps College, pero en realidad para pasar tiempo con Hale, quien era profesor allí. Excepto por la angustia causada por la situación con su esposa, Eliot disfrutó de su regreso a casa. Sus conferencias de Harvard, un estudio de los puntos culminantes de la crítica inglesa desde el Renacimiento hasta la década de 1920, se publicaron en 1933 como El uso de la poesía y el uso de la crítica. En enero de 1933 pronunció las Conferencias Turnbull en la Universidad Johns Hopkins y en mayo las Conferencias Page-Barbour en la Universidad de Virginia. Las conferencias de Virginia, publicadas como Después de dioses extraños en 1934, constituyó un intento de afinar su antiguo concepto de tradición, rebautizándolo como "ortodoxia". La idea de un cristiano Sociedad. También en la década de 1930, Eliot se dio cuenta de su antigua ambición de convertirse en dramaturgo, terminando ambos Asesinato en la Catedral y La reunión familiar. También publicó Libro de gatos prácticos Old Possum & rsquos (1939), poemas ligeros compuestos para sus ahijados.

El mayor logro poético de Eliot & rsquos durante la década de 1930 fue Norton quemado, compuesta en 1935, inicialmente considerada como obra independiente y mda incluida como tal en Poemas recopilados 1909-1935 y mdashpero convirtiéndose durante la guerra en la primera de cuatro obras comparables que juntas se conocen como Cuatro cuartetos. Esta Norton quemado en secuencia, este Coker, The Dry Salvages, y Little Gidding y mdashes ampliamente considerado como obra maestra de Eliot & rsquos. Él mismo pensó Cuatro cuartetos su mayor logro y Pequeño Gidding su mejor poema.

Mientras que sus primeros poemas se habían centrado en el individuo aislado, Cuatro cuartetos se centra en el momento aislado, el fragmento de tiempo que toma su significado y le da su significado a un patrón, un patrón a la vez en el tiempo, cambiando continuamente hasta que el momento supremo de la muerte lo completa, y también fuera del tiempo. Dado que el individuo vive y existe solo en fragmentos, nunca puede conocer el patrón completo, pero en ciertos momentos, puede experimentar el patrón en miniatura. Estos momentos eternos, el momento en el jardín de rosas, / El momento en el cenador donde golpea la lluvia, / El momento en la iglesia con corrientes de aire al caer el humo, proporcionan a Eliot los medios para conquistar el tiempo. Este momento de iluminación repentina, dentro y fuera del tiempo, Eliot lo asocia con el Verbo hecho carne, la Encarnación y también con la palabra hecha arte, la poesía. La configuración de la pieza / patrón, especialmente en estas tres dimensiones, es tanto el tema principal como el principio principal de la forma en Cuatro cuartetos.

El hecho de que Cuatro cuartetos es una meditación sobre el tiempo y una celebración del patrón que apunta a un principio secundario de la forma, aunque el primero que suelen mencionar los críticos. Del título colectivo y de una conferencia llamada La musica de la poesia (1942), entregado a principios del año en que terminó Pequeño Gidding, Está claro que Eliot estaba trabajando con una analogía musical a lo largo de Cuatro cuartetos, especialmente en lo que respecta a la estructura. Las analogías más evidentes con la música incluyen enunciado y contraenunciado, tema y variación, variación de tempo y variación de estado de ánimo. Al utilizar la analogía musical, Eliot pudo evitar la monotonía, la plaga de poemas filosóficos largos y complejos. La analogía con la música es útil para aclarar la naturaleza no discursiva de Cuatro cuartetos, pero como advierte Eliot en La musica de la poesia y en los ensayos sobre los simbolistas franceses, no debería llevarse demasiado lejos.

