5 personajes históricos borrados del “Sgt. Cubierta de pimienta ”

5 personajes históricos borrados del “Sgt. Cubierta de pimienta ”

Jesucristo

Cuando el artista pop británico Sir Peter Blake y su entonces esposa Jann Haworth desarrollaron la idea de un fotomontaje de personajes famosos para adornar la portada de “Sgt. Pepper ”, Paul McCartney, George Harrison y John Lennon les dieron una lista de posibles figuras para incluir. (George Martin, que produjo la mayoría de los éxitos del grupo, contó que Ringo Starr dijo: "Sigue adelante, está bien", y nunca hizo una lista). "John, por supuesto, se excedió, como siempre. Puso a Hitler y a Jesús ", recordó McCartney en una entrevista publicada en el libro de Paul Du Noyer" Conversaciones con McCartney ". Las elecciones de Lennon llegaron pocos meses después de que le dijera a un entrevistador del London Evening Standard que los Beatles eran "más populares que Jesús ahora". La cita despertó poca atención cuando se imprimió originalmente en Gran Bretaña, pero creó un gran revuelo en los Estados Unidos durante el verano de 1966 cuando se reimprimió en la revista estadounidense para adolescentes Datebook. Disc jockeys que pensaban que el comentario era sacrílego se negaron a tocar canciones de los Beatles, y algunas estaciones de radio incluso quemaron discos y recuerdos de los Beatles en hogueras. Aunque Lennon estaba dispuesto a resucitar la polémica por la portada del álbum, se decidió evitar el tema por completo y no se encargó ningún recorte de cartón de Jesús.

Adolf Hitler

Mientras que Martin escribió en su libro “Con un poco de ayuda de mis amigos: la realización del sargento. Pepper ”que Lennon incluyó a Hitler“ solo para ser un niño travieso ”, la imagen del líder nazi estuvo a punto de llegar al corte final. "Hitler y Jesús fueron los polémicos, y después de lo que dijo Juan acerca de Jesús, decidimos no seguir adelante con él, pero inventamos la imagen de Hitler", dijo Blake al periódico Independent de Londres en 2007. "Si miras el fotografías de las tomas, se puede ver la imagen de Hitler en el estudio ". Mientras que algunas instantáneas de la sesión de fotos para la portada del álbum mostraban el recorte de Hitler a un lado, Blake le dijo al Independent que el Fuhrer estaba en realidad en la portada final, pero oculto por los propios Beatles. "De hecho, Hitler estaba encubierto detrás de la banda", dijo Blake. "Él está ahí, simplemente no puedes verlo".

Mohandas Gandhi

La lista de Lennon también incluía a Gandhi como una de las caras sugeridas para el "Sgt. Cubierta de pimienta ”. En la sesión de fotos inicial se incluyó un recorte del líder de la independencia de India, pero a Sir Joseph Lockwood, presidente del sello discográfico EMI, le preocupaba que la presencia de Gandhi en la portada pudiera considerarse un sacrilegio en India y poner en peligro las ventas de álbumes allí. “Saca a Gandhi. Necesitamos el mercado indio. Si mostramos a Gandhi de pie con Sonny Liston y Diana Dors, nunca nos perdonarán en la India ", le dijo Lockwood a McCartney según el libro de Philip Norman" Shout! Los Beatles en su generación ". En honor a los deseos de Lockwood, se utilizó una hoja de palmera estratégicamente ubicada para cubrir la imagen de Gandhi en el lado derecho del fotomontaje.

Leo Gorcey

Cuando Lockwood vio inicialmente el concepto para la portada de “Sgt. Pepper ”, rechazó el diseño porque temía que las celebridades vivas se opusieran al uso de sus imágenes y demandaran a la compañía discográfica. Lockwood finalmente cedió siempre y cuando los Beatles obtuvieran permisos por escrito de todas las personas vivas para el uso de sus imágenes en la portada e indemnizaron a la compañía discográfica por 20 millones de libras para protegerse contra demandas. Cuando los Beatles contactaron a las celebridades para pedirles permiso, solo uno pidió una compensación: el actor Leo Gorcey, quien de niño interpretó al líder de Dead End Kids antes de aparecer en las películas de Bowery Boys en las décadas de 1940 y 1950. Gorcey, quien pidió $ 500 por el uso de su imagen, había aparecido originalmente en la última fila de la portada del álbum a la izquierda de su compañero Bowery Boy Huntz Hall, pero los Beatles simplemente lo purgaron de la versión final y pintaron su imagen con cielo azul. “Pensamos, '¡Sabes qué, tenemos suficiente gente aquí!'” McCartney recordó la reacción del grupo a la demanda de Gorcey en una entrevista en su sitio web.

Elvis Presley

Mientras que la imagen del musical Bob Dylan contemporáneo aparece en el “Sgt. Pepper ”junto con una muñeca de Shirley Temple con un suéter que dice“ Bienvenidos a los Rolling Stones ”, no hay ninguna referencia a una de las mayores influencias musicales de los Beatles: Elvis Presley. "Soy un fanático de Elvis", dijo Lennon una vez en una entrevista televisiva, "porque fue Elvis quien realmente me sacó de Liverpool". Los Beatles colocaron a Presley en un pedestal tan alto que no querían que fuera una cara más entre la multitud en el "Sgt. “Elvis era demasiado importante y estaba demasiado por encima del resto como para mencionarlo”, dijo McCartney. “Era más que un cantante de pop. Él era Elvis el Rey ".


Lista de imágenes en la portada de Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper

El álbum de los Beatles de 1967 Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper tiene una portada de álbum ampliamente reconocida que muestra varias docenas de celebridades y otras imágenes. La imagen se hizo posando a los Beatles frente a fotografías en blanco y negro de tamaño natural pegadas en tableros duros y teñidas a mano. [1]

Fue creado por Jann Haworth y Peter Blake, quienes en 1967 ganaron el premio Grammy a la Mejor Portada de Álbum, Artes Gráficas por su trabajo en él. [2] Blake ha dicho que la intención era mostrar una nueva banda rodeada de fans después de una actuación. [1] [3]

Le sugerí que acababan de dar un concierto en el parque. Estaban posando para una fotografía y la multitud detrás de ellos era una multitud de fans que habían estado en el concierto. Una vez decidido esto, entonces, al hacer recortes, los fanáticos podrían ser cualquiera, vivo o muerto, real o ficticio. Si quisiéramos a Hansel y Gretel, podría pintarlos y podrían fotografiarlos y hacerlos volar. Les pedí una lista a los cuatro Beatles y yo mismo hice una. Robert Fraser hizo una lista y no recuerdo si Brian Epstein hizo una o no. La forma en que funcionó fue fascinante. John me dio una lista y Paul también. George sugirió sólo gurús indios, unos seis de ellos, y Ringo dijo: "Todo lo que digan los demás está bien para mí" y no sugirió a nadie. Es una idea de sus personajes. Se sugirió todo tipo de personas. Hitler estaba allí, en realidad está en la configuración, pero está cubierto por los mismos Beatles ya que sentimos que era demasiado controvertido. Lo mismo se aplica a Jesús. Solo había dos de sus contemporáneos en la portada. John sugirió a Bob Dylan y yo le puse a Dion porque es uno de mis favoritos. [4]


Texto completo

1 Ejecutando una búsqueda básica en Internet de Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper (1967), surgen decenas de miles de resultados. Todos los éxitos hacen referencia al álbum en cualquiera de dos categorías: como un proyecto musical con innovaciones insuperables, que provocan grandes cambios en la industria de la música, y el segundo, aunque en última instancia relacionado, como una mercancía, un símbolo de los Beatles y la cultura de la década de 1960. En cualquier caso, la prevalencia misma de esta imagen esboza un marco para comprender la relevancia cultural no solo de los Beatles, sino también de Sargento. Pimienta sí mismo. De todos los proyectos de los Beatles, este obtiene más "tiempo de emisión" y prensa que cualquier otro, tal vez porque se considera en gran medida como un álbum de "primicias": la primera portada plegable, el primer álbum en imprimir letras en la portada. , el primer “álbum conceptual”, el primer álbum que declara abiertamente su participación en la psicodelia liberal de la década de 1960 (Harry, 1992: 970). Cualquiera sea el motivo, una cosa está clara: Sargento. Pimienta se ha convertido en el estándar de oro para los músicos, poniendo el listón muy alto para la innovación musical y las portadas distintivas.

2 Cualquier lectura de Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper parece centrarse en la ambigüedad. Es decir, la sensación de confusión que impregna la década de 1960 aparentemente se ha filtrado en los análisis de sus artefactos culturales. Digo esto porque los críticos tratan Sargento. Pimienta señalan las formas en las que el álbum abarca dos posiciones sociales a la vez: como una pieza de la cultura pop, pero como un texto intelectualmente provocativo y obviamente político. Cuando los críticos lo examinan, tienden a privilegiar las innovaciones musicales sobre los elementos visuales. En "Covering Music: A Brief History and Analysis of Album Cover Design", los críticos Steve Jones y Martin Sorger lamentan la escasez de estudios sobre las portadas de álbumes, y observan que la portada del álbum "nunca se entiende en términos puramente funcionales, o como una forma de diseño gráfico ”(1999: 68). Dado que “la música popular se ha basado cada vez más en el estilo visual para presentarse y venderse a sí misma” (Sorger y Jones, 1999: 68), examinan ampliamente las condiciones y la producción de las portadas de álbumes desde su inicio inicial en la década de 1930 como cubiertas protectoras para los discos, llamados "slicks", a la proliferación de gráficos y elementos de diseño complejos en la década de 1960. Sorger y Jones identifican el desarrollo del LP (o disco de larga duración) en 1948 como el momento en el que las portadas de álbumes se convirtieron en elementos importantes de la industria discográfica. Otro factor importante en el surgimiento del desarrollo de la portada del álbum fue la conexión entre el rock temprano y las películas, muchos íconos de la música popular, como Elvis Presley, también fueron estrellas de cine, y las portadas de los álbumes utilizaron las herramientas promocionales de las películas, principalmente fotografías de las estrellas - para mejorar su diseño.

3 Sorger y Jones identifican la fotografía como un elemento clave del diseño de la portada de un álbum, la naturaleza representativa del medio encaja bien con los propósitos de la portada del álbum, que, como señala Ian Inglis en “Nothing You Can See that Can't Be Shown: The Las portadas de álbumes de los Beatles ”tenían como objetivo proteger la grabación, acompañar la música, publicitar la banda y servir como un objeto de compra, una mercancía (Inglis, 2001: 83). La fotografía ayudó a vender la banda y ofrecerla como una mercancía al hacerlo, las portadas de los álbumes llegaron a “reemplazar” a la banda y la música interior. La banda interpreta la música, pero como no podemos comprar la banda en sí, compramos su representación en forma de fotografía en la portada de un álbum. Sorger y Jones señalan, sin embargo, que la fuerte dependencia de la fotografía comenzó a disminuir a medida que la década de 1960 llegaba a su fin. Una vez que la cultura psicodélica condujo al arte psicodélico, “la fotografía siguió a la ilustración y el collage en la exploración de nuevos usos y combinaciones. Imágenes enigmáticas reemplazaron el carácter informativo y documental de la típica portada de un álbum fotográfico ”(Sorger, Jones, 1999: 77). Ellos leen este cambio como uno importante en el diseño de portadas de álbumes, ya que comenzó la tendencia que vemos hoy (77). Esta tendencia comienza en serio con Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper, no solo porque incorporó diversos elementos visuales en su diseño, sino también porque no se apoyó en el “carácter informativo y documental” de la fotografía. En cambio, Sorger y Jones afirman: Sargento. Pimienta dependido subvertir y cambiando esos tropos familiares.

4 Podemos ver cómo Sargento. Pimienta cambia la forma en que vemos la fotografía con solo mirar a la multitud de personas en el fondo. Antes de este innovador álbum, las fotografías de los miembros de la banda ocuparon un lugar central, tanto para los discos en general como para los Beatles. Las imágenes de los miembros de la banda ayudaron a solidificar la conexión entre la música y la banda, le pusieron una "cara" a la experiencia de escuchar. También sirvieron como una forma de "marcar" la música. Los compradores de discos aprendieron a asociar a los cuatro Beatles —y sus peludos cortes de pelo, botines y trajes sin cuello— con la música que producían. En cierto sentido, la dependencia de las portadas de los álbumes en la fotografía confundió la relación entre la música y la imagen hasta un punto sin retorno: era prácticamente imposible no asociar de inmediato la encantadora sonrisa de Paul McCartney con su juguetonamente empalagosa "All My Loving". Sin embargo, Sargento. Pimienta interrumpe esta noción al no mostrar nunca un fotografía de los Beatles en su portada. Aunque aparecen en dos versiones diferentes en la portada, están representados como muñecos de cera, representaciones tridimensionales que contrastan inmediatamente con las fotografías bidimensionales detrás de ellos, y los Beatles "reales" en el centro de la multitud. Además, los Beatles "reales" están disfrazados de miembros de la ficción Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, con monos de satén de color neón. Ambas representaciones de los Beatles sirven como distintos contrastes con los recortes casi fantasmales de sus "héroes" y parecen sugerir las limitaciones de la fotografía en términos de su capacidad para representar la realidad. Los recortes fotográficos de héroes pasados ​​y presentes no ofrecen el mismo tipo de identificación fácil e inmediata que permite el simple reconocimiento de los Beatles. Más bien, los Beatles mismos están casi perdidos en el mar de personas, lo que hace que el espectador se pregunte de quién es este disco. La pura complejidad de la imagen por sí sola requiere un tipo diferente de relación entre el espectador y la imagen, el álbum y la banda, la representación y la identidad.

