Escultura coreana antigua

Escultura coreana antigua

La escultura de la antigua Corea estuvo dominada por temas budistas como figurillas y estatuas monumentales del Buda y sus seguidores, y grandes campanas de bronce para los templos. El bronce dorado era el material más utilizado por los escultores coreanos, pero también utilizaban mármol, piedra, arcilla, hierro y madera. La escultura no budista incluye máscaras, figuras de guardianes para tumbas y postes tallados, todos los cuales fueron diseñados para alejar a los espíritus malignos. Inicialmente influenciados por el arte chino, los escultores coreanos crearían su propio estilo único y ellos mismos influirían en la escultura del antiguo Japón.

Escultura de los Tres Reinos

La escultura más antigua conocida de la península es una pequeña figura de piedra de una mujer desnuda excavada cerca de Busan que data del período Neolítico. En este momento, también se hicieron figuras de arcilla pellizcada, pero la escultura en gran cantidad no se produjo hasta el período de los Tres Reinos (siglo I a. C. al siglo VII d. C.).

En los tres reinos de Baekje (Paekche), Silla y Goguryeo (Koguryo), que gobernaron la península desde el 57 a. C. hasta el 668 d. C., el budismo fue una gran influencia en la escultura con la producción de figuras de madera y metal del Buda, Maitreya ( el Buda venidero) y bodhisattvas, las linternas de piedra para los sitios del templo, las tejas del techo del templo con caras horribles para alejar a los espíritus malignos y los quemadores de incienso son todos particularmente populares. Los artistas de Baekje también esculpieron acantilados para representar al Buda, como en Sosan.

Este período vio la producción de estelas que representan a Buda y sus seguidores, que fueron creadas originalmente en Baekje. Cuatro ejemplos del templo de Piamsa cerca de Yongi están tallados en esteatita y miden poco menos de medio metro de altura. Probablemente son del reino de Silla y llevan esculturas en alto relieve de figuras y músicos budistas sobre un fondo de mandorla. Uno tiene forma de hongo y tiene una pagoda representada en la parte posterior. Todos se encuentran actualmente en el Museo Nacional de Corea, Seúl.

La forma más común de escultura budista de este período son los íconos portátiles, ya sea de figuras de la tríada del Buda flanqueadas por dos bodhisattvas o estatuillas de un solo bodhisattva. Estos están hechos en bronce y bronce dorado. La estatua más antigua conocida data del 539 EC y muestra la mandorla llameante alrededor de la cabeza de Buda, que era típica del arte del norte de Wei de China. La figura también es destacable por la inscripción en el reverso que indica la gran cantidad de figuras realizadas. Se lee:

¿Historia de amor?

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En el séptimo año de Yonga, el año de Kimi, el sacerdote principal del Templo de East Nangnang del Reino de Koguryo desea lanzar y distribuir mil Budas, de los cuales este es el vigésimo noveno. (Kim, 110 años)

El reino de Baekje ofrece el ejemplo más destacado de quemador de incienso de metal, el único superviviente de este tipo. Fabricado en bronce dorado, mide 135 cm de altura. El pie tiene forma de dragón y sostiene una montaña en forma de huevo que está decorada con seres celestiales y nubes. El conjunto está rematado por una tapa decorada con un fénix.

Los trabajadores metalúrgicos y escultores de Baekje transmitieron sus habilidades e ideas a Japón a mediados del siglo VI d.C., cuando existían estrechas relaciones entre los dos territorios. A partir de este momento, la escultura de figuras coreanas se vuelve más independiente de la influencia china y los rostros son notablemente más coreanos en representación y menos redondeados, lo que ayuda a distinguir la escultura budista de las dos culturas a partir de ahora.

Escultura de Silla unificada

El Reino Unificado de Silla (668-935 d.C.) vio desarrollarse una nueva forma de arte, la de hacer grandes campanas de bronce fundido (Pomjong) que fueron golpeados lateralmente con una viga de madera suspendida. Ubicados en sus propios pabellones, fueron utilizados en templos budistas para anunciar servicios. El ejemplo más grande es de Pandok-sa, también conocido como Emille Bell, que fue lanzado en 771 EC para honrar al Rey Seongdeok. 3,3 metros de altura y más de 2,2 metros de diámetro, está decorado con flores de loto y seres celestiales con un lazo de suspensión en forma de dragón. Con un peso de casi 19 toneladas, la campana se exhibe ahora en el Museo Nacional de Gyeongju.