El título de cada meditación se refiere a un lugar específico importante para el poeta. Burnt Norton es el nombre de una casa de campo en Gloucestershire que Eliot visitó en el verano de 1934 en compañía de Hale. El titulo de East Coker se refiere al pueblo de Somersetshire desde el cual, en el siglo XVII, la familia Eliot & rsquos había inmigrado a América, y al cual, después de su muerte, las propias cenizas de Eliot & rsquos debían ser devueltas. El misterio de los comienzos y los finales & mdash & ldquoEn mi principio es mi fin, & rdquo & ldquoEn mi fin es mi principio & rdquo & mdashin y fuera de la historia se explora en este trabajo. El tercero de los Cuatro cuartetos toma su título de un pequeño pero enormemente traicionero grupo de rocas, Dry Salvages, ubicado frente a la costa de Cape Ann, Massachusetts, donde Eliot había pasado los veranos de su niñez. Estas rocas, el océano frío y aparentemente ilimitado en el que están ancladas y el gran río Mississippi de su infancia son los principales símbolos de esta meditación. El último de los Cuatro cuartetos toma su título de un pequeño pueblo en Huntingdonshire, Little Gidding, que en el siglo XVII había sido una comunidad de cristianos dedicados bajo el liderazgo de Nicholas Ferrar.

los Cuatro cuartetos todos tienen la misma forma general. La primera parte de cada uno consiste en una meditación sobre el tiempo y la conciencia, organizada como una declaración / contraenunciado / recapitulación. El segundo consiste en un pasaje poético muy estructurado seguido de un pasaje relativamente prosaico, ambos sobre el tema general de estar atrapado en el tiempo. El tercero explora las implicaciones de los dos primeros en términos de una metáfora del viaje, algún concepto del movimiento del yo dentro y fuera del tiempo. El cuarto es una breve letra que trata sobre la muerte y el renacimiento. El quinto comienza con un pasaje coloquial y luego termina con una letra que asegura el cierre volviendo al principio y recopilando imágenes importantes. La quinta sección de cada obra incorpora una meditación sobre el problema del artista que aún debe moverse en la quietud, mantener el tiempo en el tiempo (ambos se mueven continuamente en el paso y están continuamente quietos).

La carrera de Eliot & rsquos como poeta virtualmente terminó con Cuatro cuartetos. Su prolongada desesperación por la civilización occidental, en el corazón de la & ldquoGerontion & rdquo y La tierra de residuos y todavía conspicuo en 1939 en su editorial de despedida para El Criterio, fue algo desplazado por el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Se dio cuenta de nuevo de que había tradiciones y principios por los que valía la pena morir, e hizo lo que pudo para ayudar a preservarlos, por ejemplo, sirviendo como vigilante de incendios en el techo de Faber y Faber durante el bombardeo de Londres en 1940, una experiencia representada en el & ldquocompound ghost & rdquo sección de Pequeño Gidding. Este período estuvo marcado por la pérdida de amigos, entre ellos Yeats en 1939 y Joyce y Woolf en 1941. En enero de 1947, el capítulo más doloroso de su historia personal llegó a su fin cuando, tras años de enfermedad, Vivienne Eliot murió de un corazón. ataque. Pound estaba en ese momento confinado en un hospital psiquiátrico, St. Elizabeth & rsquos en Washington, DC, acusado de traición por discursos de radio pronunciados durante la guerra. Con otros amigos preocupados, Eliot hizo lo que pudo para mejorar la situación de su antiguo benefactor. Contra estas sombras que se alargan, Eliot debe haber experimentado algún placer en su creciente reputación como uno de los más grandes poetas vivos y distinguidos hombres de letras.

Lo que quedaba de la energía creativa de Eliot y rsquos se puso en sus comedias y mdashEl cóctel, el confidentesecretario oficial (realizado en 1953, publicado en 1954), y El anciano estadista (realizado en 1958, publicado en 1959). El primero fue un éxito popular, ganó premios internacionales y, cuando se estrenó en Broadway, atrajo a una audiencia que incluía a Ethel Barrymore y el duque y la duquesa de Windsor. A finales de la década de 1940 y 1950, Eliot regresó a Estados Unidos para varias presentaciones en universidades, incluidas Princeton, la Universidad de Chicago y la Universidad de Washington. Continuó con su trabajo en Faber and Faber durante la década de 1950, y aceptó invitaciones para dar conferencias en Sudáfrica, Edimburgo y otros lugares.