5 Ian Inglis llama nuestra atención sobre la complejidad intelectual a través del exceso visual del álbum. Estimando Sargento. Pimienta un “momento decisivo en la historia de la civilización occidental” (Inglis, 2001: 87) Inglis destaca su importancia como una “notable correspondencia visual-musical” (87). Aparte de sus otras innovaciones, Inglis describe la portada como la primera en “ofrecerse específicamente como un objeto de investigación y análisis abiertos identificando las figuras […] que aparecen en el cuadro se convirtió en un juego popular y un ejercicio intelectual” (92). Para Inglis, Sargento. Banda del club de corazones solitarios de PepperLa mayor importancia radica en las formas en que invitó al espectador / oyente a entrar en el álbum. La identificación de las figuras requería una mirada y un escrutinio activos, lo que a su vez requería que el espectador tuviera un interés personal en la imagen, en lugar de un rechazo más pasivo de la misma como accesorio o acompañamiento de la música que contenía. En cierto sentido, el análisis de Inglis nos lleva a creer que después Sargento. Pimienta, las portadas de discos podían convertirse en mucho más que acompañamientos de música, se convirtieron en críticas sociales, políticas y culturales que requerían la participación de la audiencia.

6 El ensayo de Inglis presenta tres formas de leer la portada de un álbum que ofrecen más información sobre las innovaciones visuales de Sargento. Pimienta: como textos visuales, como vínculos entre la imagen visual y la música, y como marcadores de influencia dentro de la comunidad musical. Como ya se ha trabajado mucho en las dos últimas categorías, las dejaré de lado y consideraré el álbum como un texto visual. Como tal, Sargento. Pimienta confiere nuevas identidades a la banda como miembros de los movimientos subculturales cada vez más generalizados de la década de 1960. Dadas las dos representaciones de los Beatles en la portada, podemos entender que Sargento. Pimienta marca la "ruptura definitiva de los Beatles con la industria de la música pop" (Inglis, 2001: 87). Visto desde esta perspectiva, la portada del álbum como texto visual presenta una especie de autocrítica, tanto en sí misma como en forma de mercancía, como en una representación de la identidad de la banda.

7 La comprensión de los Beatles de su propia identidad cultural, tanto como estrellas del pop como artistas musicales con raíces de clase trabajadora, juega un papel importante en la comprensión del valor de Sargento. Pimienta como texto visual. Para tomar prestada la lectura de Kenneth Womack y Todd F.Davis de Sargento. Pimienta en "Mythology, Remythology, and Demythology: The Beatles On Film", la "portada del álbum muestra los antiguos yoes mitológicos del grupo de pie a la derecha de sus homólogos contemporáneos remitologizados, ellos mismos rodeados de figuras igualmente mitologizadas de los anales de la historia, la religión, Hollywood, música, deportes y literatura ”(2006: 104). Womack y Davis también señalan que estas representaciones "remitologizadas" "prefiguran las identidades recién mitificadas que el grupo [más tarde] daría vida", al tiempo que "reconocen las limitaciones inherentes al proceso de mitificación en sí" (104). Cuando Womack y Davis se refieren a la "mitología", se refieren a la manipulación consciente y consciente de identidades culturales particulares, ya sea como superíconos de la industria del pop o como pioneros de la contracultura psicodélica, con el fin de exponer su obvia complicidad y su rechazo de estas identidades. En resumen, Womack y Davis sugieren que los Beatles pasaron por tres etapas en las que su identidad estuvo en juego, y que enmarcaron activamente estas identidades de acuerdo con sus proyectos en ese momento. Invoco a Womack y Davis porque creo que se acerca más eficazmente al tipo de crítica que deseo realizar, aunque se queda corto porque depende demasiado de la interacción entre la música y la portada del álbum.


Detrás de los Sonics: The Beatles, & # 8216Sgt. Pepper & # 8217s Lonely Heart Club Band & # 8217

El hito de los Beatles Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band fue uno de los álbumes más impactantes, experimentales y queridos de todos los tiempos, y un cambio de paradigma en términos de lo que podían hacer los álbumes. La mayoría de los álbumes anteriores eran esencialmente colecciones de sencillos. La idea de un álbum conceptual & # 8211 en el que todas las canciones se unificaban sinfónicamente, todas las piezas encajaban para formar un todo & # 8211 era poco común antes de Pepper. Sinatra & # 8217s noche ahumada en Las Pequeñas Horas Pequeñas era un concepto incipiente, al igual que Belafonte & # 8217s Calipso álbum. Pero ambos son excepciones.

Los Beatles crearon un tipo de álbum conceptual completamente nuevo, ya que también escribieron todo el material. Su composición, siempre notablemente sofisticada y cromática musicalmente, se expandió a nuevos reinos de brillantez lírica, tanto tradicionalmente narrativa como valientemente surrealista. La idea era crear un álbum que sonara diferente a todo lo anterior, que es exactamente lo que hicieron.

Sorprendentemente, se hizo en un equipo de grabación que, según los estándares actuales, era arcano y también tremendamente restrictivo: analógico de cuatro pistas.El hecho de que hayan creado una obra maestra sonora con esta tecnología ejemplifica el viejo adagio: las limitaciones crean posibilidades. Aunque Sargento. Pimienta a menudo se enmarca como el triunfo de los Beatles A pesar de estas limitaciones, de hecho parece más exacto decir que triunfaron debido a estos límites técnicos. Lo que hicieron no solo fue inspirado, fue ingenioso. La creatividad colectiva de la banda con Martin y Emerick se expandió en todas direcciones durante la realización del álbum. En lugar de verse obstaculizados por las restricciones tecnológicas, llegaron a un lugar donde todo parecía posible.

El ejemplo más famoso de esto es Lennon & # 8217s & # 8220Strawberry Fields Forever, & # 8221 (que, junto con McCartney & # 8217s & # 8220Penny Lane, & # 8221 fueron las dos primeras canciones grabadas para este proyecto, pero finalmente excluidas porque fueron lanzadas como singles), a Lennon le encantaron dos tomas separadas de la canción, una era ligera y el otro bastante más pesado. Les dijo a Martin y Emerick que quería usar la mitad de uno y la mitad del otro. Cuando le dijeron que fusionar los dos era imposible, John se rió y les dijo que lo resolverían. Nada & # 8217s imposible. Y lo hicieron.

Así que la idea de estar restringido no figuraba en esto. Varias dinámicas les permitieron comprender esto. Para empezar, fue la primera vez que los Beatles pudieron tomarse un descanso de las giras para concentrarse solo en la grabación. El estudio en sí se convirtió en otro instrumento para que lo usaran los Beatles y, trabajando con Martin y Emerick, la producción se volvió tan brillante y colorida y nueva como las propias canciones.

Para intentar explicar el impacto de la tecnología en el arte y la ciencia de grabar música, y analizar cómo se superaron las limitaciones, hablamos con varios expertos. Estos incluyen al ingeniero ganador de 22 premios Grammy, Al Schmitt, quien murió la semana pasada. Dado que él era el rey de las grabaciones en vivo, su estimación de Pimienta fue especialmente fascinante.

& # 8220Me dio la idea de que puedes probar cualquier cosa., & # 8221 dijo sobre Pimienta. & # 8220 Cambió la forma en que pensamos sobre las cosas. & # 8221

Aquí & # 8217s la lista completa de luminarias:

Al Schmitt (ingeniero-productor Bob Dylan, Paul McCartney, Frank Sinatra)
Steve Lukather (guitarrista y compositor Toto, All-Starr Band de Ringo)
Nancy Wilson (guitarrista y compositor, Heart, Roadcase Royale)
Bob Ezrin (ingeniero-productor Alice Cooper, Pink Floyd)
Ed Cherney (ingeniero-productor-mezclador Brian Wilson, Rolling Stones, Eric Clapton
Butch Vig (productor Nirvana, Foo Fighters)
Al DiMeola (legendario guitarrista de jazz)

Aquí & # 8217 lo que tenían que decir:

Bob Ezrin: Fue la primera vez que entendimos verdaderamente el estudio como un poderoso instrumento de composición, y no solo como un lugar insonorizado que capturaba actuaciones. De repente, aquellos de nosotros que estábamos haciendo música nos dimos cuenta de que había un plano superior de expresión disponible para nosotros a través del uso creativo de la tecnología.

Nancy Wilson: [Los Beatles] estaban esencialmente inventando la grabación multipista. Ellos eran asi que en la mesa de dibujo y creando algo completamente nuevo que nunca había sucedido antes. George Martin era un genio, y su musa, porque no tenía miedo de probar todas las cosas locas, locas e imposibles que querían.

Ed Cherney: Antes de eso, tenías muchos chicos en la habitación y tu misión era recrear lo que pasó en la habitación. Esto fue diferente. Esto era sobre doblando realidad, y tratando de darle una dimensión diferente. La primera vez que escuchamos eso y nos dimos cuenta de que había un estudio, me abrió los ojos. Mi bondad, hay una forma de arte completamente diferente a cómo lo hacen.

Bob Ezrin: Me hizo pensar en el estudio como un instrumento de magia. Nunca quise ser un grabador, solo capturar las interpretaciones de la gente. Siempre quise ser un hechicero, creando experiencias más grandes que la vida a partir de solo música y sonido.

Butch Vig: Todos los involucrados estaban en la cima de su juego: George Martin seguía subiendo el listón con la producción y los arreglos. Emerick estaba empujando los límites con su destreza de ingeniería innovadora, y The Beatles realmente estaban alcanzando su punto máximo.

Ed Cherney:
Los Beatles crearon Sargento. Pimienta sabiendo que nunca tendrían que interpretarlo en vivo, y utilizaron esa libertad como una oportunidad para ir más allá de las expectativas de la gente. Pasamos de “Cuánto es ese perrito en la ventana”, en muy poco tiempo, a esto. Era un espectacular salto en términos de arte y coraje.

Butch Vig: En esta época digital, es absolutamente increíble pensar que fue grabado en 4 pistas.

Ed Cherney: Usando una pista de 4, grabarían tres pistas de información y luego las rebotarían a la cuarta pista para abrir más pistas. Así que constantemente rebotaban y se mezclaban entre los dos. Es un tour-de-force de ingeniería de Geoff Emerick.

Al DiMeola
: Emerick y otros técnicos de Abbey Road fueron maestros en la transferencia de pistas, el rebote. Tienes que hacerlos rebotar al más alto nivel sin distorsión, y eso no se puede deshacer. Y ellos hicieron eso magistralmente.

Al Schmitt: Normalmente, cuando graba en una cinta de 4 pistas y hace muchos rebotes, comienza a acumular una lote de siseo. Tienes que tener los saldos Perfecto. Una vez que lo rebotes y agregas algo más, no puedes volver a hacerlo. Esto era increíble para nosotros no estábamos seguros de cómo lo hizo Emerick.

Al Schmitt en Capitol, 2017. Foto de Paul Zollo / American Songwriter

Bob Ezrin: Una vez que algo rebotó en el maestro principal, habría sido un largo camino hacia atrás deshacerlo. Así que se vieron obligados a experimentar primero y luego decidir qué funcionó y qué no con cada paso que dieron en el camino.

Al DiMeola: Con el lujo de no tener que salir de gira, su trabajo diario era ir al estudio todos los días. Imagínese tener ese maravilloso regalo. Ningún otro grupo podría hacer eso. Ese tiempo extra asignado en el estudio, sin las presiones de la carretera, les permitió experimentar con los sonidos, llevar la música a otro nivel, a lugares que nunca antes habíamos escuchado.

Nancy Wilson: Ellos no pudieron haber hecho Sargento. Pimienta mientras todavía estaban de gira. Cuando estás de viaje, es muy difícil llegar a ese lugar eufórico en el que necesitas estar para hacer buenos discos. Está agotador. Tenían que alejarse de la locura, de las hordas que gritaban por todas partes. Así que sabiamente se salieron de la carretera y entraron en el estudio con el propósito de explorar y traer consigo a todas esas masas. Sabían que tenían el oído del mundo, por lo que trabajaron su arte muy duro para traer algo auténtico, refrescante y nuevo.

Ed Cherney:
Debido a que fue grabado en 4 pistas, eso significa que todas sus actuaciones fueron geniales de arriba a abajo. Los solos, las voces, cada nota, cada actuación, todo tenía que ser perfecto y no ensamblado como lo hacemos ahora. No sé cómo lo hicieron, pero me afectó profundamente. & # 8220 / & # 8221


Al DiMeola:
Siempre reflexiono sobre el enormidad del sonido, en gran parte debido al gran sonido analógico de las cuatro pistas. Cuando grabas una guitarra acústica analógica, suena grande y tiene presencia. Cuantas menos pistas, más ancho es el espacio de la cinta, más grueso es el sonido. Analog tiene un sonido mucho más potente y potente. Escuche el violonchelo. Hay no camino cualquiera va a conseguir un sonido de violonchelo tan grande. O la forma en que suena la voz de John, está ahí contigo, así de grande.

Bob Ezrin:
El medio les dio infinitas posibilidades. Pero también requería que elaboraran cada parte y actuación para que desempeñara su papel particular en su concepto general. Significaba tener una intención clara para cada canción antes de comenzar y luego comprometerse solo con las cosas que realmente hicieron que la canción funcionara.

Ed Cherney:
La tecnología en ese momento sonaba asombrosa. Gran parte del equipo estaba hecho a mano y tenía un sonido específico que era rico y completo. Consiguieron que el extremo inferior hablara de una manera que nunca antes habíamos escuchado hablar al extremo inferior. Estiraron la tecnología más que nadie antes. Nunca escuché una batería o un ritmo como ese, y el bajo tan claro, y que musicalmente se sienta tan bien.

Al Schmitt:
Me dio la idea de que puedes probar cualquier cosa. Lo que sea que haya funcionado. Eso fue lo que me atrapó tanto, que experimentaron y eligieron lo mejor de lo que hicieron. Cambió la forma en que pensamos sobre las cosas.

Butch Vig:
He hecho referencia a las ideas de producción en Sargento. Pimienta muchas veces, consciente o inconscientemente. Usaron tantos trucos de estudio innovadores que aún son relevantes hoy en día.

Ed Cherney: En mi propio trabajo, trato de llenar a los oradores como lo hicieron ellos. Además, cada cuatro barras, hay algún evento. Nunca te aburriste. Siempre había una sorpresa. No importa cuántas veces lo escuchaste, había algo más para llamar tu atención, para mantenerte entretenido y para mantenerte en la música y el momento. Podría ser una pandereta entrando, podría ser un wah-wah. Siempre había algo y nunca te aburrías de escuchar.

