Miguel Ángel - Pinturas, Capilla Sixtina y David

Miguel Ángel - Pinturas, Capilla Sixtina y David

Miguel Ángel fue un escultor, pintor y arquitecto ampliamente considerado como uno de los más grandes artistas del Renacimiento, y posiblemente de todos los tiempos. Su trabajo demostró una mezcla de perspicacia psicológica, realismo físico e intensidad nunca antes vista. Sus contemporáneos reconocieron su extraordinario talento y Miguel Ángel recibió encargos de algunos de los hombres más ricos y poderosos de su época, incluidos papas y otros afiliados a la Iglesia Católica. Su trabajo resultante, más notablemente sus esculturas de la Piedad y David y sus pinturas de la Capilla Sixtina, ha sido cuidadosamente cuidado y preservado, asegurando que las generaciones futuras puedan ver y apreciar el genio de Miguel Ángel.

Entrenamiento y vida temprana

Michelangelo Buonarroti (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni) nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, Italia. Su padre trabajaba para el gobierno florentino y, poco después de su nacimiento, su familia regresó a Florencia, la ciudad que Miguel Ángel siempre consideraría su verdadero hogar.

Florencia durante el período del Renacimiento italiano fue un centro artístico vibrante, un lugar oportuno para que los talentos innatos de Miguel Ángel se desarrollaran y florecieran. Su madre murió cuando él tenía 6 años, e inicialmente su padre no aprobó el interés de su hijo por el arte como carrera.

A los 13 años, Miguel Ángel fue aprendiz del pintor Domenico Ghirlandaio, particularmente conocido por sus murales. Un año después, su talento llamó la atención del principal ciudadano y mecenas del arte de Florencia, Lorenzo de ’Medici, quien disfrutó del estímulo intelectual de estar rodeado de los hombres más letrados, poéticos y talentosos de la ciudad. Extendió una invitación a Miguel Ángel para que residiera en una habitación de su casa palaciega.

Miguel Ángel aprendió de los eruditos y escritores del círculo intelectual de Lorenzo y se inspiró en ellos, y su trabajo posterior siempre estaría informado por lo que aprendió sobre filosofía y política en esos años. Durante su estancia en la casa de los Medici, también perfeccionó su técnica bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, guardián de la colección de esculturas romanas antiguas de Lorenzo y un destacado escultor. Aunque Miguel Ángel expresó su genio en muchos medios, siempre se consideraría primero un escultor.

Esculturas: La Piedad y David

Miguel Ángel estaba trabajando en Roma en 1498, cuando recibió una comisión para hacer carrera del cardenal francés Jean Bilhères de Lagraulas, enviado del rey Carlos VIII al Papa. El cardenal quería crear una estatua sustancial que representara a una Virgen María vestida con su hijo muerto descansando en sus brazos, una Piedad, para adornar su propia tumba futura. La delicada obra maestra de Miguel Ángel de 69 pulgadas de alto con dos intrincadas figuras talladas en un bloque de mármol continúa atrayendo a legiones de visitantes a la Basílica de San Pedro más de 500 años después de su finalización.

Miguel Ángel regresó a Florencia y en 1501 fue contratado para crear, nuevamente de mármol, una enorme figura masculina para realzar el famoso Duomo de la ciudad, oficialmente la catedral de Santa Maria del Fiore. Eligió representar al joven David del Antiguo Testamento de la Biblia como heroico, enérgico, poderoso y espiritual, y literalmente más grande que la vida con 17 pies de altura. La escultura, considerada por los estudiosos como casi perfecta desde el punto de vista técnico, permanece en Florencia en la Galleria dell’Accademia, donde es un símbolo de renombre mundial de la ciudad y su patrimonio artístico.

Pinturas: Capilla Sixtina

En 1505, el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel que esculpiera una gran tumba con 40 estatuas de tamaño natural, y el artista comenzó a trabajar. Pero las prioridades del Papa se alejaron del proyecto cuando se vio envuelto en disputas militares y sus fondos se volvieron escasos, y un Miguel Ángel disgustado abandonó Roma (aunque continuó trabajando en la tumba, de vez en cuando, durante décadas).