Quizás la más fina de todas las esculturas de figuras coreanas se encuentre en el Seokguram cerca del Templo Bulguksa en el Monte Toham, Gyeongju. La gruta artificial fue construida entre 751 y 774 EC y contiene un magnífico Buda sentado de granito. A 3,45 metros de altura, se sienta con las piernas cruzadas sobre un gran pedestal o trono circular, de 1,6 metros de altura. La gruta está decorada con un total de 41 esculturas de figuras talladas en alto relieve que representan varias figuras del budismo. Están considerados entre los mejores jamás producidos en Corea.

Otras figuras de piedra monumentales incluyen un grupo de cuatro fuera de Gyeongju. Tallado a cada lado de una roca de granito, según una leyenda narrada en el Samguk yusa, El rey Gyeongdeok (r. 742-765 EC) escuchó una voz debajo del suelo y al excavar en el lugar descubrió las figuras. También se construyó un templo en el sitio, el Kulpulsa o 'Templo de la Excavación de los Budas'.

Algunas esculturas de figuras grandes se hicieron con hierro fundido con partes hechas por separado y luego ensambladas y pintadas o cubiertas con yeso. Sin embargo, sigue siendo la escultura a pequeña escala la que proporciona los mejores ejemplos de artesanía. Las figuras de Maitreya sentada muestran rasgos faciales finamente modelados, proporciones corporales realistas, posturas lánguidas (generalmente una pierna cruzada sobre la otra) y pliegues profundos en la túnica de la figura. También fueron populares las figuras del Buda de la Medicina (Bhaisajyaguru) y del Buda Vairocana, con su distintivo gesto de los dedos de la mano derecha sosteniendo el dedo índice de la izquierda. Las primeras figuras posiblemente ganaron popularidad luego de un período prolongado de malas cosechas y bandidaje desenfrenado en el siglo IX d.C. Nuevamente, aunque el hierro y la piedra se usaban comúnmente, el material elegido para las piezas más finas era el bronce, que luego se doraba con pan de oro y una amalgama de mercurio. Cuando se calentó, el mercurio se evaporó y luego se pulió la figura.

El arte popular de la época proporciona algunas formas escultóricas interesantes, como el changsung: postes altos y delgados coronados por un rostro humano que actuaba como guardianes de la aldea.

El arte popular de la época proporciona algunas formas escultóricas interesantes. los changsung Eran postes altos y delgados coronados por un rostro humano. Colocados en el suelo en parejas en las entradas de la aldea, fueron tallados en piedra o madera y se pensó que actuaban como guardianes. A veces, las versiones de madera se tallaban en un tronco de árbol completo, y las raíces se dejaban de modo que cuando se colocaban en el suelo boca abajo parecían el cabello perteneciente a la cara de demonio pintada de colores brillantes. Una superstición común era que si alguien eliminaba un changsung, entonces un hombre moriría en el pueblo. De ellos se colgaban ofrendas de comida y, en ocasiones, se enterraban castañas al pie. Changsung también eran símbolos de fertilidad a los que las mujeres rezaban y, a veces, incluso se colocaban frente a los templos budistas; las más antiguas datan del 759 EC. Otra forma popular de escultura popular que combinaba la fertilidad y la función de guardián era Harubang. Se trataba de esculturas de piedra de figuras humanas de todo tipo que se colocaban fuera de las tumbas para ahuyentar a los espíritus malignos. Un tercer tipo de poste guardián fue sottae, que eran postes coronados por un pájaro tallado. Finalmente, una popular escultura de madera fue Kirogi. Se trataba de patos de madera que se daban como reemplazo de la tradición anterior en las bodas donde el novio regalaba un ganso a la madre de la novia para garantizar su fidelidad.

Escultura Goryeo

Goryeo gobernó Corea desde 918 EC hasta 1392 EC, y sus escultores utilizaron una variedad de medios que incluyen mármol, piedra, terracota (lacada o dorada) y metal. Las figuras de Buda como Maitreya continuaron siendo populares, y algunas son masivas, como la de 17.4 metros de altura en Paju y la figura de 18.4 metros de altura en el templo de Gwanchoksa en Nonsan, que fueron talladas en rocas naturales en el CE del siglo XI. Estas estatuas tienen solo lo esencial de los detalles y son mucho más abstractas que las figuras de metal. Muchos de ellos usan sombreros altos únicos, y esto puede representar un vínculo con el chamanismo, practicado durante mucho tiempo en la antigua Corea. También se seguían haciendo estatuas de metal a gran escala, como en el reino de Silla, como el 'Buda Gwangju', que mide 2,88 m de altura.