Steve Lukather: Una vez que dejaron de tocar en vivo, sabían que podían hacer cualquier cosa, porque no tenían que hacerlo en vivo. Crearon un nuevo estilo de grabación de discos. Se tomaron el estudio en serio. Eran profesionales y querían hacerlo bien. Tenían una idea y tenían a George Martin y Geoff Emerick allí para ayudarlos a hacerla realidad, a realizar la visión definitiva de todo. Llevaron su creatividad más allá de lo que se había pensado antes.

Al Schmitt: Lo escucho hoy, y todavía suena tan increíble como siempre, si no más. El sonido de la cosa, los propios sonidos, todavía me emociona absolutamente. La magia de Sargento. Pimienta es para siempre.


Creando el sargento de los Beatles. Portada de Pepper's Lonely Hearts Club Band

Hitler a la izquierda (una broma de Lennon para escandalizar), luego se levantó cuando prevalecieron las cabezas más frías. Gandhi a la derecha, retocado de la foto final cuando EMI pensó que sus mercados indios se ofenderían al trivializarlo en un álbum pop.

Siempre pensé que era solo un collage. Es increíble que lo filmaran así.

La pared trasera es un collage, por el aspecto de la foto. ¡Parece que hicieron un collage y posaron a personas reales frente a él!

No sé si es su mejor trabajo, pero definitivamente se ve ensombrecido en estos días por Revolver, Abbey Road, The White Album, etc.

Contiene A Day in the Life, mi canción favorita de los Beatles de todos los tiempos.

Ojalá hubiera una forma de obtener la portada original con personajes que luego se borraron debido a quejas y cosas así.

Puedo recordar cuando las chicas universitarias lanzaban su afecto a los chicos que fueron vistos con el sargento. Carátula de Pepper & # x27s Lonely Hearts Club Band. Quien como yo tuvo historia con un San Francisco Summer of Love & # x27happening & # x27. Solo encontré la parte delantera de mi vehículo pintada con prosa púrpura. Hola ?


Contenido

A principios de 1967, circuló en Londres el rumor de que Paul McCartney había muerto en un accidente de tráfico mientras conducía por la autopista M1 el 7 de enero. [1] El rumor fue reconocido y refutado en la edición de febrero de El libro de los Beatles, un fanzine. [1] McCartney luego aludió al rumor durante una conferencia de prensa celebrada en torno al lanzamiento de Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper En Mayo. [2] [ se necesita una mejor fuente ] En 1967, los Beatles eran conocidos por incluir a veces el backmasking en su música. [3] Analizar sus letras en busca de significados ocultos también se había convertido en una tendencia popular en los Estados Unidos. [4] En noviembre de 1968, su doble LP homónimo (también conocido como "White Album") fue lanzado con la pista "Glass Onion". John Lennon escribió la canción en respuesta a "galimatías" dijo sobre Sargento. Pimienta. En una entrevista posterior, dijo que estaba confundiendo deliberadamente a los oyentes con líneas como "the Walrus was Paul", una referencia a su canción "I Am the Walrus" del EP y álbum de 1967. Recorrido mágico y misterioso. [5]

El 17 de septiembre de 1969, Tim Harper, editor de la Drake Times-Delphic, el periódico estudiantil de la Universidad Drake en Des Moines, Iowa, publicó un artículo titulado "¿Está muerto el Beatle Paul McCartney?" El artículo abordó un rumor que circulaba en el campus que citaba pistas de álbumes recientes de los Beatles, incluido un mensaje interpretado como "Enciéndeme, hombre muerto", escuchado cuando la pista del White Album "Revolution 9" se reproduce al revés. También se hizo referencia a la contraportada de Sargento. Pimienta, donde todos los Beatles, excepto McCartney, son fotografiados frente al espectador, y la portada de Recorrido mágico y misterioso, que muestra a un miembro de la banda no identificado con un traje de color diferente al de los otros tres. [6] Según el periodista musical Merrell Noden, Harper's Drake Times-Delphic fue el primero en publicar un artículo sobre la teoría de "Paul ha muerto". [7] [nb 1] Harper dijo más tarde que se había convertido en un tema de discusión entre los estudiantes al comienzo del nuevo año académico, y agregó: "Muchos de nosotros, debido a Vietnam y el llamado Establecimiento, estábamos dispuesto, dispuesto y capaz de creer en cualquier tipo de conspiración ". [7]

A finales de septiembre de 1969, los Beatles lanzaron el álbum. Abbey Road ya que estaban en proceso de disolución. [9] El 10 de octubre, el oficial de prensa de los Beatles, Derek Taylor, respondió al rumor diciendo: "Recientemente hemos recibido una avalancha de consultas sobre informes de que Paul está muerto. Hemos recibido preguntas como esa para años, por supuesto, pero en las últimas semanas los hemos estado recibiendo en la oficina y en casa día y noche. Incluso recibo llamadas telefónicas de disc jockeys y otros en los Estados Unidos ". [10] [11] A lo largo de este período, McCartney se sintió aislado de sus compañeros de banda en su oposición a su elección de gerente comercial, Allen Klein, y angustiado por el anuncio privado de Lennon de que abandonaba el grupo. [12] [13] Con el nacimiento de su hija Mary a finales de agosto, McCartney se había retirado para centrarse en su vida familiar. [14] El 22 de octubre, el día en que el rumor de "Paul ha muerto" se convirtió en noticia internacional, [15] McCartney, su esposa Linda y sus dos hijas viajaron a Escocia para pasar un tiempo en su granja cerca de Campbeltown. [dieciséis]

El 12 de octubre de 1969, una persona que llamó a la estación de radio WKNR-FM de Detroit le contó al disc jockey Russ Gibb sobre el rumor y sus pistas. [7] Gibb y otras personas que llamaron luego discutieron el rumor en el aire durante la siguiente hora, [17] durante la cual Gibb ofreció más pistas potenciales. [18] Dos días después, El diario de Michigan publicó una reseña satírica de Abbey Road por Fred Labor, estudiante de la Universidad de Michigan, que había escuchado el intercambio en el programa de Gibb, [7] bajo el título "McCartney Dead New Evidence Bjected to Light". [19] [20] Identificó varias pistas sobre la muerte de McCartney en las portadas de los álbumes de los Beatles, particularmente en la Abbey Road manga. Labor dijo más tarde que había inventado muchas de las pistas y se asombró cuando la historia fue recogida por los periódicos de todo Estados Unidos. [21] Noden escribe que "Muy pronto, cada campus universitario, cada estación de radio, tuvo un experto residente". [7] WKNR alimentó aún más el rumor con su programa de dos horas. La trama de los Beatles, que se emitió por primera vez el 19 de octubre.

La historia pronto fue retomada por más estaciones de radio convencionales en el área de Nueva York, WMCA y WABC. [22] En las primeras horas del 21 de octubre, el disc jockey de WABC, Roby Yonge, discutió el rumor en el aire durante más de una hora antes de ser retirado del aire por romper el formato. A esa hora de la noche, la señal de WABC cubría una amplia zona de escucha y podía escucharse en 38 estados de EE. UU. Y, en ocasiones, en otros países. [23] Aunque la oficina de prensa de los Beatles negó el rumor, la retirada atípica de McCartney de la vida pública contribuyó a su escalada. [24] Vin Scelsa, un estudiante de radiodifusión en 1969, dijo más tarde que la escalada era indicativa de la influencia contracultural de Bob Dylan, los Beatles y los Rolling Stones, ya que: "Cada canción de ellos, a partir de finales de 1966, se convirtió en una mensaje, digno de un escrutinio sin fin. Eran pautas sobre cómo vivir la vida ". [7]

WMCA envió a Alex Bennett a la sede de Apple Corps de los Beatles en Londres el 23 de octubre [25] para ampliar su cobertura de la teoría de "Paul está muerto". [22] [26] Allí, Ringo Starr le dijo a Bennett: "Si la gente se lo va a creer, lo va a creer. Sólo puedo decir que no es verdad". [25] En una entrevista de radio con John Small de WKNR, Lennon dijo que el rumor era "una locura" pero una buena publicidad para Abbey Road. [27] [nb 2] En la noche de Halloween de 1969, WKBW en Buffalo, Nueva York transmitió un programa titulado Paul McCartney está vivo y bien, tal vez, que analizó las letras de los Beatles y otras pistas. Los DJ de WKBW concluyeron que el engaño de "Paul está muerto" fue fabricado por Lennon. [29]

Antes de finales de octubre de 1969, varios lanzamientos de discos habían explotado el fenómeno de la supuesta desaparición de McCartney. [22] Estos incluyeron "The Ballad of Paul" del Mystery Tour [30] "Brother Paul" de Billy Shears y los All Americans "So Long Paul" de Werbley Finster, un seudónimo de José Feliciano [31] y Zacharias and His Tree People's "Todos somos Paul Bearers (Partes uno y dos)". [32] Otra canción fue "Saint Paul" de Terry Knight, [22] que había sido un éxito menor en junio de ese año y fue posteriormente adoptada por las estaciones de radio como un tributo al "difunto Paul McCartney". [33] [nb 3] Según un informe en Cartelera revista a principios de noviembre, Shelby Singleton Productions planeaba emitir un LP documental de segmentos de radio que discutieran el fenómeno. [35] En Canadá, Polydor Records aprovechó el rumor en su obra de arte para Muy juntos, un reempaquetado de las grabaciones anteriores a la fama de los Beatles con Tony Sheridan, usando una portada que mostraba cuatro velas, una de las cuales acababa de apagarse. [36]

Los defensores de la teoría sostuvieron que, el 9 de noviembre de 1966, McCartney tuvo una discusión con sus compañeros de banda durante una sesión de grabación de los Beatles y se fue enojado en su auto, se estrelló y fue decapitado.[22] [37] Para evitar el dolor del público, o simplemente como una broma, los Beatles sobrevivientes lo reemplazaron con el ganador de un concurso de imitaciones de McCartney. [22] Este escenario fue facilitado por el reciente retiro de los Beatles de las presentaciones en vivo y por su elección de presentarse con una nueva imagen para su próximo álbum. Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper. [38]

En el relato de LaBour, el suplente era un "huérfano de Edimburgo llamado William Campbell" a quien los Beatles luego entrenaron para hacerse pasar por McCartney. [7] Otros sostuvieron que el nombre del hombre era William Shears Campbell, más tarde abreviado como Billy Shears, [39] y el reemplazo fue instigado por el MI5 británico debido a la preocupación por la grave angustia que la muerte de McCartney causaría a la audiencia de los Beatles. [40] En este último relato, se decía que los Beatles supervivientes estaban atormentados por la culpa por su duplicidad y, por lo tanto, dejaron mensajes en su música y en la carátula del álbum para comunicar la verdad a sus fans. [40] [41]

Decenas de supuestas pistas sobre la muerte de McCartney han sido identificadas por fanáticos y seguidores de la leyenda. Estos incluyen mensajes que se perciben al escuchar canciones que se reproducen al revés e interpretaciones simbólicas de las letras y las imágenes de la portada del álbum. [42] [43] Un ejemplo que se cita con frecuencia es la sugerencia de que Lennon pronunció las palabras "Enterré a Paul" en la sección final de la canción "Strawberry Fields Forever", que los Beatles grabaron en noviembre y diciembre de 1966. Lennon más tarde dijo que las palabras eran en realidad "salsa de arándanos". [44] [45]

Otro ejemplo es la interpretación de la Abbey Road La portada del álbum representa una procesión fúnebre. Se dice que Lennon, vestido de blanco, simboliza la figura celestial. Starr, vestido de negro, simboliza al enterrador George Harrison, vestido de mezclilla, representa al sepulturero y McCartney, descalzo y fuera de sintonía con los demás, simboliza el cadáver. [19] La matrícula del Volkswagen Beetle blanco de la foto, que contiene los caracteres LMW 28IF, se identificó como otra "prueba". [7] [46] "28IF" representaba la edad de McCartney "si" todavía hubiera estado vivo (aunque McCartney tenía 27 cuando se grabó y lanzó el álbum) [24] mientras que "LMW" significaba "Linda McCartney llora" o "Linda McCartney, viuda ". [47] [nb 4] También se dijo que el zurdo McCartney sostenía un cigarrillo en la mano derecha para respaldar la idea de que era un impostor. [22]

El 21 de octubre de 1969, la oficina de prensa de los Beatles volvió a emitir declaraciones negando el rumor, considerándolo "un montón de basura vieja" [48] y diciendo que "la historia ha estado circulando durante unos dos años; recibimos cartas de todo tipo de loco, pero Paul todavía está mucho con nosotros ". [49] El 24 de octubre, al reportero de BBC Radio Chris Drake se le concedió una entrevista con McCartney en su granja. [16] McCartney dijo que la especulación era comprensible, dado que normalmente hacía "una entrevista a la semana" para asegurarse de permanecer en las noticias. [50] Parte de la entrevista se transmitió por primera vez en Radio 4, el 26 de octubre, [51] y posteriormente en WMCA en los Estados Unidos. [50] Según el autor John Winn, McCartney había concedido la entrevista "con la esperanza de que las personas que escucharan su voz vieran la luz", pero la estratagema fracasó. [50] [nb 5]

McCartney fue filmado en secreto por un equipo de CBS News mientras trabajaba en su granja. Como en su segmento y el de Linda en el clip promocional de los Beatles para "Something", que la pareja filmó en privado en esta época, McCartney estaba sin afeitar y tenía un aspecto inusualmente desaliñado. [52] Sus siguientes visitantes fueron un reportero y fotógrafo de Vida revista. Furioso por la intrusión, maldijo a la pareja, arrojó un balde de agua sobre ellos y fue capturado en una película tratando de golpear al fotógrafo. Temiendo que las fotos dañaran su imagen, McCartney se acercó a la pareja y acordó posar para una foto con su familia y responder a las preguntas del reportero, a cambio del rollo de película que contenía las imágenes ofensivas. [53] En la descripción de Winn, el retrato familiar utilizado para Vida La portada muestra a McCartney ya no "mal vestido", sino "bien afeitado y con ropa informal pero elegante". [52]