Sin embargo, en 1508, Julio llamó a Miguel Ángel a Roma para un proyecto de pintura menos costoso, pero aún ambicioso: representar a los 12 apóstoles en el techo de la Capilla Sixtina, la parte más sagrada del Vaticano donde se eligen e inauguran nuevos papas.

En cambio, en el transcurso del proyecto de cuatro años, Miguel Ángel pintó 12 figuras, siete profetas y cinco sibilas (profetas del mito), alrededor del borde del techo, y llenó el espacio central con escenas del Génesis.

Los críticos sugieren que la forma en que Miguel Ángel describe al profeta Ezequiel - como fuerte pero acentuado, decidido pero inseguro - es un símbolo de la sensibilidad de Miguel Ángel a la complejidad intrínseca de la condición humana. La pintura del techo de la Capilla Sixtina más famosa es La creación de Adán, infundida de emoción, en la que Dios y Adán se extienden las manos el uno al otro.

Arquitectura y poemas

El hombre del Renacimiento por excelencia, Miguel Ángel continuó esculpiendo y pintando hasta su muerte, aunque trabajó cada vez más en proyectos arquitectónicos a medida que envejecía: su trabajo de 1520 a 1527 en el interior de la Capilla de los Medici en Florencia incluyó diseños de paredes, ventanas y cornisas que fueron inusual en su diseño e introdujo variaciones sorprendentes en las formas clásicas.

Miguel Ángel también diseñó la cúpula icónica de la Basílica de San Pedro en Roma (aunque se completó después de su muerte). Entre sus otras obras maestras se encuentran Moisés (escultura, terminada en 1515); El Juicio Final (pintura, terminada en 1534); y Día, noche, amanecer y anochecer (esculturas, todas terminadas en 1533).

Años despues

A partir de la década de 1530, Miguel Ángel escribió poemas; unos 300 sobreviven. Muchos incorporan la filosofía del neoplatonismo, que un alma humana, impulsada por el amor y el éxtasis, puede reunirse con un Dios todopoderoso, ideas que habían sido objeto de intensas discusiones mientras él era un adolescente que vivía en la casa de Lorenzo de 'Medici.

Después de dejar Florencia definitivamente en 1534 para ir a Roma, Miguel Ángel también escribió muchas cartas líricas a los miembros de su familia que permanecieron allí. El tema de muchos fue su fuerte apego a varios jóvenes, especialmente al aristócrata Tommaso Cavalieri. Los estudiosos debaten si esto fue más una expresión de homosexualidad o un anhelo agridulce del Miguel Ángel soltero, sin hijos y envejecido por una relación padre-hijo.

Miguel Ángel murió a los 88 años después de una breve enfermedad en 1564, sobreviviendo mucho más allá de la esperanza de vida habitual de la época. Una piedad que había comenzado a esculpir a fines de la década de 1540, destinada a su propia tumba, quedó inacabada, pero se exhibe en el Museo dell’Opera del Duomo de Florencia, no muy lejos de donde está enterrado Miguel Ángel, en la Basílica de Santa Croce.


La Capilla Sixtina, obra maestra de Miguel Ángel

Cuando recibió el encargo de pintar la Capilla Sixtina, los críticos pusieron en duda a Miguel Ángel. Silenciándolos, sus hermosas pinceladas llegaron a encarnar la cima del arte renacentista.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni era más conocido como escultor cuando el Papa Julio II lo tocó para iluminar la Capilla Sixtina. Conocido en el mundo como Miguel Ángel, el florentino tenía solo 24 años cuando esculpió su famosa “Piedad”, una tierna representación de la Virgen María acunando el cuerpo sin vida de su hijo. Su imponente "David" reveló su maestría en esculpir la forma humana.

A pesar de toda la habilidad y belleza de su trabajo con el cincel, es quizás su trabajo con el pincel por lo que más se le recuerda. Los colores llamativos y la sorprendente composición de sus frescos en la Capilla Sixtina aún asombran a los espectadores con su poder y emoción. El techo Sixtina y el "Juicio Final" son un testimonio del genio de Miguel Ángel como pintor y su evolución como artista.