A partir de finales de la década de 1940, Eliot recibió casi todos los elogios que Occidente podía ofrecer a un poeta. Varias universidades, incluida su alma mater, le otorgaron doctorados honoris causa. En 1948 recibió el premio civil más exclusivo y prestigioso de Inglaterra, la Orden del Mérito y, en el mismo año, el Premio Nobel de Literatura. Respondió al Nobel con una mezcla de gratitud y humor. El biógrafo Peter Ackroyd registra que cuando se le preguntó por qué recibió el premio, Eliot dijo que asumió que era para "todo el corpus". El periodista respondió: "¿Cuándo escribiste eso?" Los New York Times (21 de noviembre de 1948) un periodista preguntó cómo se sentía al ganar el Premio Nobel, y Eliot respondió: "Uno no se siente diferente". No es que uno se haga más grande para adaptarse al mundo, el mundo se vuelve más pequeño para adaptarse a usted. ”La mayor diferencia que hizo el Nobel, tal vez, fue que aumentó la ansiedad de Eliot con respecto a su trabajo futuro. Sabiendo que su mejor trabajo estaba en el pasado, temía que el premio creara expectativas que ya no podría satisfacer. En la década siguiente, sin embargo, continuó recibiendo premios internacionales. El estatus de este poeta sumamente reservado y difícil está indicado por su cobertura en revistas populares (en marzo de 1950 apareció en la portada de Tiempo) y por el tamaño de su audiencia (atrajo a una multitud de casi 15.000 personas para una conferencia de 1956 en Minneapolis). Eliot aceptó toda esta atención con la gracia y el buen humor característicos. Como su obituario en Londres Veces (6 de enero de 1965) señaló: `` Era, sobre todo, un hombre humilde, firme, incluso testarudo a veces, pero sin una importancia personal que no había sido corrompida por la fama, libre de orgullo espiritual o intelectual ''. Esta cita está corroborada por el testimonio de los que lo conocieron como persona más que como monumento.

El evento más importante en la vida posterior de Eliot & rsquos fue su segundo matrimonio. A los 68 años se casó con Esme Valerie Fletcher, su devota secretaria en Faber and Faber desde 1950, y casi 40 años menor que él. Según todos los informes, este feliz matrimonio rejuveneció al poeta. Su evidente satisfacción puede parecer contradecir la mayoría de sus anteriores referencias al amor sexual, pero de hecho su tardía dicha conyugal revela con especial claridad un patrón más amplio en su vida y su arte. Ese patrón implica una búsqueda continua de plenitud. Su temprana obsesión por el quebrantamiento y el aislamiento puede verse fácilmente en retrospectiva como la expresión negativa de una búsqueda de plenitud y comunión. El segundo matrimonio es importante porque es el complemento en su vida personal de la unidad religiosa que encontró a través del compromiso con la Encarnación, y de la unidad estética que logró en Cuatro cuartetos. La unidad personal, la & ldquonew persona / Quién somos tú y yo juntos & rdquo, se celebra en su canto del cisne, El anciano estadista, más explícitamente en su poema dedicatorio, "Una dedicación a mi esposa".


Universidad del Sur de California

Los Ángeles era una ciudad fronteriza accidentada a principios de la década de 1870, cuando un grupo de ciudadanos de espíritu público encabezados por el juez Robert Maclay Widney soñó por primera vez con establecer una universidad en la región. Tomó casi una década para que esta visión se hiciera realidad, pero en 1879 Widney formó un consejo de administración y obtuvo una donación de 308 lotes de tierra de tres miembros prominentes de la comunidad & # 8211 Ozro W. Childs, un ex horticultor protestante El gobernador de California, John G. Downey, un farmacéutico y empresario católico irlandés, e Isaias W. Hellman, un banquero y filántropo judío-alemán. El obsequio proporcionó terreno para un campus, así como una fuente de donaciones, las semillas del apoyo financiero para la institución naciente.