Tras la publicación del artículo y la foto, en el número del 7 de noviembre [52], el rumor empezó a decaer. [7] En la entrevista, McCartney fue citado diciendo:

Quizás el rumor empezó porque últimamente no he estado mucho en la prensa. He hecho suficiente prensa durante toda mi vida y no tengo nada que decir en estos días. Estoy feliz de estar con mi familia y trabajaré cuando trabaje. Estuve encendido durante diez años y nunca lo apagué. Ahora lo apago siempre que puedo. Preferiría ser un poco menos famoso en estos días. [54]

En noviembre de 1969, los gerentes de ventas de Capitol Records informaron de un aumento significativo en las ventas de álbumes del catálogo de los Beatles, atribuido al rumor. [55] Rocco Catena, vicepresidente de merchandising nacional de Capitol, estimó que "este será el mes más importante de la historia en términos de ventas de los Beatles". [22] [55] El rumor benefició el desempeño comercial de Abbey Road en los Estados Unidos, donde superó cómodamente a todos los álbumes anteriores de la banda. [56] Sargento. Pimienta y Recorrido mágico y misterioso, que habían estado fuera de serie desde febrero, volvieron a entrar en el Cartelera Lista de LPs principales, [22] alcanzando su punto máximo en el número 101 y el número 109, respectivamente. [57]

Un especial de televisión dedicado a "Paul ha muerto" fue transmitido por WOR en Nueva York el 30 de noviembre. [21] Titulado Paul McCartney: La historia completa, contada por primera y última vez, fue ambientado en una sala de tribunal y presentado por el famoso abogado F. Lee Bailey, [31] quien interrogó sobre el trabajo, [21] Gibb y otros defensores de la teoría, y escuchó puntos de vista opuestos de "testigos" como el amigo de McCartney, Peter Asher y Allen Klein. [22] Bailey dejó que el espectador determinara una conclusión. [22] Antes de la grabación, Labor le dijo a Bailey que su artículo tenía la intención de ser una broma, a lo que Bailey suspiró y respondió: "Bueno, tenemos una hora de televisión para hacer, tendrás que aceptar esto. " [21]

McCartney regresó a Londres en diciembre. Reforzado por el apoyo de Linda, comenzó a grabar su álbum debut como solista en su casa en St John's Wood. [58] Titulado McCartney, y grabado sin el conocimiento de sus compañeros de banda, [59] [60] fue "uno de los secretos mejor guardados en la historia del rock" hasta poco antes de su lanzamiento en abril de 1970, según el autor Nicholas Schaffner, y llevó al anuncio de la ruptura de los Beatles. [61] En su canción de 1971 "How Do You Sleep?", En la que atacaba al personaje de McCartney, [62] Lennon describió a los teóricos como "monstruos" que "tenían razón cuando dijeron que estabas muerto". [63] El rumor también fue citado en el engaño que rodea a la banda canadiense Klaatu, [64] después de una revisión de enero de 1977 de su álbum debut. 3:47 EST desató rumores de que el grupo eran en realidad los Beatles. [65] En un relato, esta teoría sostenía que el álbum se había grabado a finales de 1966 pero luego se perdió hasta 1975, momento en el que Lennon, Harrison y Starr decidieron publicarlo en la memoria de McCartney. [64]

Labor más tarde se hizo notable como bajista del grupo de swing occidental Riders in the Sky, que cofundó en 1977. En 2008, bromeó diciendo que su éxito como músico había extendido sus quince minutos de fama por su participación en el rumor de "diecisiete minutos". [66] En 2015, dijo Las noticias de Detroit que todavía es contactado periódicamente por teóricos de la conspiración que han intentado presentarle supuestos nuevos desarrollos sobre los rumores de McCartney. [67]

El autor Peter Doggett escribe que, si bien la teoría detrás de "Paul está muerto" desafiaba la lógica, su popularidad era comprensible en un clima en el que los ciudadanos se enfrentaban a teorías de conspiración que insistían en que el asesinato del presidente John F. Kennedy en 1963 fue en realidad un golpe de estado. 'état. [68] Schaffner dijo que, dados sus orígenes como un elemento de chisme e intriga generado por un grupo selecto del "culto a los Beatles", "Paul is dead" sirve como "un cuento popular genuino de la era de las comunicaciones de masas". [8] También lo describió como "el engaño más monumental desde la obra de Orson Welles Guerra de las palabras La transmisión persuadió a miles de habitantes de Nueva Jersey que estaban aterrorizados de que los invasores marcianos estaban en las cercanías ". [8] En su libro Revolución en la cabeza, Ian MacDonald dice que los Beatles fueron en parte responsables del fenómeno debido a la incorporación de "letras y efectos aleatorios", particularmente en la pista del White Album "Glass Onion" en la que Lennon invitaba a buscar pistas al incluir referencias a otras canciones de los Beatles. [3] MacDonald lo agrupa con las "epidemias psíquicas" que fueron alentadas por el uso de drogas alucinógenas por parte de la audiencia de rock y que se intensificaron con la interpretación homicida de Charles Manson del Álbum Blanco y el asesinato de Lennon por motivos religiosos de Mark David Chapman en 1980. [69 ]

Durante la década de 1970, el fenómeno se convirtió en un tema de estudio académico en Estados Unidos en los campos de la sociología, la psicología y las comunicaciones. [70] Entre los estudios sociológicos, Barbara Suczek lo reconoció como, en la descripción de Schaffner, una lectura contemporánea del "mito arquetípico en el que la hermosa joven muere y resucita como un dios". [8] Los psicólogos Ralph Rosnow y Gary Fine atribuyeron su popularidad en parte a la experiencia compartida y vicaria de buscar pistas sin consecuencias para los participantes. También dijeron que para una generación que desconfiaba de los medios tras el informe de la Comisión Warren, pudo prosperar en medio de un clima informado por "La brecha de credibilidad de la presidencia de Lyndon Johnson, los rumores que circularon ampliamente después de que Martin Luther King Jr. y Robert F . Asesinatos de Kennedy, así como ataques a los principales medios de comunicación por parte de los yippies y Spiro Agnew ". [8] La crítica social estadounidense Camille Paglia ubica el fenómeno de "Paul está muerto" en la tradición griega antigua simbolizada por Adonis y Antinoo, representada en el culto de los "chicos bonitos de pelo largo que hipnotizan a ambos sexos" de la música rock, y ella agrega: "No es coincidencia que fue Paul McCartney, el 'más lindo' y más juvenil de los Beatles, quien inspiró un falso rumor que recorrió el mundo en 1969 de que estaba muerto". [71]

"Paul is dead" ha continuado inspirando análisis en el siglo XXI, con estudios publicados por Andru J. Reeve, Nick Kollerstrom y Brian Moriarty, entre otros, y trabajos de explotación en los medios del documental falso y el documental. [40] Escribiendo en 2016, el biógrafo de los Beatles Steve Turner dijo, "la teoría todavía tiene el poder de volver a la vida". [39] Citó un 2009 Italia cableada artículo de revista que presentaba un análisis de dos consultores de investigación forense que compararon fotografías seleccionadas de McCartney tomadas antes y después de su presunta muerte midiendo las características del cráneo. [39] Según los hallazgos de los científicos, el hombre que se muestra en las imágenes posteriores a noviembre de 1966 no era el mismo. [39] [72] [nb 6]

Se han difundido rumores similares sobre otras celebridades, incluida la acusación sin fundamento de que la cantante canadiense Avril Lavigne murió en 2003 y fue reemplazada por una persona llamada Melissa Vandella. [73] [74] En un artículo sobre este último fenómeno, El guardián describió el engaño de McCartney de 1969 como "Posiblemente el ejemplo más conocido" de una celebridad siendo el foco de "una teoría de la conspiración de clonación (completamente no verificada)". [73] En 2009, Tiempo revista incluyó "Paul está muerto" en su artículo sobre diez de "las teorías de conspiración más perdurables del mundo". [41]

Ha habido muchas referencias a la leyenda en la cultura popular, incluidos los siguientes ejemplos.


Devil Music: una historia de lo oculto en el rock & amp roll

El 1 de junio de 1967, los músicos más famosos del mundo lanzó un nuevo disco de larga duración cuya portada mostraba una galería de personalidades poco convencionales y un individuo cuya no convencionalidad era infame. Los Beatles' Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper fue un álbum muy esperado que confirmó el estatus de la banda como los creadores de tendencias definitorios de su tiempo. Fue la banda sonora de la maravillosa “Summer of Love”, estableció firmemente la primacía de la música rock psicodélica y fue aclamada como un avance musical que ofreció a una audiencia masiva una representación de la sensación de marihuana y LSD en el sonido. Hoy dia Sargento. Pimienta es recordado como el álbum clásico de la era del rock clásico, notable por sus técnicas de grabación pioneras y canciones duraderas de los Beatles ("With a Little Help From My Friends", "Lucy in the Sky With Diamonds", "A Day in the Life") , aunque la música anterior y posterior del grupo ha envejecido con más éxito. Incluso la portada del álbum se considera un hito en el campo del empaquetado de discos desde los años en que la música se presentaba en discos físicos en fundas físicas y millones de fanáticos estudiaron la foto de la portada y el desconcertante ensamblaje de figuras que representaba.

Fotografiado por Michael Cooper, el Sargento. Pimienta La fotografía de portada se había realizado el 30 de marzo de 1967. Los Beatles, innovando a cada paso, optaron por un diseño que rompió con su costumbre de simplemente posar al cuarteto solo en un solo retrato. El diseñador Peter Blake, una estrella en ascenso en el mundo del arte pop de Londres, más tarde recordó haber hablado con los Beatles y con el propietario de la galería de arte Robert Fraser sobre un enfoque diferente del diseño: "Creo que eso fue lo que yo diría que realmente cambió la dirección de la misma. : hacer un collage de tamaño real que incorpore personas reales, fotografías y obras de arte. La dirigí y les pedí a los Beatles y a Robert (y tal vez a otras personas, pero creo que éramos principalmente nosotros seis) que hicieran una lista de los personajes que les gustaría ver en una especie de película mágica ideal, y qué vino después. de este ejercicio había seis grupos diferentes de personas ".

El resultado fue una foto grupal de casi setenta personas, con los cuatro Beatles disfrazados como los únicos cuerpos vivos en la imagen. Entre las selecciones elegidas por los Beatles, Blake y Fraser se encontraban admirados contemporáneos Bob Dylan y el escritor Terry Southern, las estrellas de cine Fred Astaire, Laurel y Hardy, Tony Curtis, Marlon Brando y Marilyn Monroe y varios forajidos artísticos y literarios Edgar Allan Poe, William. S. Burroughs, Aubrey Beardsley, Dylan Thomas y Oscar Wilde. Y en la esquina superior izquierda de la colección, entre el yogui indio Sri Yukteswar Giri y el símbolo sexual de los años treinta, Mae West, se veía el rostro afeitado de un hombre conocido una vez como "el hombre más malvado del mundo". Su nombre era Aleister Crowley.

La mayoría de las cuentas nombran a Paul McCartney como el Beatle que eligió a Crowley, aunque las elecciones más controvertidas del cuarteto de Adolf Hitler, el Marqués de Sade y Mahatma Gandhi se eliminaron del collage. Lo que McCartney sabía de Crowley era probablemente superficial, su vida y obra posteriores no hace ninguna referencia a Crowley en absoluto, pero en 1967 el Beatle estaba muy en sintonía con la moda predominante de la juventud británica y estadounidense y la contracultura floreciente. Al mismo tiempo, la especialidad de Peter Blake estaba en las imágenes "encontradas" de décadas pasadas: la sensibilidad pop de exhibir publicidad redescubierta e ilustraciones de periódicos con una capa de ironía distanciadora. Juntos, el músico y el diseñador fueron sensibles al resurgimiento de Victoriana que caracterizó los gráficos y el estilo británicos a finales de los sesenta (visto, por ejemplo, en los uniformes de la Sargento. Pimienta músicos de la banda y el cartel del circo que inspiró la letra de "Ser en beneficio de Mr. Kite"), y Aleister Crowley, nacido en 1875, fue parte de ese resurgimiento. La foto de Crowley utilizada por Blake había sido fotografiada por Héctor Murchison en 1913 y, gracias a su promoción por parte de los Beatles, se convirtió en la imagen más reconocible de él. Como tres de los otros temas de portada, el artista "decadente" Aubrey Beardsley, el autor proto-surrealista Lewis Carroll y el escandaloso escritor Oscar Wilde, la reputación de Crowley se fue rehabilitando gradualmente para un tiempo más tolerante. Ya no era una afrenta a la majestad británica, sino un mártir de la hipocresía moral.

Edward Alexander Crowley, nacido en el seno de una fortuna en proceso de elaboración y criado en un hogar fanáticamente religioso, fue, al menos en algunos aspectos, un producto típico de su clase. Era lo suficientemente rico como para evitar un empleo regular desde la juventud en adelante estudió en Cambridge y viajó ampliamente (a veces en peligrosas expediciones de escalada en Gran Bretaña, Europa y Asia) escribió y autoeditó prosa y poesía, se aventuró sexualmente con mujeres y hombres y bebió libremente alcohol. , estimulantes y opiáceos. Si esto hubiera sido todo, podría haber sido recordado como otro libertino fin-de-siècle, pero Crowley tenía otra búsqueda que no era simplemente el vicio de un dandy privilegiado, sino una pasión que lo consumía todo. Tal era su irreverencia y su apetito por la transgresión, obvio incluso cuando era niño, que su madre lo etiquetó como "la Gran Bestia", tomado del Apocalíptico Libro del Apocalipsis. Por el resto de su vida, Crowley adoptó y trató de vivir a la altura de la designación, predicando y practicando su principio permanente: "Haz lo que quieras, será la totalidad de la ley".