El techo Sixtina se completó en 1512, un poco antes de la Reforma Protestante. En la pared oeste, el fresco del "Juicio Final" se dio a conocer casi tres décadas después, cuando los efectos de la revolución de Martín Lutero se extendieron por Europa. Ambas obras reflejan el espíritu y los temas de la época: el amor renacentista por el cuerpo humano, la tensión entre la riqueza y la fe y, sobre todo, una interpretación explosivamente vibrante de las grandes historias de la Biblia.


Vida temprana

Miguel Ángel nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, Italia, el segundo de cinco hijos.

Cuando nació Miguel Ángel, su padre, Leonardo di Buonarrota Simoni, se desempeñó brevemente como magistrado en el pequeño pueblo de Caprese. La familia regresó a Florencia cuando Miguel Ángel aún era un bebé.

Su madre, Francesca Neri, estaba enferma, por lo que Miguel Ángel fue colocado con una familia de picapedreros, donde luego bromeó: `` Con mi leche de nodriza y de aposs, chupé el martillo y los cinceles que uso para mis estatuas ''.


Miguel Ángel Juicio final, Capilla Sixtina

Eso es todo. El momento que todos los cristianos esperan con esperanza y pavor. Este es el fin del tiempo, el comienzo de la eternidad cuando el mortal se vuelve inmortal, cuando los elegidos se unen a Cristo en su reino celestial y los condenados son arrojados a los tormentos interminables del infierno. Qué tarea desalentadora: visualizar el final de la existencia terrenal y, además, hacerlo en la Capilla Sixtina, la capilla privada de la corte papal, donde los líderes de la Iglesia se reunían para celebrar las liturgias del día festivo, donde estaba el cuerpo del Papa. establecido en estado antes de su funeral, y donde, hasta el día de hoy, el Colegio de Cardenales se reúne para elegir al próximo Papa.

Contextos históricos y pictóricos

Tiziano, Retrato del Papa Pablo III, C. 1543, óleo sobre lienzo, 113,3 x 88,8 cm (Museo di Capodimonte, Nápoles)

La composición

Miguel Ángel Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Cristo, María y los santos (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Ángeles (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Los elegidos (los que van al cielo)

Los muertos se levantan de sus tumbas y flotan hacia el cielo, algunos asistidos por ángeles. En la parte superior derecha, una pareja es llevada al cielo en un rosario, y justo debajo un cuerpo resucitado está atrapado en un violento tira y afloja (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma) fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Los condenados (los que van al infierno)

Los demonios arrastran a los condenados al infierno, mientras los ángeles golpean a los que luchan por escapar de su destino (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Caronte conduce a los condenados a las costas del infierno y en la esquina inferior derecha se encuentra Minos con orejas de culo (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, pared del altar, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

En compañía de cristo

Izquierda: San Juan Bautista derecha: San Pedro (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, pared del altar, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Si bien tales detalles estaban destinados a provocar terror en el espectador, la pintura de Miguel Ángel trata principalmente del triunfo de Cristo. Domina el reino del cielo. Los elegidos rodean a Cristo, se destacan en el primer plano y se extienden hasta la profundidad de la pintura, disolviendo el límite del plano del cuadro. Algunos sostienen los instrumentos de su martirio: Andrés la cruz en forma de X, Lawrence la parrilla, San Sebastián un haz de flechas, por nombrar solo algunos.

Especialmente prominentes son San Juan Bautista y San Pedro que flanquean a Cristo de izquierda a derecha y comparten sus enormes proporciones (arriba). Juan, el último profeta, es identificable por la piel de camello que cubre su ingle y cuelga detrás de sus piernas y, Pedro, el primer papa, es identificado por las llaves que regresa a Cristo. Su papel como guardián de las llaves del reino de los cielos ha terminado. Este gesto fue un vívido recordatorio para el Papa de que su reinado como vicario de Cristo fue temporal; al final, él también estará dispuesto a responder a Cristo.