Otra área de la metalurgia fue la producción de campanas para templos budistas. Más pequeñas que las campanas gigantes hechas por el antiguo reino de Silla Unificado, las campanas de Goryeo todavía pueden tener hasta 1,7 metros de altura y fueron fundidas en bronce y decoradas con dragones y figuras celestiales, entre otros. Una característica única es el medallón de loto fundido en el punto donde se golpeó la campana. Las campanas, los gongs del templo, los quemadores de incienso y los jarrones también se fundieron en bronce y, a veces, se embellecieron con incrustaciones de plata y oro muy finas.

Las figuras de pie de soldados o funcionarios se colocaban comúnmente en pares fuera de las tumbas, según el modelo de China. Las máscaras de madera son otro ejemplo de la escultura no budista de la época. Creados para los bailes tradicionales de máscaras, tienen ojos hundidos y narices largas y rectas, lo que sugiere una influencia de Asia Central. Las máscaras se habían producido durante mucho tiempo en Corea y los chamanes las usaban o para protegerse de los espíritus malignos en tumbas y casas. En la segunda mitad del período, las esculturas son en su mayoría de pequeña escala y están hechas con bronce dorado y comienzan a mostrar una influencia de los artistas Yuan que llegaron con la ocupación mongola de Corea desde el siglo XIII.

Este contenido fue posible gracias al generoso apoyo de la British Korean Society.


Lo que nos dice una antigua escultura de madera sobre la historia de la humanidad

Un equipo de investigación ruso-alemán ha determinado que la edad de la escultura de Shigir es de 12.000 años. Eso podría significar literalmente reescribir la historia de la humanidad.

La obra de arte existente más antigua hecha de madera.

Dos profesores de arqueología se reunieron un día en una conferencia, uno de Rusia y el otro de Alemania. El ruso invitó al alemán a Moscú, y eso resultó ser el comienzo de un descubrimiento arqueológico revolucionario.

"Estas invitaciones a menudo se extienden en conferencias, pero la gente rara vez actúa en consecuencia", dice Thomas Terberger, y agrega que, sin embargo, lo hizo. El prehistoriador alemán voló a Moscú para unirse a su colega, el arqueólogo ruso Mikhail Zhilin, en un viaje al Museo de Historia Natural de Sverdlovsk en Ekaterimburgo, ubicado en la frontera siberiana en los Montes Urales.

Terberger vio por primera vez en el museo al llamado ídolo de Shigir: un tótem de tres metros y medio de altura con una cara tallada. Durante milenios, la escultura estuvo escondida en una turbera rusa antes de ser descubierta a finales del siglo XIX. La escultura ha sido centinela en el museo durante más de 100 años y durante mucho tiempo nadie supo su edad exacta.

La escultura estuvo enterrada en una turbera durante miles de años.


Corea

Corea tiene una rica cultura material y visual y una historia larga y duradera.

La península de Corea es tan grande como el Reino Unido. Desde 1948 se ha dividido en la República de Corea en el sur y la República Popular Democrática de Corea en el norte.

Esta galería crea un encuentro con el arte, la historia y la cultura de la península, a través de las importantes colecciones del Museo Británico y también a través de préstamos de instituciones asociadas, incluido el Museo Nacional de Corea.

Aprovechando los puntos fuertes de las colecciones, los objetos que se exhiben datan principalmente de aproximadamente el año 300 d.C. hasta el presente e incluyen cerámicas, trabajos en metal, esculturas, pinturas, grabados, textiles, lacas y monedas. Una reconstrucción de un sarangbang, o estudio de un erudito, construido por maestros artesanos coreanos contemporáneos en el verano de 2000, muestra la arquitectura tradicional coreana.

La galería fue creada en 2000 gracias a la generosidad de la Fundación de Corea y renovada en 2014 con una subvención del Museo Nacional de Corea.


Escultura coreana antigua - Historia

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Vietnam

El arte vietnamita se ha caracterizado por las diversas presencias imperialistas en Vietnam, desde la china hasta la francesa. Desde el siglo X hasta el siglo XV, Vietnam fue independiente y produjo un arte que es distinto de todo lo que trajeron las culturas externas. El arte vietnamita de este período responde a una combinación de tradiciones religiosas con elementos de principios taoístas, budistas y confucianos. La cerámica ha ocupado un lugar destacado en el arte vietnamita tanto durante los períodos de dominio chino como durante la independencia vietnamita. Los artistas de cerámica vietnamitas a menudo han empleado una paleta de colores limitada como una forma de enfatizar la forma. El interés por el arte de la cerámica y la porcelana dominó el arte vietnamita durante la dinastía Nguyen en el siglo XIX.