Las hazañas terrenales de Aleister Crowley fueron una historia de dotes literarias sustanciales y erudición metafísica al servicio de una personalidad arrogante y abrasiva. Podía impresionar con su mente brillante e intimidar con sus viciosos juegos mentales. “Me disgustó de inmediato”, relató el novelista Somerset Maugham sobre su encuentro con Crowley en París a principios de la década de 1900, “pero me interesó y me divirtió. Era un gran conversador y hablaba extraordinariamente bien ... Era un mentiroso e indecorosamente jactancioso, pero lo curioso era que en realidad había hecho algunas de las cosas de las que se jactaba. Crowley contó historias fantásticas de sus experiencias, pero era difícil decir si estaba diciendo la verdad o simplemente bromeando ". Maugham continuaría basando el personaje del título villano de Oliver Haddo en su El mago en Crowley.

Inteligente y culto, pero egoísta y dominante, Crowley se había unido a la secta mística de la Orden de la Aurora Dorada, pero cayó en conflicto con su liderazgo y formó su propio círculo, la Orden de la Estrella de Plata, su "Gran Operación" fue la transcripción del Libro de la Ley, dictada por el espíritu Aiwass a través de su esposa Rose en El Cairo en 1904. Una sucesión de esposas, amantes, discípulos e íntimos pasaron por su vida. Se exilió a Estados Unidos durante la Primera Guerra Mundial, formó un culto heterogéneo de creyentes en una abadía siciliana a principios de los años veinte y perdió una demanda por difamación muy publicitada en 1933. En su apogeo fue una figura de notoriedad internacional para la excesos diabólicos de su estilo de vida y sus escritos y arte alegremente blasfemos (incluso firmó su nombre con una A inconfundiblemente fálica), pero su dinero y su atractivo para la prensa se agotaron gradualmente. Los voluminosos tratados de Crowley sobre yoga, ajedrez, poesía, sexo tántrico, montañismo y las artes perdidas de lo que siempre llamó "magia" atrajeron una audiencia constante de devotos, pero al final de su vida solo unos pocos seguían comprometidos. Murió en una pensión cerca de Hastings, Inglaterra, en 1947, adicto a la heroína y en gran parte olvidado por los compatriotas a los que una vez había conmocionado. Para un testigo, sus últimas palabras fueron: "A veces me odio a mí mismo".

Pero fue "Haz lo que quieras" de Crowley lo que más apreciaron los jóvenes de 1967, tanto los miembros de los Beatles como los innumerables oyentes del grupo en todo el mundo. Para ellos, Crowley no era un hombre malvado, sino uno muy adelantado a su tiempo, que anticipó el rechazo de la generación posterior a las devociones anticuadas del deber y la moderación. Lo que Crowley representaba, en última instancia, era la autogratificación: no meras indulgencias sin objetivo, sino la búsqueda saludable y liberadora de la voluntad y los deseos más profundos de uno contra las expectativas desalmadas y superficiales de la autoridad. El elaborado credo de Crowley de Thelema (Will) dio al disfrute de los jóvenes del sexo, las drogas y el rock 'n' roll una dimensión más allá de sus placeres inmediatos desde una perspectiva crowleyana, tales alegrías podrían considerarse sagradas.

"Suprimimos al individuo de más y más formas", rezaba la introducción de Crowley de 1938 a El libro de la ley. “Pensamos en términos de la manada. La guerra ya no mata a los soldados, mata a todos indiscriminadamente. Cada nueva medida de los gobiernos más democráticos y autocráticos es comunista en esencia. Siempre es una restricción. Todos somos tratados como niños imbéciles ". Estos sentimientos son la base de las quejas expresadas por los manifestantes y manifestantes de los años sesenta. Aunque Crowley no es más que una nota a pie de página en el legado de los Beatles, era inevitable que muchos de los compradores que compraran Sargento. Banda del club de corazones solitarios de Pepper y miró a través de mentes expandidas en su portada investigaría su biografía y aplicaría sus enseñanzas a sus propias circunstancias. Si, por cierto, Aleister Crowley también había llevado a cabo sacrificios de animales, había denunciado enérgicamente el cristianismo y había afirmado haber convocado demonios de los mundos inferiores, bueno, esos también se convirtieron en parte de su leyenda. Ese rostro siniestro en la chaqueta de una colección histórica de música popular iba a ser el que lanzó un millón de viajes.

Los rivales más cercanos de los Beatles en el rock 'n' roll eran los Rolling Stones. Fueron los Stones quienes realmente parecían simbolizar el peligroso glamour del género y la época. No tenían necesidad de poner a Aleister Crowley en la portada de un disco cuando ya parecían vivir de acuerdo con sus dictados. Desde sus primeros éxitos, habían sido elegidos como un contrapunto sucio y brutal a los felices y adorables Beatles, su música era más agresiva y más obviamente derivada de la garra del blues estadounidense. El mes de Sargento. PimientaDurante el lanzamiento, tres Stones (Mick Jagger, Keith Richards y Brian Jones) estaban en los tribunales de Londres por cargos de drogas y, a fines de 1967, se había lanzado su equivalente psicodélico del álbum de los Beatle, cuyo título era una parodia burlona de la realeza. prefacio de los pasaportes británicos: Petición de Sus Majestades Satánicas. Era solo un juego de palabras, pero era la primera vez que se nombraba al Príncipe de las Tinieblas en un disco pop importante.

Durante los dos años siguientes, los Rolling Stones se asociaron más que cualquier otro artista con una depravación personal que sobrepasaba la de las estrellas de rock más fiesteras. Había habido inconformistas, chicos malos y tipos duros en el mundo del espectáculo antes, pero los Stones llevaron esos prototipos a un nivel más profundo de indignación. Gran parte de esto, ciertamente, fue proyectado sobre ellos por críticos y fanáticos que querían atribuir al grupo más importancia de la que los miembros mismos deseaban. Y algo de su aura realmente provenía de sus amigos y parásitos, que ya estaban disfrutando del estatus de forajidos de los Stones y añadiendo sus propias predilecciones personales a la mezcla. "Había muchos prerrafaelitas corriendo en terciopelo con bufandas atadas a las rodillas ... buscando el Santo Grial, la Corte Perdida del Rey Arturo, ovnis y líneas luminosas", recordó Keith Richards en sus memorias de 2010, Vida. Aristócratas hastiados, euro-basura aburrida y estadounidenses esforzados, recordó el guitarrista, todos mostraban "las credenciales de mierda de la época: el murmullo del misticismo, el discurso elevado de la alquimia y las artes secretas, todo básicamente empleado en el servicio de los leg-over". . " Fueron los famosos Rolling Stones, no sus suplicantes menos conocidos, quienes tomaron la presión por esto.

Dicho esto, los músicos estaban infectados con las modas intelectuales de la contracultura y, empapados como estaban en la experimentación con drogas, se aventuraron voluntariamente en parte del creciente cuerpo de literatura oculta entonces en vigencia: todo, desde el El secreto taoísta de la flor dorada (leído por Mick Jagger mientras hace Petición de Sus Majestades Satánicas) y colecciones de mitología celta, al compendio de aberraciones naturales reportadas por el estadounidense Charles Fort El libro de los condenados (1919) y la conspiración teñida de Louis Pauwels La mañana de los magos (1960). Todo ese trabajo favorecía los prejuicios de los jóvenes, los descontentos, los caderados y los drogados. Confirmaron sus puntos de vista de que el establecimiento estaba mintiendo, la moralidad de la clase media era una farsa, la realidad era subjetiva y el mundo podría ser un lugar mágico si solo supieras dónde y cómo mirar.

El próximo álbum de los Rolling Stones, Banquete de mendigos, tomó las implicaciones de Majestades satánicas aún más, con su sencillo hipnótico y tribal, "Sympathy For the Devil". Este favorito desde hace mucho tiempo, que sigue siendo un himno de los Stones hasta el día de hoy, se originó con la lectura de Mick Jagger de la alegórica obra del novelista ruso Mikhail Bulgakov. El Maestro y Margarita. El letrado y sensible Jagger recibió el libro (escrito en 1939 pero no publicado hasta mediados de los sesenta) por su entonces novia Marianne Faithfull. “Lo devoró en una noche y escupió 'Simpatía por el diablo'”, recordó Faithfull en su propia autobiografía de 1994. “El personaje central del libro es Satanás, pero no tiene nada que ver con el demonismo o la magia negra ... Mick escribió un canción de tres minutos sintetizada a partir de este libro tan complejo ". Ahora considerada una de las grandes novelas rusas, El Maestro y Margarita es una sátira salvaje de la vida en los días más oscuros de la URSS estalinista, con ecos de la leyenda de Fausto y apariciones de Poncio Pilato y San Mateo.

Con un título provisional de "El diablo es mi nombre", "Sympathy For the Devil" fue grabado por los Rolling Stones en la primavera de 1968 (las sesiones fueron filmadas por Jean-Luc Goddard e incorporadas a su película homónima) y lanzada en Diciembre. Jagger cantó su narrativa clásica en primera persona de la presencia de Satanás en puntos cruciales de la historia, incluida la crucifixión de Cristo, la Revolución Rusa, la Blitzkrieg nazi e incluso los asesinatos de John F. y Robert F. Kennedy, con la letra retocada para reflejar la la muerte de este último el 5 de junio. Fue una canción convincente que, en un año violento y tumultuoso, agitó aún más un estado de ánimo cultural ya tenso. Sin embargo, como señaló Marianne Faithfull, el acto diabólico de Jagger se vio completamente afectado. “La única razón por la que los Stones no fueron destruidos por las ideas con las que jugaron es que nunca los tomaron tan en serio como sus fans”, recordó. "Mick nunca, ni por un momento, creyó que era Lucifer". No, pero muchos otros fueron mucho más crédulos.

El vínculo de los Rolling Stones con lo oculto no terminó con "Sympathy For the Devil". La compañera de Keith Richards, Anita Pallenberg, era una modelo alemana increíblemente hermosa que, atrapada en el vórtice de las drogas y el libertinaje en la órbita de la banda, se rumoreaba que era una practicante de las artes oscuras. Faithfull de nuevo: “Anita finalmente llevó el negocio de la diosa un paso más allá hacia la brujería. Hubo momentos, especialmente después de la muerte de Brian [Jones, Stone original], en los que se volvió un poco loca ". No ayudó que fuera elegida con Jagger en la película. Rendimiento, en el que un gángster londinense (interpretado por James Fox) cambia de identidad con una estrella de rock decadente (Jagger, naturalmente). Keith Richards consideraba al director, Donald Cammell, “un tornado y un manipulador cuyo único amor real en la vida era follar a otras personas”, pero Pallenberg pareció disfrutar de sus escenas de desnudos con Jagger y otro miembro de su trío, Michelle Breton. Creó una atmósfera retorcida de celos y disipación orgiástica que, si Pallenberg realmente era o pensaba en sí misma como una hechicera, definitivamente hacía que los rumores fueran plausibles.

Aún así, los vínculos ocultistas se profundizaron. El cineasta clandestino estadounidense Kenneth Anger estaba en Londres y, a través de sus conexiones con el galerista y socialité Robert Fraser, se acercó a los Rolling Stones para tocar en su último proyecto. Lucifer Rising. Anger era mayor que los Stones y sus seguidores (nació en 1927), un ex actor infantil de Hollywood y autor de la virulenta narración. Hollywood Babilonia, y sobre todo un devoto alumno de Aleister Crowley. Sus pantalones cortos de bajo presupuesto Inauguración del Pleasure Dome, Escorpio en ascenso y Fuegos artificiales eran collages cinematográficos ininteligibles de motivos ocultos, sadomasoquismo, apropiaciones populares y erótica masculina gay. Anger se describió a sí mismo como un brujo y se tomó muy en serio su trabajo, acorralaron a Mick Jagger para que hiciera una banda sonora abstracta de sintetizador para uno de sus esfuerzos. Invocación de mi hermano demonio. También necesitaba dinero y la atención que la presencia del mundialmente famoso grupo de rock le prestaría. Lucifer Rising. “Todos los papeles debían ser cuidadosamente elegidos”, dijo Anger más tarde, “con Mick como Lucifer y Keith como Beelzebub… La unidad de Ocultismo dentro de los Stones eran Keith, Anita y Brian. Verás, Brian también era un brujo. Estoy convencido. Me mostró su teta de bruja. Él dijo, "En otro tiempo me habrían quemado". Estaba muy feliz por eso ".

Pero los Rolling Stones, como hacían con tantos, solo jugaban con Anger mientras él les hiciera cosquillas a su fantasía drogadicta. Su verdadera ocupación era grabar e interpretar su propia música, y veían a los forasteros serios como Anger como molestias desechables, tratando de cabalgar sobre sus faldas y absorber algo de su comerciabilidad. “A Kenneth Anger les parecía ridículo”, escribió Marianne Faithfull. "Mick y Keith despreciaron por completo su satánico truco".

La reputación del quinteto se volvió aún más negra en 1969, cuando popularmente se les atribuyó la muerte de dos hombres. Brian Jones fue descubierto ahogado en su piscina de Sussex el 26 de julio. Aunque había fundado los Rolling Stones y había elegido su nombre de una canción de Muddy Waters, Jones nunca había podido hacer frente a su fama y la consecuente licencia sexual, alcohólica y química que les otorgaba. De hecho, era una personalidad muy vulnerable y sufría ataques de asma además de su consumo excesivo de alcohol y drogas, sus arrestos sospechosamente convenientes por posesión de drogas a manos de un cazatalentos de Scotland Yard hicieron poco por mejorar su estado de ánimo. Jones no estaba más involucrado en lo Oculto que nadie en los Stones o su círculo (a pesar de su teta de bruja), pero ahora la banda no solo parecía peligrosa sino potencialmente letal. La banda fue definitivamente letal para Meredith Hunter, una asistente de concierto de San Francisco que fue asesinada por Hell's Angels en el concierto de los Stones el 6 de diciembre en el Altamont Speedway en California. Una vez más, la causa de la muerte fue más banal que demoníaca, el clima era frío, la multitud era fea, faltaban instalaciones, el espectáculo llegaba tarde, los Ángeles eran brutales y los alucinógenos estaban por todas partes. Pero Hunter, apuñalado mientras los Stones tocaban "Under My Thumb", fue otra víctima para los fanáticos y enemigos.