En las lunetas (espacios semicirculares) en la parte superior derecha e izquierda, los ángeles muestran los instrumentos de la Pasión de Cristo, conectando así este momento triunfal con la muerte sacrificial de Cristo. Esta porción de la pared se proyecta un pie hacia adelante, haciéndolo visible para el sacerdote en el altar de abajo mientras conmemora el sacrificio de Cristo en la liturgia de la Eucaristía.

Luneta con ángeles portando los instrumentos de la Pasión de Cristo, (detalle), Miguel Ángel, Juicio Final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Respuesta crítica: ¿obra maestra o escándalo?

Poco después de su inauguración en 1541, el agente romano del cardenal Gonzaga de Mantua informó: “La obra es de tal belleza que su excelencia puede imaginar que no faltan quienes la condenan. . . . [En mi opinión, es una obra diferente a cualquier otra que se pueda ver en cualquier parte ”. Muchos elogiaron el trabajo como una obra maestra. Vieron el estilo figurativo distintivo de Miguel Ángel, con sus poses complejas, escorzo extremo y musculatura poderosa (algunos podrían decir excesiva), como dignos tanto del tema como del lugar. La pura fisicalidad de estos desnudos musculosos afirmó la doctrina católica de la resurrección corporal (que en el día del juicio, los muertos resucitarían en sus cuerpos, no como almas incorpóreas).

Izquierda: Apolo Belvedere, Derecha: Cristo (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Un autorretrato

San Bartolomé (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)

Una pintura épica

Como Dante en su gran poema épico, La Divina Comedia , Miguel Ángel buscó crear una pintura épica, digna de la grandeza del momento. Usó metáforas y alusiones para adornar su tema. Su audiencia educada se deleitaría con sus referencias visuales y literarias.

En el sentido de las agujas del reloj: San Blas, Santa Catalina y San Sebastián (detalle), Miguel Ángel, Juicio final, Capilla Sixtina, fresco, 1534-1541 (Ciudad del Vaticano, Roma)


Pintar el techo

Vista desde el techo, La Capilla Sixtina, Miguel Ángel

Miguel Ángel había venido por primera vez a Roma para trabajar en la tumba del Papa y cuando Julio le pidió que cambiara de proyecto para decorar el techo de la Capilla Sixtina, el artista no estaba nada feliz. Había invertido mucho tiempo y esfuerzo en la tumba, y lo que es más, no tenía ninguna experiencia en el trabajo con frescos. Era escultor, no pintor, y Miguel Ángel sintió que su talento se desperdiciaría trabajando en un techo en lugar de en la monumental tumba del Papa. Finalmente, aceptó a regañadientes asumir la comisión.

Durante los años siguientes, el artista no se volvió más optimista sobre su nuevo proyecto. Con frecuencia se quejaba con sus amigos de la incomodidad física que soportaba, estiraba el cuello para mirar hacia arriba y tenía pintura goteando constantemente sobre su rostro. Contrariamente a la creencia popular, Miguel Ángel no pintó acostado, sino de pie en un andamio y extendiendo su pincel sobre su cabeza. El artista había diseñado y construido la estructura él mismo, luego de que otro arquitecto intentara instalar un soporte suspendido de cuerdas. Miguel Ángel puso fin de inmediato a este plan, indignado ante la idea de que habría que perforar agujeros en su techo.


Historia del Arte- Los Maestros III- Miguel Ángel

¿Cómo pintó Miguel Ángel los frescos de la Capilla Sixtina?

Los pintó como una historia narrativa.

¿Cuál es el nombre de la pintura de abajo?

Miguel Ángel tardó 4 años en pintar el ________ de la Capilla Sixtina.

Además de ser un símbolo religioso, la estatua de David también _______________________.

Sirvió como recordatorio del estado republicano de Florencia.

¿Cuáles fueron los sentimientos de Miguel Ángel sobre la pintura en la Capilla Sixtina?

¿Qué sugiere la expresión de David?

Que está a punto de encontrarse con un peligro.

Una escultura de María sosteniendo el cuerpo de Jesús & # 8217

¿Cuál de los siguientes es un monumento funerario en la basílica vaticana de San Pedro?