Cuando la USC abrió sus puertas por primera vez a 53 estudiantes y 10 maestros en 1880, la "ciudad" todavía carecía de calles pavimentadas, luces eléctricas, teléfonos y un sistema confiable de alarma contra incendios. En la actualidad, la USC alberga a más de 48.000 estudiantes y más de 4.400 profesores de tiempo completo, y está ubicada en el corazón de una de las metrópolis más grandes del mundo.


Calvin Coolidge / Calvin Coolidge - Eventos clave

En una ceremonia a las 2:30 a.m. en Plymouth, Vermont, Calvin Coolidge es juramentado por su padre como el trigésimo presidente de los Estados Unidos.

El gobernador J. C. Walton coloca a Oklahoma bajo la ley marcial para reprimir el creciente terrorismo del Ku Klux Klan, que ha resurgido en el sur y el medio oeste en respuesta al empeoramiento de las condiciones económicas.

En su primer discurso sobre el Estado de la Unión, Coolidge expresa su apoyo a la prohibición y la participación de Estados Unidos en la Corte Mundial. También manifiesta su oposición a la interferencia del gobierno en las empresas y pide reducir los impuestos, extendiendo así las políticas de Harding. Es la primera transmisión de un discurso presidencial oficial, que fue posible gracias a los más de 2.5 millones de radios en los hogares estadounidenses en 1920 había menos de 5,000.

Al proporcionar anualidades de veinte años para los veteranos a un costo total de $ 2 mil millones, la Cámara de Representantes aprueba la Ley de bonificación de los soldados. Un mes después, el Senado también aprueba el proyecto de ley solo para que Coolidge lo vete. El Congreso anulará posteriormente el veto.

Representantes de Nicaragua, Guatemala y El Salvador firman el Pacto de Anapala con Estados Unidos, acordando cortar la ayuda a las fuerzas insurgentes en la vecina Honduras que amenazan con derrocar al presidente Rafael Gutiérrez. Este fue uno de los muchos intentos de Estados Unidos, que había enviado marines a Honduras ya en 1919, para mantener a Gutiérrez en el poder. Estos esfuerzos finalmente fracasaron cuando el líder insurgente Tiburcio Carias se convirtió en dictador en 1933.

El Congreso aprueba una nueva ley de inmigración con cuotas aún más restrictivas que las establecidas por una ley temporal dos años antes. Los inmigrantes japoneses están completamente excluidos, mientras que los canadienses y los mexicanos quedan exentos de las cuotas.

Los partidos políticos nacionales celebran convenciones para nominar candidatos presidenciales y vicepresidenciales para las próximas elecciones. El Partido Republicano nomina a Coolidge y Charles G. Dawes los Demócratas, John W. Davis y Charles W. Bryan y los Progresistas, Robert La Follette y Burton K. Wheeler.

El Plan Dawes está firmado por Estados Unidos, Francia, Gran Bretaña, Italia y Bélgica para resolver el problema de las reparaciones alemanas y poner fin a la ocupación del Ruhr por las tropas francesas y belgas. Supervisado por el secretario de Estado Charles Evans Hughes, el plan fue elaborado por el compañero de fórmula de Coolidge, Charles G. Dawes, y basó el calendario de reparaciones en lo que Alemania podría pagar en lugar de en lo que podría verse obligada a pagar. Por su parte, Dawes ganaría el Premio Nobel de la Paz al año siguiente.

Los últimos marines estadounidenses, enviados por primera vez a Santo Domingo en 1916 por Woodrow Wilson, se retiran de la República Dominicana, finalizando un proceso iniciado tres años antes por el secretario de Estado Charles Evans Hughes. Durante este período, Estados Unidos ayudó al país a prepararse para elecciones libres y, en última instancia, para la independencia. La retirada revirtió décadas de participación de Estados Unidos en la República Dominicana bajo los auspicios del Corolario Roosevelt de la Doctrina Monroe.