El Código Hwarang

Los hwarang también estudiaron textos que contenían las reglas del comportamiento ético. Estos escritos son las Cinco Relaciones, las Seis Artes, las Tres Ocupaciones Académicas y las Seis Formas de Servicio al Gobierno. De estos, se puede decir que las Cinco Relaciones son un componente importante del código de conducta hwarang. Este fue creado por un monje llamado Wongwang y contenía elementos del budismo y el confucianismo. Las cinco relaciones son las siguientes:

1. Servir al rey con lealtad.

2. Servir con lealtad a los padres.

3. Mostrar siempre lealtad a los amigos.

4. Nunca retirarse en la batalla.

5. Nunca matar innecesariamente.

El hwarang eventualmente disminuiría en importancia y desaparecería casi por completo de la historia. Sin embargo, el auge del nacionalismo coreano, así como el descubrimiento de un manuscrito titulado Las Crónicas del Hwarang durante la década de 1980 despertaron un renovado interés en el hwarang. La popularidad del hwarang es visible en la sociedad coreana de hoy. El patrón de Taekwondo llamado Hwa-rang, por ejemplo, fue nombrado en honor al hwarang, mientras que una serie de televisión coreana llamada Hwarang: la juventud poeta guerrera , se emitió entre 2016 y 2017.


La dinastía Goryeo (Período: 918-1392 d.C.)

La dinastía Goryeo, fundada por Wang Geon, extendió las fronteras de la derrotada Silla unificada hacia el norte en las partes del viejo Goryeo. En este período, el sistema político se volvió aún más complejo, pero el antigua jerarquía coreana era un concepto social coreano fuerte en ese momento. En la dinastía Goryeo, las nuevas clases que han surgido se dividieron en seis rangos en el orden de importancia, tales como:

  • El grupo de castas reales
  • Yangban: una clase de funcionarios civiles y militares.
  • Funcionarios de palacio de rango oficial inferior
  • Regional clerks and other lower government officials
  • Tax -paying free citizens
  • Butchers and market hunters

A Long-Hidden Collection of Ancient Sculpture Is Making Its Grand Debut

In the early 19th century, an aristocratic Italian family began amassing a vast collection of Greek and Roman sculptures. The Torlonias acquired ancient marbles and bronzes, models and casts, depictions of gods, and portraits of emperors, building an astonishing private trove that eventually came to number 620 statues. For years, these relics remained largely hidden from both scholars and the public. But now, the Torlonia Collection is set to make its grand debut.

As Naomi Rea reports for artnet News, 96 sculptures from the family’s cache will go on display at the Palazzo Caffarelli, part of Rome’s Capitoline Museums, in March. From there, the statues will be sent on a world tour the American and European venues have yet to be announced.

“The 96 objects have been chosen for their quality but also for their history,” says Carlotta Loverini Botta of the Torlonia Foundation, which was founded in 2014 to manage the collection, to the Telégrafo’s Nick Squires. “There are statues of Apollo and Aphrodite, satyrs and a wonderful collection of busts of Roman emperors, including Hadrian, Commodus, Vespasian and Scipio Africanus.”

This elusive horde of ancient treasures traces its origins to the Torlonia family’s acquisition of works owned by 18th-century sculptor and famed restorer Bartolomeo Cavaceppi. From there, the Torlonias acquired additional collections, their holdings growing even larger as excavations unearthed works on the family’s properties around Rome, according to Elisabetta Povoledo of the New York Times .

The collection boasts some 620 classical statues. (Collezione Torlonia © Fondazione Torlonia PH Lorenzo de Masi)

Per the foundation’s website, some of these statues were used to decorate the Torlonias’ villas, but the number of items in the collection eventually grew “far greater [than] what might be deemed necessary for the furnishing needs of the numerous residences.”

In 1875, Prince Alessandro Torlonia decided to display the statues in a former granary in Rome, which he then opened to small groups of visitors. The Torlonia Collection has been held in this venue, largely kept out of sight, for more than 140 years . Most scholars know the sculptures only through a late 19th-century catalog .

Italian officials had long tried to persuade the family to put the collection on display, but difficulties securing a venue arose. Finally, in 2016, the then-head of the family, another Alessandro Torlonia, signed an agreement with the Culture Ministry to exhibit a selection of the family’s sculptures.

Salvatore Settis, former director of the Getty Research Institute in Los Angeles, is co-curating the exhibition with archaeologist Carlo Gasparri, who has been working with the collection for years. Settis, on the other hand, had not seen a single sculpture in person before taking on the job. He tells artnet Noticias that his first tour of the collection was “surprising, rewarding and promising beyond belief.”

Though the statues were in relatively good condition, they were “very dirty,” says Settis to the Veces.