Las pinturas de la Capilla Sixtina dieron como resultado un nuevo estilo poderoso en ______ Renacimiento.

¿Cuál es el tema general de las pinturas de la Capilla Sixtina?

¿Cuál es el título del trabajo a continuación?

¿Qué característica física utiliza habitualmente Miguel Ángel en sus frescos?

Utiliza fuertes formas musculares.

¿Cómo enfatiza Miguel Ángel que Dios hizo a Adán a su propia imagen en La creación de Adán?

Adam & # 8217s forma y posa imitan a Dios & # 8217s.

¿Qué símbolos incluyó Miguel Ángel en la escultura titulada Nueva Sacristía?


Capilla Sixtina

Una de las capillas más famosas del mundo, la Capilla Sixtina se encuentra en la Ciudad del Vaticano en la capital italiana de Roma, dentro de la residencia del Papa, el Palacio Apostólico. Es especialmente famoso por su techo, que fue pintado por el artista Miguel Ángel entre 1508 y 1512 y es venerado como uno de sus mejores cuadros. La capilla fue remodelada en 1480 por el Papa Sixto IV cuando su nombre cambió de Cappella Magna a Capilla Sixtina. Continúa albergando funciones religiosas y papales en la actualidad y es el sitio de los cónclaves papales (sitio donde el Colegio de Cardenales elige a los papas posteriores).

Diseñada por Baccio Pontelli, la Capilla Sixtina reemplazó a la Cappella Magna, cuyas paredes estaban inclinadas y casi en ruinas. Al finalizar, el Papa Sixto IV encargó a varios artistas importantes que decoraran el interior de la capilla con frescos religiosos. Botticelli y Perugino son dos de los artistas que contribuyeron con obras de arte a la capilla. El Cristo de Perugino entregando las llaves a San Pedro es particularmente digno de mención.

El exterior de la capilla es de forma rectangular y está compuesto por ladrillos. En muchos sentidos, es diferente a las iglesias históricas de la Edad Media o del Renacimiento, ya que su estructura y fachada son simples y en gran parte sin adornos. En cambio, la capilla fue construida en gran parte para replicar el Templo de Salomón como se describe en el Antiguo Testamento. Si bien el exterior de la capilla se destaca por su simplicidad, el interior es históricamente famoso por su obra de arte insuperable y su decoración invaluable.

Las paredes de la capilla, durante eventos importantes, se cubren con tapices diseñados por el artista Rafael. Los tapices representan escenas de la vida de los apóstoles Pedro y Pablo. Sin embargo, los tapices originales de Rafael fueron destruidos durante el saqueo de 1527. El nivel inferior de las paredes está decorado predominantemente con tapices de plata y oro. El nivel medio contiene pinturas que muestran escenas de la vida de Jesús y de Moisés. El nivel superior se divide en dos. Una sección contiene la Galería de los Papas, la otra muestra los Antepasados ​​de Cristo, que fue pintado por Miguel Ángel.

El techo de la capilla fue encargado por el Papa Julio II. Sobre él, Miguel Ángel pintó nueve cuadros que representan la creación del mundo por parte de Dios, la relación del Señor con el hombre y la caída de la gracia del hombre. Las pinturas de Miguel Ángel comprenden doce mil pies cuadrados del techo. El artista diseñó y construyó su propio andamio para el enorme encargo. El artista inicialmente rechazó el proyecto, pero se convenció cuando se le permitió pintar escenas bíblicas de su elección. El techo llama la atención por su magnífica ejecución así como por sus llamativos colores. Miguel Ángel también pintó la pared detrás del altar con su obra maestra El Juicio Final (1535-1541).


Cualquiera que haya tenido la oportunidad de ver el techo de la capilla de cerca debe haber notado dos cosas. Uno, ese techo es alto y ciertamente está lleno de muchas pinturas. Es difícil imaginar que un artista fuera capaz de hacer todo eso en menos de cinco años y, en cierto modo, este conocimiento trae a la mente la imagen de Miguel Ángel mientras yacía de espaldas y trabajaba duro de un año para otro. No hay duda de que sabía que su techo se convertiría en uno de los más importantes de la historia, pero, de nuevo, Miguel Ángel era un artista extremadamente talentoso.