Después de la tragedia de Altamont, los Rolling Stones parecieron dejar atrás gran parte de su imprudencia, o en todo caso gran parte de su ingenuidad espiritual de los sesenta. Con sus siguientes apariciones públicas en 1972, habían entrado en un materialismo de la jet-set y sus jóvenes fans ya no los consideraban juglares de una revolución inminente. Su récord de 1973 Sopa de cabeza de cabra abrió con el seductor riff de "Dancing With Mr. D", que describía citas en el cementerio, fuego y azufre, y el olor a vudú, pero para entonces esas referencias de los Stones no eran tan incendiarias como antes. Durante esta década, otros grupos de rock 'n' roll se habían dedicado a difundir el mensaje oculto y a difundirlo de forma más amplia y ruidosa que nunca.

Un músico pasado por alto cuya música hizo alusiones enfáticas a Aleister Crowley fue el tecladista y vocalista británico de rhythm ’n’ blues Graham Bond. A diferencia de Mick Jagger o Keith Richards, Bond no era aficionado a lo oculto. De hecho, se creía el hijo ilegítimo de Crowley (la hija reconocida de Crowley murió en la infancia y no dejó herederos legales) y sus álbumes Magia santa y Ponemos nuestra magia en ti enumeró canciones con títulos que incluyen "The Pentagram Ritual", "The Magician" y "The Judgement". Aunque Bond nunca escaló los picos de la fama y la riqueza como muchos de los contemporáneos en los que influyó (su banda, la Organización Graham Bond, se hizo más conocida como la fuente del bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker en el trío de superestrellas de Cream), su vida y las obras están explícitamente vinculadas con lo Oculto. Problemas con las drogas y la carrera, combinados con la inestabilidad mental, llevaron a Graham Bond a suicidarse bajo las ruedas de un tren de Londres en 1974.

En 1968 el ex guitarrista de estudio y miembro de los Yardbirds Jimmy Page formaron su nuevo cuarteto Led Zeppelin. Firmado con el sello principal de Atlantic Records e instigado por la dirección leal y ferozmente protectora de Peter Grant, Led Zeppelin rápidamente reunió a un gran número de seguidores en el Reino Unido, Europa y especialmente los Estados Unidos, donde su marca histriónica y muy pesada de electricidad. el blues apeló a los inquietos post-Sargento. Pimienta cohorte de estudiantes. Led Zeppelin se molestó poco con las tácticas promocionales típicas de los primeros rock 'n' rollers y sus ventas de discos y entradas no sufrieron en absoluto, pero lo que surgió de las infrecuentes entrevistas de Page fue su dedicado estudio de lo Oculto. “No puedes ignorar el mal si estudias lo sobrenatural como yo”, le dijo a un periodista en 1973. “Tengo muchos libros sobre el tema y también he asistido a varias sesiones. Quiero seguir estudiándolo ".

A lo largo de los setenta, Led Zeppelin estuvo en o cerca de la cúspide del mundo del rock, y Page, como líder, guitarrista y productor del grupo, fue dominante en la reputación de ocultismo de la banda. De hecho, los otros jugadores, Robert Plant, John Paul Jones y John Bonham, no tenían ninguna afinidad con los gustos de Page, pero cada uno de ellos, en diversos grados, se empañó por asociación. En 1970, Page, ahora con un amplio concierto de Zeppelin y dinero de regalías fluyendo, pasó de coleccionar libros de Aleister Crowley y otros artefactos a comprar una antigua casa de Crowley, la Casa Boleskine, a orillas del lago Ness de Escocia. Ese mismo año, Page y el ingeniero Terry Manning inscribieron las primeras impresiones en vinilo del álbum. Led Zeppelin III con los conjuros de Crowley "Haz lo que quieras / Serás la totalidad de la ley" en las pistas de escorrentía, en lugar de los números de serie habituales.

En 1971, el cuarto álbum de Led Zeppelin no recibió un título formal, sino un cuarteto de identificación de símbolos rúnicos o alquímicos que luego fueron mostrados por los cuatro miembros de la banda en el concierto. Page era un sigilo ilegible que se parecía a la palabra "ZoSo", que finalmente se remonta al Renacimiento. El astrólogo y matemático italiano Girolamo Cardano (c. 1490-1565) y dos textos franceses del siglo XIX, Le Triple Vocabulaire Infernal y Le Dragon Rouge. El símbolo de Plant de una pluma rodeada representaba el reino de Mu en el Pacífico, supuestamente perdido. El pliegue de este álbum se ilustró con una adaptación de la carta Ermitaño de una conocida edición de 1910 de la baraja del Tarot.

En 1974, Page compró una librería de ocultismo en Londres llamada El equinoccio, además de la lujosa Tower House neogótica del arquitecto William Burges en el exclusivo distrito de Kensington de la ciudad. Cuando Led Zeppelin fundó un sello discográfico boutique Swan Song, también en 1974, se distribuyeron invitaciones a la fiesta de lanzamiento con el título “Haz lo que quieras” y strippers vestidas de monjas fueron parte de las festividades. El logotipo de la empresa era una representación estilizada del mítico Ícaro alado o, según otras interpretaciones, de Lucifer, el ángel caído. En 1975 y 1977, Page realizó conciertos con un traje de escenario negro bordado con símbolos astrológicos, el sigilo ZoSo y un dragón retorcido de cuerpo entero. En la película de Led Zeppelin de 1976 La canción sigue siendo la misma, se mostró a un Page solitario en los terrenos boscosos de su casa inglesa mientras se volvía hacia la cámara, sus ojos estaban hechos para brillar con una luz de otro mundo.Antes de los conciertos al aire libre de Zeppelin en Knebworth en 1979, Page investigó las antigüedades ocultas almacenadas en la mansión cercana que alguna vez fue el hogar de Edward Bulwer-Lytton, conde de Knebworth.

Sin embargo, los problemas se estaban gestando en el campamento de Led Zeppelin: el cantante Plant y su esposa resultaron gravemente heridos en un accidente automovilístico en 1975, y el hijo pequeño de Plant murió de una infección en 1977, poco después de que John Bonham, Peter Grant y otros dos miembros del grupo. El equipo de carretera del grupo fue arrestado por asalto detrás del escenario en un concierto de Oakland. En ese momento, el propio Jimmy Page, como muchas estrellas de rock de la época, estaba atrapado en un serio hábito de cocaína y heroína. Page también había conocido a Kenneth Anger en una subasta de coleccionables de Aleister Crowley, donde el rico héroe de la guitarra superó al cineasta en apuros, y Page había acordado componer gratis una banda sonora para la película en curso de Anger. Lucifer Rising proyecto. Sin embargo, los dos se pelearon, ya que Anger se quejó de los retrasos de Page en la entrega de música utilizable, mientras que Page estaba molesto porque Anger había instalado una sala de edición en el sótano de su Tower House y estaba ofreciendo a los visitantes recorridos no autorizados por las instalaciones. La ira rompió públicamente con Page en 1976, contándoles a los periodistas sobre los problemas de drogas de Page y amenazando: "¡Estoy listo para lanzar una maldición de Kenneth Anger!" La ira finalmente se proyectó Lucifer Rising en 1980, con varias tomas de él mismo, Page, una Marianne Faithfull muy drogada y el hermano de Mick Jagger, Chris. La banda sonora oficial se atribuyó a Bobby Beausoleil, un asesino encarcelado y miembro de la familia Charles Manson.

Led Zeppelin se disolvió formalmente en diciembre de 1980 después de que John Bonham se muriera de borrachera en la casa de Page en Windsor tres meses antes, un año después de que otro joven amigo de la banda fuera encontrado muerto de una sobredosis accidental en la residencia de Page en Sussex. En los últimos años de la banda, y mucho más allá de ellos, tanto los fanáticos como los fanáticos religiosos estadounidenses anti-rock afirmaron haber escuchado "mensajes" subliminales en la famosa "Stairway to Heaven" de Led Zeppelin cuando la épica composición se tocaba al revés. Entre los sonidos audibles en el mismo, se dijo, estaban las siguientes frases:

No hay escapatoria

Cuyo camino me entristecerá, cuyo poder es Satanás

Te dará el 666

Aquí está mi dulce Satanás

Para entonces, la prensa sensacionalista en Gran Bretaña y las publicaciones de rock en Estados Unidos habían comenzado a publicar historias de "la maldición Zeppelin" que había causado tanta desgracia en el cuarteto. Además de los rumores de "enmascaramiento hacia atrás" que acompañaron a "Stairway to Heaven", que llegaron hasta un comité de la legislatura estatal de California en 1982, más susurros conjeturales sostuvieron que Page había vendido realmente la suya, la de Robert Plant y la de John Bonham. almas al diablo a cambio de la enorme popularidad de Led Zeppelin. John Paul Jones, el músico discreto del conjunto, se negó a firmar el contrato infernal (así decía la historia) y así evitó las muertes y aflicciones que golpearon a los demás. Estos cuentos reflejaban las enigmáticas portadas de los álbumes de Led Zeppelin, sus discos y programas ruidosos y dramáticos, las letras místicas de Plant y las vidas personales notoriamente despilfarradoras de los jugadores y el respaldo de seguridad propenso a la violencia, pero se originaron con el interés admitido de Jimmy Page en lo oculto.

Sin embargo, ya en 1976, Page se estaba alejando de los informes más especulativos. "Yo no adoro al diablo", afirmó en un Piedra rodante entrevista ese año. “Pero la magia me intriga. Magia de todo tipo ". Continuó diciéndole a su entrevistador, el periodista Cameron Crowe, "No voy a negar ninguna de las historias ... no soy tonto. Sé cuánto importa la mística. ¿Por qué debería arruinarlo ahora? " Después de la muerte del hijo de Plant y el mito de la "maldición" que surgió, Page fue más inflexible: "Todo el concepto de la banda es entretenimiento", le dijo al periódico musical del Reino Unido. Creador de melodías. "No veo ningún vínculo entre eso y el" karma "y, sin embargo, lo he visto escrito varias veces sobre nosotros, como "Otro incidente más en el karma de Zeppelin" ... Es una cosa horrible y de mal gusto que decir ".

Page nunca ha negado su interés en Aleister Crowley y se cree que es un thelemita practicante y todavía está afiliado a la Ordo Templi Orientis (Orden del Templo del Este) de Crowley, pero le dijo Mundo de la guitarra revista en 2003, “Es lamentable que mis estudios sobre el misticismo y las tradiciones orientales y occidentales de la magia y el tantrismo hayan caído bajo el paraguas de Crowley. Sí, claro, leí mucho a Crowley y me fascinaron sus técnicas e ideas. Pero estaba leyendo en todos los ámbitos ... No era inusual [en los años sesenta] estar interesado en religiones comparativas y magia ". Mucho después de la desaparición de Led Zeppelin y su jubilación, Page ha tenido que disipar la maldición difamatoria y las difamaciones enmascaradas hacia atrás que surgieron durante los años setenta. "No quiero tener demasiadas reacciones negativas de los grupos fundamentalistas cristianos", fue citado en 1995. "Ya les he dado demasiado kilometraje a esas personas". En 2000, tomó acciones legales contra una revista de Londres que publicó una historia en la que sugería que había lanzado hechizos satánicos sobre John Bonham cuando el baterista moría, la historia se retractó y Page recibió una indemnización, que el millonario músico y ocultista donó a la caridad.

Las acusaciones en torno a Led Zeppelin se produjeron gradualmente durante la vida del grupo y su formidable influencia póstuma. Pero en 1969, el prometedor Zeppelin había compartido facturas en Los Ángeles con otro acto que provocó un escándalo mucho mayor, aunque más breve, con una ráfaga de discos controvertidos y conciertos sensacionales en los primeros años de la próxima década: Alice Cooper. Inicialmente un colectivo promovido por el maestro satírico del rock Frank Zappa, la banda de Alice Cooper fusionó la estridente energía adolescente de la música boogie eléctrica, más simple y menos experta que la de Led Zeppelin, con una teatralidad macabra que finalmente fue etiquetada como "rock de choque". El cantante era un joven Vincent Furnier, un participante voluntario en la estratagema, que pronto se identificó como la propia Alice; el nombre, sostuvo, fue tomado de una sesión de Ouija en la que se enteró de que, de hecho, era la reencarnación de una bruja del siglo XVII. de esa denominación.

Cooper usó maquillaje y ropa de mujer en el escenario, actuó con una boa constrictor en vivo, destruyó muñecas ante el público, pareció colgarse y / o decapitarse en rituales culminantes de soga y / o guillotina, cantó canciones tituladas "Dead Babies", "Halo of Flies ”,“ Under My Wheels ”,“ Only Women Bleed ”,“ I Love the Dead ”,“ Black Widow ”,“ Is It My Body ”y el necrofílico“ Cold Ethyl ”, y publicaron álbumes llamados Ámalo hasta la muerte, Asesino, Bienvenido a mi pesadilla, y Alice Cooper va al infierno. Un cuento popular persistente sostenía que Cooper había ganado un concurso "asqueroso" en el escenario con Frank Zappa, que (según el narrador) involucraba la producción pública y la ingestión de desechos corporales. Los grupos de padres y los comentaristas de la corriente principal se indignaron, mientras que la prensa lo aceptó.

En 1971 Albert Goldman, crítico musical de Vida revista, escribió que "La publicidad anticipada de Alice Cooper casi me revuelve el estómago ... Es una vergüenza espantosa ... Lo que pone a todos tensos es el sacrificio que hace de la vergüenza". Durante unos pocos años, Alice Cooper fue el ne plus ultra de la fealdad del rock 'n' roll: "Somos el grupo que clavó una estaca en el corazón de la generación del amor", dijo a los periodistas ansiosos.