Extensive cleaning and restoration revealed traces of paint on this relief. (Collezione Torlonia © Fondazione Torlonia PH Lorenzo de Masi)

For the past three years, experts have been working diligently to clean and restore the relics, supported by funding from the Bulgari jewelry company. As layers of dust were washed away, a number of important revelations emerged—like the discovery of paint traces on a Roman relief depicting a bustling port scene on the Tyrrhenian coast. Greek and Roman sculptures were often painted in vivid colors , but this paint rarely survives to the present day.

“[I]t either fades or has been scrubbed off during earlier restorations,” Anna Maria Carruba, the conservator who is overseeing the project, tells the Telégrafo.

Among other highlights are the Hestia Giustiniani , which depicts the ancient goddess of the hearth and is likely a Roman copy of a Greek original, and an expressive statue of a goat. The animal’s body dates to the Roman era, but its head is believed to have been created by famed 17th-century sculptor Gian Lorenzo Bernini.

The statues’ foray into public view may not be just a temporary treat. De acuerdo con la Telégrafo, “there are hopes of establishing a permanent museum in Rome” for the collection.

Displaying the works “has always been in the intent of the family,” Alessandro Poma Murialdo, a member of the Torlonia family who now runs the foundation, told the New York Times back in 2016. “The collection is the patrimony of humanity, as well as of the family.”

“The Torlonia Marbles: Collecting Masterpieces” will be on view at the Piazza del Campidoglio in Rome from March 25 to January 10, 2021.


A Brief History: Korean Hanbok

Before their fashion was completely westernized, Koreans wore the traditional hanbok on a day-to-day basis. In this article, we’ll discuss the deep history of this beautiful garment as well as the recent revival of the hanbok that transcends the streets of Seoul.

Words Chaereen Pak, Arte Subin Hwang

The Foundation of Korean Fashion

The word 한복 hanbok itself actually means “Korean clothing”. It consists of two main pieces. On the upper body, both men and women wear a jacket called the 저고리 jeogori. For the bottom, women wear a long, billowing skirt called the 치마 chima, while men slip into wide, roomy pants called the 바지 baji. los hanbok is known to be very comfortable its baggy silhouette provides ease of movement, influenced by the nomadic tendencies of Koreans back in the day. Los orígenes de la hanbok can be traced back to the Goguryeo Dynasty, one of the Three Ancient Kingdoms of Korea.

Although the basic design of the hanbok has been barely altered, little changes have been made here and there depending on different cultural impacts. For example, due to the influence of Mongolian fashion during the reign of the Mongol Empire in the 13th century, the jeogori for women was cropped shorter above the waist. During the Joseon Dynasty, social class distinctions were evident in hanbok styles. While commoners were strictly limited to using only cotton and the color white for their garments, royals lavished in silks and vibrant hues of the rainbow.

Young women strolling down the roads of Gangnam in modernized versions of the hanbok.

The Modern Hanbok

As you may know, Koreans do not wear the hanbok as everyday clothing anymore. It is usually reserved for formal occasions, such as weddings and New Year’s Day. However, the traditional outfit is recently making a comeback: these days young couples are showing up to Jeonju Hanok Village and Gyeongbokgung Palace to take part in the popular hanbok tours. Modernized designs of the hanbok are also springing up in street-style as you’ll see young women wearing sets that exhibit even brighter colors and include quirky details such as moons and stars on the hems of their jeogori y chima.

A notable modern hanbok label is Sonjjang Hanbok. By integrating contemporary fabrics such as denim and gingham, designer Dew Hwang emphasizes the idea that hanbok can be worn on a casual, comfortable basis. Korean designers are not the only ones finding inspiration in the folk garment. For the 2011 Spring/Summer season Dior unveiled a breathtaking empire-waist gown inspired by the hanbok silhouette at Paris Fashion Week. Moreover, Karl Lagerfeld celebrated the hanbok and its decorative elements for the 2016 Chanel Cruise Collection show hosted in Seoul.

Como hanbok for women has been making an eye-catching comeback in Seoul and gaining recognition internationally, we hope to see a comparable revival in men’s hanbok follow suit. Nevertheless, the presence of the hanbok in its many forms today reminds us of the beauty and value of this one special garment.


Cycle within the circle…the seed…the life…the birth…the breath….the beginning…the path…the way…never ending…the education…the knowledge…universal student of life…death…rebirth…………Travelers of the circle within….never ending.

I am just a humble student in life from birth to death then a student of death and still trying to understand the know of knowing. We were born with knowledge at birth but many become stupid after taking the first breath in life become idiots of not knowing and forgetting the path and the way from beginning to end of knowledge by closing the door to the universal education in life. The circle.


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