Al principio, el pintor recibió instrucciones de pintar una especie de símbolo geométrico para reemplazar el techo de la capilla entonces azul que estaba salpicado de estrellas. Esto fue en 1508 cuando Miguel Ángel estaba bajo la comisión del Papa Julio II. En cambio, el artista eligió decorar el techo con las escenas del Antiguo Testamento que el mundo conoce y aprecia hoy.

Descripción de los Frescos

Los frescos son más que simples decoraciones destinadas a impresionar la vista. Estas escenas cuentan una historia: la historia de la humanidad desde el principio. Cuentan la historia que existía antes de que aparecieran todas las demás: la historia de la creación. Divididas en tres secciones, las escenas están ordenadas cronológicamente con la primera parte de la narración pintada sobre el altar. Aquí, uno encontrará tres pinturas: La creación de los cielos y la tierra, La creación de Adán y Eva y, por último, La expulsión del jardín del Edén. Miguel Ángel luego sigue sin esfuerzo con una pintura de Noé y el Gran Diluvio.

Cuenta la misma vieja historia al mundo, pero el pintor captura más en sus frescos de lo que cualquiera podría imaginar. Al usar ignudi (juventud desnuda) para representar su mensaje, Miguel Ángel predica el mensaje del nacimiento de Cristo y encuentra una manera de relacionarlo con la creación del hombre.

Las técnicas utilizadas

La mayoría de sus pinturas tienen detalles narrativos, ya que muestran múltiples figuras, todas pintadas en tamaños pequeños. Esto hace que un fresco en particular se destaque del resto: La creación de Adán. En este fresco, las figuras son monumentales mientras se extienden para encontrarse a través de un vacío. El hecho de que se diferencie del resto podría ser lo que distinga al cuadro del resto, pero a pesar de que carece de narrativa, el detalle en este cuadro sigue siendo sobresaliente. La pintura de Miguel Ángel de El diluvio incluye muchos más detalles. Aquí, pinta el cielo y las aguas y utiliza el espacio que tiene a su disposición para retratar cuatro narrativas.

La pintura muestra a un grupo de personas que intentan evitar la lluvia refugiándose debajo de un objeto improvisado. En el lado izquierdo hay más personas que están subiendo una montaña para tratar de escapar de las crecientes aguas. En el centro de la imagen hay un barco que parece ser superado por el poder combinado de la lluvia y el mar embravecido. Sin embargo, en el fondo de esta imagen está la salvación mientras un pequeño equipo trabaja para completar la construcción del Arca. Esta imagen muestra la tragedia, pero hay un solo rayo de esperanza para el futuro del hombre. Los que están a punto de morir están desesperados y piden la simpatía de un observador.

La imagen hace que uno reconsidere la justicia de Dios cuando recurrió a borrar el mundo entero para que pudiera comenzar de nuevo. Pero al salvar a Noé y su familia, Miguel Ángel pinta la salvación de Dios en su verdadera forma. Hay otro detalle que queda claro cuando se observa de cerca el techo de la Capilla Sixtina. Es como si hubiera dos secciones diferentes que fueron pintadas por dos artistas diferentes. Probablemente esto se deba a que, durante su trabajo, Miguel Ángel tomó un descanso de un año en 1510. En imágenes como El diluvio, podemos ver que la gente está muriendo en una inundación, pero es difícil para uno distinguir su estado emocional. Al pintar un grupo de personas en un espacio reducido, Miguel Ángel sacrificó cualquier conexión que pudiera haberse forjado entre un observador y esos personajes en su pintura.

Su trabajo posterior utiliza figuras más monumentales que tienen rostros claros y rasgos claros, lo que facilita que las personas se conecten con las pinturas. Tomando la Creación de Adán, por ejemplo, encontramos que podemos distinguir la cara de Adán como perezosa y relajada con una leve sensación de anhelo. También podemos distinguir el rostro de Dios como serio, como si estuviera trabajando duro para hacer su creación. Se puede percibir esto incluso desde el suelo de la capilla. Hay un pequeño detalle, pero en realidad, la superioridad del trabajo de Miguel Ángel después de que se tomó su descanso radica en la simplicidad que llegó a emplear.