Coolidge gana las elecciones fácilmente con 382 votos electorales (15,725,000 votos populares) frente a los 136 de los demócratas (8,386,000 votos populares). La Follette obtiene una sorprendente cantidad de 4.823.000 votos populares, aunque solo 13 votos electorales.

El 4 de noviembre de 1924, Calvin Coolidge fue elegido presidente de los Estados Unidos. El vicepresidente Coolidge había asumido el cargo de presidencia el año anterior después de la muerte del presidente Warren Harding. Pero Coolidge tuvo que convencer al público estadounidense de que lo eligiera presidente por derecho propio.

Coolidge tuvo poco tiempo para disfrutar de su nuevo trabajo como presidente antes de tener que comenzar a hacer campaña para mantener el puesto. De hecho, en el momento de la muerte de Harding en agosto de 1923, el presidente se acercaba al final de su viaje de dos meses por el país diseñado para reparar su imagen y la de su partido antes de la campaña presidencial de 1924. Inicialmente, ganar las elecciones parecía una tarea abrumadora para Coolidge, quien cuatro años antes había ganado la nominación republicana a la vicepresidencia solo después de que los delegados del partido se enfrentaran por candidatos más favorecidos. Aunque era un hombre de pocas palabras, Coolidge era un político astuto que, cuando se convirtió en vicepresidente en 1920, había servido como funcionario electo durante más de dos décadas, desde concejal de la ciudad hasta gobernador de Massachusetts. Más importante aún, siguió siendo extremadamente popular entre el público estadounidense durante este tiempo. Coolidge personificó la actitud honesta, trabajadora y emprendedora que prometía racionalizar el gobierno y librar a Washington de la corrupción y los escándalos engendrados durante la administración de Harding.

La campaña de Coolidge difería poco del "Regreso a la normalidad" anunciado por Harding cuatro años antes. Sobre los dos temas más controvertidos, la prohibición y el Ku Klux Klan, Coolidge dijo poco. Su plataforma de impuestos más bajos y un gobierno más pequeño resonó en el pueblo estadounidense. Coolidge también utilizó el nuevo medio de radio de manera muy eficaz en lo que de otra manera fue una campaña sin incidentes. Prácticamente inventando la conferencia de prensa, Coolidge celebró 520 durante sus cinco años y medio en el cargo, cultivando una relación genial con la prensa con su ingenio seco y humor irónico. En noviembre de 1924, era el favorito, y su fácil victoria - 382 votos electorales (15,7 millones de votos populares) frente a 136 (8,4 millones) del demócrata John Davis y 13 del progresista Robert La Follette (4,8 millones) - sorprendió a pocos. Cuatro años después, cansado del cargo, Coolidge declinó la nominación para un segundo mandato electo al convocar una conferencia de prensa, pero sin responder preguntas de los reporteros. Simplemente entregó tiras de papel a los presentes que decían, en el estilo clásico de Coolidge, "No elijo postularme para presidente en mil novecientos veintiocho".


Póster de sonidos rápidos A0 (PDF)

Hay tres programas: Read Write Inc. es un programa de alfabetización inclusivo para todos los niños en la etapa básica hasta el año 4 que están trabajando por debajo del nivel 2 del plan de estudios nacional. También es adecuado para niños en grupos de años mayores que tienen dificultades de aprendizaje significativas, incluidas problemas de alfabetización. Next Steps sigue a Read Write Inc. La mayoría de los niños comenzarán al final del año 1 o al comienzo del año 2. El programa tiene como objetivo llevar a los niños al nivel 3 de NC. Hay 15 textos de ficción y 15 textos de no ficción, cada uno con un conjunto de actividades básicas de comprensión y composición. Read Write Inc. 2 sigue un formato similar a Read Write Inc. pero está dirigido a niños de 5, 6 y 7 años que están trabajando por debajo del nivel 3 del plan de estudios nacional. Utiliza texto apropiado para su edad y también es adecuado para estudiantes mayores que han sido invitado a participar.

Derechos de autor: 2006

ISBN: 9780198460473


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