Sin embargo, en poco tiempo, Alice Cooper (el individuo) comenzó a restar importancia a la etiqueta de rock de choque. No renegó de su música ni de su rutina en el escenario, pero dejó bastante claro que lo que estaba haciendo no era más que un truco que se había puesto de moda entre los adolescentes frustrados de Estados Unidos y sus padres y madres preocupados. Cooper se codeó con figuras del mundo del espectáculo de antaño, Groucho Marx y Bob Hope, y fue visto compitiendo en torneos de golf de celebridades muy poco impactantes. Detrás de escena, no era un adicto a las drogas enloquecido por Satanás, sino el hijo de un ministro de Phoenix, Arizona y un alcohólico activo. Los observadores casuales lo vincularon naturalmente con la ola de lo oculto en cresta, dado su espectáculo chillón y temas líricos horribles, pero los conocedores lo sabían mejor. El periodista Bob Greene siguió a la banda de Cooper en una gira por Estados Unidos y notó lo indiferente que estaba el vocalista por su propia exageración. "Era consciente de que gran parte de Estados Unidos se tomaba muy en serio su imagen enferma y empapada de sangre, lo que lo hacía aún más dispuesto a reírse de sí mismo", escribió Greene en su crónica de 1974: Bebé de mil millones de dólares. “Alice estaba orgullosa de su inteligencia y su sentido de la ironía, y en el estudio hizo todo lo que pudo para demostrar que el trabajo de interpretar el papel de Alice Cooper era solo eso, un trabajo. Siempre estaba ansioso por demostrar una vez más que no se estaba confundiendo con la peligrosa desgraciada llamada Alice Cooper que se estaba vendiendo al público ".

Durante su reinado como rey del shock rock, uno de los actos de apertura de Alice Cooper fue la banda estadounidense de la costa este Blue Öyster Cult. A diferencia del cabeza de cartel, The Cult no optó por escenas descaradas de travestismo o ejecución pública, tenían un sonido de rock pesado similar pero con material más sutil que conservaba un aire de misterio. Los temas líricos del grupo eran a menudo irónicos, al igual que el nombre del grupo un poco ridículo, pero se transmitían con una intensidad (los rayos láser y los flashes explosivos eran elementos básicos en el escenario) que los convirtió en un dibujo popular a mediados de los setenta. Gran parte de esto se debió a su productor, manager y co-compositor Sandy Pearlman, un graduado universitario y crítico musical ocasional al que se le atribuye el mérito de ser el primero en usar el término "heavy metal" para describir la música rock agresiva basada en la guitarra. El propio teclista Allen Lanier formó un vínculo curioso entre el crujiente rock de estadio del género de Blue Öyster Cult y la bohemia cerebral de su ex pareja, la cantante punk Patti Smith.

Culto a la ostra azul | foto: Legacy Recordings

Siguiendo el modelo de Led Zeppelin, BÖC ideó una serie de portadas de álbumes insondables que implicaban un significado oculto, con el M.C. Gráficos al estilo Escher de su debut homónimo de 1972 y del año siguiente Tiranía y Mutación, seguido por el caza a reacción de la Luftwaffe en 1974 Tratados secretos, mientras que 1975 De pie o de rodillas imaginó una siniestra limusina negra frente a una vieja iglesia contra el cielo azotado por la tormenta. Cada uno de estos cuadros presentaba un logotipo críptico que se decía que representaba la guadaña de Cronos, líder de los titanes de la mitología griega, además de ser el símbolo alquímico del metal más pesado, el plomo. Al igual que ZoSo de Jimmy Page, el diseño de BÖC se convirtió virtualmente en una marca oculta que millones de fanáticos adoptaron en su propia ropa y otros accesorios. El uso de la diéresis en “Öyster”, por inútil que fuera, inició una larga tendencia a emplear el acento germánico intimidante en otros nombres de grupos de heavy metal: Mötley Crüe, Motörhead, etc. Las canciones de la banda sugerían además una estética vagamente de ciencia ficción o transgresora, que incluía temas favoritos como "Dominance and Submission", "Subhuman", "Tattoo Vampire", "Career of Evil", "Astronomy", "I Love the Night". "Nosferatu", "Telépatas llameantes", "ETI [Inteligencia extraterrestre]" y el monstruo destructor de Tokio de "Godzilla".

El disco más exitoso de Blue Öyster Cult se convirtió en uno de los sencillos de rock más conocidos de su época y uno de los más espeluznantes. Compuesto por el guitarrista Donald Roeser bajo su seudónimo de Buck Dharma, mucho más genial, "(Don't Fear) The Reaper" era una balada fantasmal en clave menor del pacto suicida de los amantes que insinuaba la presencia acechante del mismo Death justo afuera de la ventana con cortinas. y la habitación a la luz de las velas. Los versos mórbidos encajan perfectamente con los arpegios y restos susurrantes, como "Stairway to Heaven" de Led Zeppelin, un himno de pasiones oscuras y poder gótico. Fue citado en una variedad de obras cinematográficas y literarias posteriores, incluida la epopeya del fin del mundo de Stephen King. El soporte y una versión televisada del libro de no ficción de Norman Mailer sobre el asesino Gary Gilmore, La canción del verdugo. El álbum que destacó, Agents of Fortune de 1976, volvió a presentar el logotipo de Cronus y las imágenes arcanas de las cartas del Tarot (así como la letra aportada por Patti Smith). Para las legiones de jóvenes rock 'n' rollers que aprendieron las melodías con sus guitarras o que tocaron las pistas en los equipos de sonido de su dormitorio, "(Don't Fear) The Reaper" y otras obras de BÖC fueron entradas al mundo de lo oculto: accesible pero indescifrable, pegadizo pero desconcertante.


El sargento de los Beatles. Pimienta Reedición del 50 aniversario

Para el 50 aniversario del sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band en junio de 2017, The Beatles lanzaron una edición de aniversario de lujo con una amplia variedad de tomas descartadas de las sesiones de grabación.

Tras su lanzamiento el 1 de junio de 1967, Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band Inicialmente pasó 148 semanas en la lista británica, incluyendo un total de 27 semanas en el número uno. Durante su primera carrera en las listas de Estados Unidos, el álbum ocupó el puesto número uno durante 15 de las 88 semanas que apareció en el Top 200. & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 ganó cuatro premios GRAMMY®, incluido el Álbum del año, y sigue siendo uno de los álbumes más influyentes y más vendidos de todos los tiempos. En 2003, la Biblioteca del Congreso de EE. UU. Seleccionó & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 para el Registro Nacional de Grabaciones, reconociendo el álbum como & # 8220 cultural, histórica o estéticamente significativo & # 8221 & # 8216.Sargento. Pimienta& # 8216 tops Piedra rodante revista & # 8217s lista definitiva de los & # 8220500 mejores álbumes de todos los tiempos & # 8221

Esta es la primera vez Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band ha sido remezclado y presentado con grabaciones de sesiones adicionales. Para crear las nuevas mezclas de audio estéreo y envolvente 5.1 para & # 8216Sargento. Pimienta, & # 8217 el productor Giles Martin y el ingeniero de mezcla Sam Okell trabajaron con un equipo experto de ingenieros y especialistas en restauración de audio en Abbey Road Studios en Londres. Todos los lanzamientos de Anniversary Edition incluyen la nueva mezcla estéreo del álbum de Martin & # 8217, que se obtuvo directamente de las cintas de sesión originales de cuatro pistas y se guió por la mezcla mono original, preferida por los Beatles, producida por su padre, George Martin.

Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band Los lanzamientos de Anniversary Edition incluyen:

Un CD con el nuevo & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 mezcla estéreo, completa con el álbum original del Reino Unido & # 8217s & # 8220Edit for LP End & # 8221 run-out groove.

De lujo: El paquete digital y 2CD ampliado presenta la nueva mezcla de álbum estéreo en el primer CD y agrega un segundo CD de 18 pistas, incluidas tomas completas inéditas del álbum y 13 canciones, recién mezcladas en estéreo y secuenciadas en el mismo orden que el álbum. El segundo CD también incluye una nueva mezcla estéreo y una toma instrumental inédita de & # 8220Penny Lane & # 8221 y la mezcla estéreo de 2015 y dos tomas completas inéditas de & # 8220Strawberry Fields Forever. & # 8221.

Vinilo de lujo: El paquete expandido de vinilo 2LP de 180 gramos presenta la nueva mezcla estéreo del álbum en el primer LP y agrega un segundo LP con tomas completas inéditas del álbum y 13 canciones, recién mezcladas en estéreo y secuenciadas en el mismo orden que el álbum.

Super Deluxe: El completo conjunto de seis discos en caja incluye:
CD 1: Nueva mezcla de álbum estéreo
CD 2 y amplificador 3:
& # 8211 33 grabaciones adicionales de las sesiones de estudio, la mayoría inéditas y mezcladas por primera vez de las cintas de la sesión de cuatro pistas, secuenciadas en orden cronológico de sus fechas de grabación
& # 8211 Una nueva mezcla estéreo de & # 8220Penny Lane & # 8221 y la mezcla estéreo 2015 de & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221
CD 4:
& # 8211 Transferencias directas del álbum & # 8217s mezcla mono original y los sencillos & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221 y & # 8220Penny Lane & # 8221
& # 8211 Capitol Records & # 8217 Mezcla de single mono promocional de EE. UU. De & # 8220Penny Lane & # 8221
& # 8211 Primeras mezclas mono inéditas de & # 8220She & # 8217s Leaving Home, & # 8221 & # 8220A Day In The Life, & # 8221 y & # 8220Lucy In The Sky With Diamonds & # 8221 (una mezcla que se cree que ha sido borrada de una cinta en 1967, pero descubierto durante la investigación de archivos para la edición de aniversario)
Discos 5 y amp 6 (Blu-ray y DVD):
& # 8211 Nuevas mezclas de audio envolvente 5.1 del álbum y & # 8220Penny Lane & # 8221 de Giles Martin y Sam Okell, además de su mezcla envolvente 5.1 2015 de & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221
& # 8211 Versiones de audio de alta resolución de las nuevas mezclas estéreo del álbum y & # 8220Penny Lane & # 8221 y de la mezcla estéreo 2015 de & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221
& # 8211 Funciones de vídeo: películas promocionales originales restauradas en 4K para & # 8220Strawberry Fields Forever, & # 8221 & # 8220Penny Lane, & # 8221 y & # 8220A Day In The Life & # 8221 plus La realización del sargento. Pimienta, una película documental restaurada, inédita (transmitida en 1992), que presenta interesantes entrevistas con McCartney, Harrison y Starr, y metraje en estudio presentado por George Martin.

(Consulte la lista completa de pistas a continuación)

Así como muchas ideas surgen por casualidad, & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 surgió por primera vez de una conversación entre Paul y el roadie de los Beatles Mal Evans en un avión, cuando la petición de Mal & # 8217 de pasar la sal y la pimienta fue mal escuchada por Paul como & # 8220Sgt. Pepper. & # 8221 El concepto de quién podría ser tal figura echó raíces en la mente de Paul, floreciendo con la imaginación de The Beatles como una banda militar de la era eduardiana & # 8212 & # 8220Sgt. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band. & # 8221 The Beatles & # 8217 fuente creativa para & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 también fluyó de una miríada de fuentes como The Beach Boys & # 8217 Sonidos de mascotas álbum, un póster de circo victoriano (& # 8220 Beeing For The Benefit Of Mr.Kite! & # 8221), un comercial de televisión de cereales para el desayuno (& # 8220 Good Morning Good Morning & # 8221), una imagen dibujada por John & # 8217s, su hijo pequeño, Julian (& # 8220Lucy In The Sky With Diamonds & # 8221), un adolescente fugitivo reportado en las noticias (& # 8220She & # 8217s Leaving Home & # 8217), y enseñanzas hindúes (& # 8220Within You Without You & # 8221).

Utilizando el equipo de grabación de cinta de cuatro pistas estándar de la época, The Beatles colaboraron con el productor George Martin para lograr & # 8220 lo imposible & # 8221, como lo llamaron, para ir tan lejos como pudieran con arreglos y nueva tecnología para realizar. su visión colectiva para Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band. Como lo describió George Martin, & # 8220 Estábamos en otro tipo de forma de arte en la que estabas grabando algo en una cinta que solo se podía hacer en cinta. & # 8221 Los Beatles registraron más de 400 horas en Abbey Road & # 8217s Studio 2 para grabar el álbum, concluyendo las sesiones en abril de 1967.

El arte vibrante del álbum # 8217, incluida su extravagante portada Pop Art que encuentra a los Beatles rodeados por una multitud de héroes en un collage 3D, fue creado por Peter Blake y Jann Haworth en colaboración con la banda. La obra de arte original se muestra en el conjunto de lanzamientos de Anniversary Edition, incluido el álbum & # 8217s hoja extraíble de & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 recortes.

Alojado en una caja de 30 x 30 cm con ilustraciones lenticulares y dos carteles adicionales, el juego Super Deluxe de seis discos se presenta con un libro de tapa dura de 144 páginas. El libro incluye nuevas introducciones de Paul McCartney y Giles Martin, y capítulos que cubren detalles completos canción por canción e información de grabación, el diseño de la portada, el álbum y las innovaciones musicales # 8217 y su contexto histórico por el historiador, autor y productor de radio de los Beatles. Kevin Howlett, compositor y musicólogo Howard Goodall, productor musical y escritor Joe Boyd y los periodistas Ed Vulliamy y Jeff Slate, ilustrados con fotografías raras, reproducciones de letras escritas a mano, documentación de Abbey Road Studios y original & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 anuncios impresos.

El digipak Deluxe 2CD está empaquetado con un folleto de 50 páginas resumido de la caja y el libro # 8217s, y el vinilo Deluxe 2LP se presenta en una reproducción fiel del álbum y la cubierta plegable original del # 8217s.

Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band Edición de aniversario
Listas de canciones

CD
(‘Sargento. Pimienta& # 8216 2017 Mezcla estéreo)
1. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band
2. Con un poco de ayuda de mis amigos
3. Lucy en el cielo con diamantes
4. Mejorando
5. Arreglar un agujero
6. Ella y # 8217 se van de casa
7. ¡Ser en beneficio del Sr. Kite!
8. Dentro de ti sin ti
9. Cuando tenga & # 8217m sesenta y cuatro
10. Lovely Rita
11. Buenos días, buenos días
12. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band (Repetición)
13. Un día en la vida

CD 1: ‘Sargento. Pimienta& # 8216 2017 Mezcla estéreo (igual que la lista de pistas de CD de un solo disco, arriba)

CD 2: Completa las primeras tomas de las sesiones en la misma secuencia que el álbum., además de varias versiones de & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221 y & # 8220Penny Lane & # 8221
1. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band [Toma 9]
2. Con un poco de ayuda de mis amigos [Take 1 & # 8211 False Start y Take 2 - Instrumental]
3. Lucy en el cielo con diamantes [Toma 1]
4. Mejorando [Toma 1 & # 8211 Instrumental y discurso al final]
5. Arreglando un agujero [discurso y toma 3]
6. Ella y # 8217 se van de casa [Toma 1 - Instrumental]
7. ¡Ser en beneficio del Sr. Kite! [Toma 4]
8. Dentro de ti sin ti [Take 1 & # 8211 Indian Instruments]
9. Cuando tenga & # 8217m sesenta y cuatro [toma 2]
10. Lovely Rita [Discurso y toma 9]
11. Buenos días, buenos días [toma 8]
12. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band (repetición) [Toma 8]
13. Un día en la vida [Toma 1 con último acorde tarareado]
14. Strawberry Fields Forever [Toma 7]
15. Strawberry Fields Forever [Toma 26]
16. Strawberry Fields Forever [Stereo Mix & # 8211 2015]
17. Penny Lane [Toma 6 & # 8211 Instrumental]
18. Penny Lane [Stereo Mix & # 8211 2017]

CD 1: ‘Sargento. Pimienta& # 8216 2017 Mezcla estéreo (igual que la lista de pistas de CD de un solo disco, arriba)

CD 2: Completa las primeras tomas de las sesiones., secuenciados en orden cronológico de sus primeras fechas de grabación
1. Strawberry Fields Forever [Toma 1]
2. Strawberry Fields Forever [Toma 4]
3. Strawberry Fields Forever [Toma 7]
4. Strawberry Fields Forever [Toma 26]
5. Strawberry Fields Forever [Stereo Mix & # 8211 2015]
6. Cuando tenga & # 8217m sesenta y cuatro [toma 2]
7. Penny Lane [Toma 6 - Instrumental]
8. Penny Lane [Overdubs y discursos vocales]
9. Penny Lane [Stereo Mix & # 8211 2017]
10. Un día en la vida [Toma 1]
11. Un día en la vida [Toma 2]
12. Un día en la vida [Orchestra Overdub]
13. Un día en la vida (Último acorde tarareado) [Toma 8, 9, 10 y 11]
14. Un día en la vida (The Last Chord)
15. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band [Toma 1 - Instrumental]
16. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band [Toma 9 y discurso]
17. Buenos días Buenos días [Toma 1 & # 8211 Instrumental, Desglose]
18. Buenos días, buenos días [toma 8]

CD 3: Completa las primeras tomas de las sesiones., secuenciados en orden cronológico de sus primeras fechas de grabación
1. Arreglando un agujero [Toma 1]
2. Arreglando un agujero [discurso y toma 3]
3. ¡Ser en beneficio del Sr. Kite! [Discurso de Antes, Toma 1, Toma 4 y Discurso al final]
4. ¡Ser en beneficio del Sr. Kite! [Toma 7]
5. Lovely Rita [Discurso y toma 9]
6. Lucy en el cielo con diamantes [Toma 1 y habla al final]
7. Lucy en el cielo con diamantes [discurso, comienzo falso y toma 5]
8. Mejorando [Toma 1 & # 8211 Instrumental y discurso al final]
9. Mejorando [Toma 12]
10. Dentro de ti sin ti [Toma 1 & # 8211 Instrumentos indios solamente]
11. Dentro de ti sin ti [George entrenando a los músicos]
12. Ella y # 8217s se van de casa [Toma 1 - Instrumental]
13. Ella y # 8217s se van de casa [Toma 6 - Instrumental]
14. Con un poco de ayuda de mis amigos [Take 1 & # 8211 False Start y Take 2 - Instrumental]
15. Sargento. Pepper & # 8217s Lonely Hearts Club Band (repetición) [Speech And Take 8]

CD 4: ‘Sargento. Pimienta& # 8216 y bonus tracks en Mono
(Pistas 1-13: 2017 Transferencia directa de & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 Mezcla mono original)
14. Strawberry Fields Forever [Original Mono Mix]
15. Penny Lane [Mezcla mono original]
16. A Day In The Life [Primera mezcla mono inédita]
17. Lucy In The Sky With Diamonds [Mezcla mono inédita & # 8211 No. 11]
18. She & # 8217s Leaving Home [Primera mezcla mono inédita]
19. Penny Lane [Capitol Records U.S. Promo Single & # 8211 Mono Mix]

DISCOS 5 y amp 6 (Blu-ray y amp DVD)
Funciones de audio (ambos discos):
& # 8211 Nuevas mezclas de audio envolvente 5.1 de & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 álbum y & # 8220Penny Lane, & # 8221 más 2015 5.1 mezcla envolvente de & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221 (Blu-ray: DTS HD Master Audio 5.1, Dolby True HD 5.1 / DVD: DTS Dolby Digital 5.1)
& # 8211 Versiones de audio de alta resolución de 2017 & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 mezcla estéreo y 2017 & # 8220Penny Lane & # 8221 mezcla estéreo, más 2015 & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221 mezcla estéreo de alta resolución (Blu-ray: LPCM Stereo 96KHz / 24bit / DVD: LPCM Stereo)
Funciones de video (ambos discos):
La realización del sargento. Pimienta [película documental restaurada de 1992, inédita]
& # 8211 Películas promocionales: & # 8220 Un día en la vida & # 8221 & # 8220Strawberry Fields Forever & # 8221 & # 8220Penny Lane & # 8221 [4K restaurado]

& # 8220Es & # 8217 una locura pensar que 50 años después estamos mirando hacia atrás en este proyecto con tanto cariño y un poco de asombro por cómo cuatro tipos, un gran productor y sus ingenieros pudieron hacer una obra de arte tan duradera, & # 8221 dice Paul McCartney en su introducción recién escrita para el & # 8216Sargento. Pimienta& # 8216 Edición de aniversario.

“‘Sargento. Pimienta& # 8216 pareció capturar el estado de ánimo de ese año, y también permitió que muchas otras personas comenzaran desde allí y realmente lo hicieran, & # 8221 Ringo Starr recuerda en el libro Anniversary Edition & # 8217s.


John Lennon: voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica, piano, órgano Hammond, cencerro
Paul McCartney: voz, guitarra eléctrica, bajo, piano, órgano Lowery
George Harrison: voz, guitarra eléctrica, guitarra acústica, armónica, tambura, sitar, maracas
Ringo Starr: voz, batería, armónica, pandereta, maracas, congas, bongos, campanillas
George Martin: órgano Hammond, órgano Lowery, piano, pianette, clavecín, armonio, glockenspiel
Mal Evans: armónica, órgano Hammond, piano, despertador
Neil Aspinall: armónica, tambura
Erich Gruenberg, Derek Jacobs, Trevor Williams, José Luis García, Alan Loveday, Julien Gaillard, Paul Scherman, Ralph Elman, David Wolfsthal, Jack Rothstein, Jack Greene, Granville Jones, Bill Monro, Jurgen Hess, Hans Geiger, D Bradley, Lionel Bentley, David McCallum, Donald Weekes, Henry Datyner, Sidney Sax, Ernest Scott: violín
John Underwood, Stephen Shingles, Gwynne Edwards, Bernard Davis, John Meek: viola
Dennis Vigay, Alan Dalziel, Reginald Kilbey, Allen Ford, Peter Beavan, Francisco Gabarro, Alex Nifosi: violonchelo
Cyril MacArthur, Gordon Pearce: contrabajo
Sheila Bromberg, John Marston: arpa
Robert Burns, Henry MacKenzie, Frank Reidy, Basil Tschaikov, Jack Brymer: clarinete
Roger Lord: oboe
N Fawcett, Alfred Waters: fagot
Clifford Seville, David Sanderman: flauta
Barrie Cameron, David Glyde, Alan Holmes: saxofón
David Mason, Monty Montgomery, Harold Jackson: trompeta
Raymond Brown, Raymond Premru, T Moore, John Lee: trombón
Alan Civil, Neil Sanders, James W Buck, Tony Randall, John Burden, Tom (apellido desconocido): corno francés
Michael Barnes: tuba
Tristan Fry: timbales, percusión
Marijke Koger: pandereta
Músicos desconocidos: dilruba, svarmandal, tabla, tambura

El octavo álbum de los Beatles en el Reino Unido provocó un cambio radical en la música popular. Grabado en más de 400 horas durante un período de 129 días, Banda del club de corazones solitarios del sargento Pepper ayudó a definir el Verano del amor de 1967, y fue reconocido instantáneamente como un gran paso adelante para la música moderna.

El estado de ánimo del álbum estaba en el espíritu de la época, porque nosotros mismos estábamos encajando en el estado de ánimo de la época. La idea no era hacer nada para satisfacer ese estado de ánimo; de todos modos, estábamos en ese estado de ánimo. Y no fue solo el estado de ánimo general de la época lo que nos influyó, estaba buscando referencias que estuvieran más al margen de las cosas. El estado de ánimo real de la época era más probable que fuera The Move, o Status Quo o lo que sea, mientras que fuera de todo eso estaba este modo de vanguardia, que creo que estaba entrando en Pimienta.

Definitivamente hubo un movimiento de personas. Todo lo que digo es: realmente no estábamos tratando de atender ese movimiento, solo estábamos siendo parte de él, como siempre lo hemos sido. Sostengo que los Beatles no eran los líderes de la generación, sino los portavoces. Solo hacíamos lo que hacían los niños de las escuelas de arte. Fue una época salvaje, y me parece una distorsión del tiempo: allí estábamos en una mágica tierra de magos con ropa de retazos de terciopelo y palos de incienso en llamas, y ahora estamos vestidos con sobriedad.

Incluso más que su predecesor, Revólver, Banda del club de corazones solitarios del sargento Pepper vio a los Beatles empujando los límites dentro del estudio, creando sonidos que nunca antes se habían escuchado. Hicieron un amplio uso de orquestas y otros músicos contratados, y combinaron una variedad de estilos musicales que incluyen rock, music hall, psicodelia, música clásica tradicional india y occidental.

Desde los remolinos del recinto ferial de "¡Ser en beneficio de Mr Kite!" Hasta la estampida de animales que cierra "Buenos días, buenos días", Banda del club de corazones solitarios del sargento Pepper señaló al mundo que Los Beatles ya no eran los adorables moptops de antaño, que no estaban dispuestos a cantar simples canciones de amor y actuar para multitudes que estaban más interesadas en gritar que en escuchar.

En el Centro de Sgt Pepper es el sonido del trasfondo inglés de The Beatles, con historias de niñas fugitivas, atracciones de circo, cabañas de vacaciones en la Isla de Wight, violencia doméstica, mejoras en el hogar, Correo diario noticias, recuerdos de días escolares y literatura infantil favorita, lejos de las riquezas de las que disfrutaban como el cuarteto más famoso del planeta, pero recordando tiempos pasados ​​y preguntándose qué depararía el futuro.

Antes del lanzamiento de Sgt Pepper, sin embargo, muchos comentaristas creían que The Beatles había terminado como grupo. Habían dejado de hacer giras y se habían retirado en gran medida de la vista del público, y "Penny Lane" / "Strawberry Fields Forever" no había logrado encabezar la lista de sencillos del Reino Unido después de su lanzamiento en febrero de 1967.


5 El mensaje real al revés de Pink Floyd

Poner mensajes al revés en la música (también conocido como "backmasking") estaba de moda en los años 80, y por "toda la furia" nos referimos a "el tema de las investigaciones del Congreso". Bandas como Judas Priest y Led Zeppelin fueron acusadas de incluir mensajes satánicos subliminales de control mental en sus canciones, en lo que sin duda fue uno de los pánicos morales más estúpidos de la historia de Estados Unidos.

Los "mensajes satánicos", por supuesto, fueron una completa tontería, porque es prácticamente imposible cantar o hablar a propósito algo que sea inteligible tanto hacia adelante como hacia atrás. Es por eso que la mayoría de los supuestos mensajes suenan como si la cantante estuviera sufriendo un ataque. Pero enmascarando tiene sido utilizado intencionalmente por bandas como The Beatles. sobre todo porque suena genial. Nunca tuvieron la intención de ocultar nada: lo hicieron por razones puramente estéticas.

En 1979, Pink Floyd se convirtió en la primera banda popular en incluir un mensaje invertido que en realidad estaba destinado a ocultarse. En la primera mitad de su álbum clásico The Wall, la canción "Empty Spaces" contiene lo que suena como un murmullo cuando se escucha hacia adelante, pero en realidad es un discurso amortiguado que se revela cuando se invierte. Cualquier ciudadano preocupado y desesperado por encontrar algo por lo que indignarse debe haberse emocionado bastante cuando llegó a esa parte. hasta que escuchó lo que dice (suba los altavoces):

"Hola, cazadores. Felicitaciones. Acaban de descubrir el mensaje secreto. Por favor envíe su respuesta a Old Pink, al cuidado de Funny Farm, Chalfont ..."

. y luego el hablante es interrumpido por una voz femenina que dice que alguien está hablando por teléfono. No es exactamente "ENTREGA TU ANO A SATANÁS". Nos tememos que eso es tan emocionante como los casos reales de backmasking, a menos que cuentes a la banda grunge Ash escondiendo una canción completa en su álbum debut, Remolque. Cuando se invierte, se cambia de tono y se acelera, el ruido al final de la pista 5 en realidad resulta ser una pista de demostración de otra canción del álbum. ¿Qué tiene de bueno eso? El álbum fue lanzado en 1994, cuando el costo del equipo de audio y / o software para escuchar la canción la habría puesto fuera del alcance de la gran mayoría de oyentes. Eso es varias capas de oculto. Todo esto sería mucho más impresionante si alguien realmente supiera o le importara quién era Ash.


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