Nueve escenas del libro del Génesis
Doce profetas y sibilas
Antepasados ​​de cristo
Pechinas
Enjutas
Ignudi
Medallones

La conexión observable en sus pinturas

Las pinturas se centran en la historia que se ha contado en el libro del Génesis, pero hay formas que se han interpretado para retratar la imagen del niño Jesús. En la creación de Adán, esta figura de niño se ha incluido para significar que incluso si el hombre es creado a imagen y semejanza de Dios, todavía hay lugar para el pecado y que Dios previó este pecado. Los frescos conectan el Antiguo Testamento con el Nuevo Testamento de una manera que nunca antes se había hecho. Miguel Ángel encontró una manera de poner esta conexión en el arte. Encontró una forma completamente nueva de presentar las escenas de la Biblia, incluida la idea de que Adán cobró vida con el simple toque del dedo de Dios.

En un orden atento, el pintor narra en silencio la historia de Adán desde la perfección que fue durante la creación hasta el pecador en el que se convirtieron sus hijos después de la caída de la humanidad. Hay nueve pinturas narrativas en este techo, pero la perspectiva utilizada sobre los sujetos está en un punto en el que si uno mira lo suficientemente de cerca, casi se puede ver la figura asomándose por la pared del techo. Los personajes utilizados son antiguos, sí, pero después de ver estas imágenes, los observadores salen al mundo real con vívidas imaginaciones de lo que fue y lo que es.

Miguel Ángel abrió la brecha entre la inocencia pasada, la pecaminosidad presente y la redención futura de la humanidad, haciendo que todo parezca una historia continua cuando, de hecho, se realizó en siglos. Es posible que la mente del pintor no extrapoló tan lejos cuando estaba trabajando en el techo, pero la idea parece encajar tanto que uno no puede evitar imaginar lo que estaba pensando Miguel Ángel: imagínese cómo interpretaría el mundo. su obra maestra final.

¿Cuál fue la motivación de Miguel Ángel?

No está claro qué lo inspiró a pintar el techo, de hecho, se podría decir que Miguel Ángel no estaba inspirado cuando comenzó a decorar la Capilla Sixtina. El Papa Julio II prácticamente lo obligó a hacerlo, por lo que, en cierto modo, el Papa fue su inspiración. El país durante ese tiempo había sido destruido por la guerra, y en un intento por unir a la gente una vez más, el Papa consideró oportuno que se pintaran el techo y las paredes de la capilla. El techo estaba destinado a inspirar la servidumbre divina, por lo que, utilizando el poder otorgado a la iglesia, el Papa encargó a Miguel Ángel que pintara 12 frescos que mostraban imágenes de los 12 apóstoles de Cristo.

Se suponía que estos apóstoles estaban pintados de forma geométrica. El pintor no se inspiró en este encargo original, por lo que propuso que se pintaran las escenas de la historia de la creación del Antiguo Testamento. Sabía que los apóstoles de Cristo habían llevado una vida pobre y, por lo tanto, dudó en pintarlos en las glorias del mundo. A este pintor le gustaban los desafíos, y para él, pintar 12 figuras en un espacio tan grande no representaba un gran desafío. En su lugar, optó por pintar las aproximadamente 300 figuras complejas que ahora dominan el techo de la capilla.

Se dice que varias personas, incluido el primo del Papa Marco Vigerio Della Rovere, inspiraron el diseño del techo de la Capilla Sixtina, pero esto es solo una teoría. Al entrar en la capilla, las imágenes del ascenso de la humanidad están pintadas al revés. Esto se ha interpretado en el sentido de que a medida que uno se acerca al altar, se acerca a la gloria de Dios, se acerca a su salvación.

En la entrada, uno puede ver a Noé en su embriaguez, y en el altar, uno puede ver a Dios mientras separa la luz de la oscuridad. Cuando un observador camina hacia el altar, la historia se cuenta al revés, y en el centro mismo del techo se puede ver a Dios mientras da vida al primer hombre, Adán. Pintar estos frescos dañó permanentemente la columna vertebral de Miguel Ángel y, si bien pudo haber sido fácil para él pintar las figuras, debe haber sido difícil para él dar a estas figuras la voz que todavía posan hasta el día de hoy.

El orden inverso en el que están pintados los frescos es, en cierto modo, simbólico. Ir hacia el altar es ir hacia Dios y el surgimiento de la humanidad, pero alejarse del altar y regresar al mundo exterior representa un caminar que conduce a la pecaminosidad y eventual caída de la humanidad.

El estilo utilizado

Los colores de alta clave utilizados por el pintor son extremadamente útiles para cualquiera que desee descifrar el contenido de la Capilla Sixtina desde 60 pies más abajo. Los colores ahora son atrevidos y brillantes en comparación con como eran antes de que se restaurara el techo. Hay un fondo blanco generalizado que resalta los amarillos, los rosas y los verdes que el pintor usó para dar vida a sus personajes. El uso de profetas y sibilas antiguas se ha interpretado de diferentes maneras a lo largo de los años.

Las sibilas predijeron el nacimiento de un salvador en la antigüedad, pero para el cristiano moderno, los profetas antiguos predijeron el nacimiento de Cristo en el Antiguo Testamento. Miguel Ángel usó sibilas y profetas para señalar la misma salvación que se otorgaría a toda la raza humana. Pinta una Sibila en particular de una manera interesante, Libyan Sibyl. Se la hace aparecer en forma de escultura, al igual que todos los personajes que retrató este artista. El cuerpo de esta sibila está algo retorcido mientras se sienta sobre una prenda mirando por encima del hombro hacia el altar. Su imagen parece encajar perfectamente en el entorno en el que se ha colocado.

Hay paneles triangulares que se colocan a los lados de los paneles de la capilla central. Dentro de estos paneles triangulares hay figuras que representan a los antepasados ​​de Cristo. Separando estos paneles hay representaciones de cinco sibilas y los siete profetas. Las cuatro esquinas de la capilla muestran cuatro escenas inspiradas en el Antiguo Testamento. Después de terminar de pintar la borrachera de Noah, Miguel Ángel volvió a mirar las imágenes y, al darse cuenta de que no eran tan imponentes como pretendía, optó por hacerlas más grandiosas. Entonces, mientras uno camina hacia el altar, las imágenes se hacen cada vez más grandes. Su obra es religiosa en todos los frentes. Las pinturas, especialmente el profundo sentido de emoción evidente en algunos de los rostros de los personajes, son una prueba de la piedad de Miguel Ángel.

Finalmente llegó el Juicio Final que Miguel Ángel creó 20 años después de haber terminado todas las demás pinturas del techo. Esta última imagen está ubicada en la pared del altar de la Capilla Sixtina, y comparando cómo se hizo con cómo se hicieron aparecer todas las demás imágenes, uno puede comenzar a comprender por qué los observadores no le dan mucha importancia. El talento empleado en esta imagen es igualmente sobresaliente, pero el Juicio Final conlleva un concepto de desolación. Esta pintura muestra la segunda venida de Cristo, y aunque la inspiración proviene de la Biblia, el artista usó su vívida imaginación para crear la imagen radiante llena de santos y ángeles. Esta pintura muestra el fin último de la raza humana después de siglos de pecado y desobediencia.

La razón por la que la mayoría de los observadores lo han considerado una muestra de desesperanza es que se ve que Cristo está sumergiendo a la mayoría de las personas en los malditos fuegos del infierno, y solo unos pocos se están elevando al cielo. Some figures are cowering before the son of God as he passes his final judgement. The images are somewhat disturbing and very realistic as the Saint Bartholomew holds out his skin and the Saint Andrew holding the cross that he was crucified on.

Michelangelo was to art what Shakespeare was to literature. These two characters in history represented new ideas. The painter tried to push forth a new idea of what was meant to be. Through these images, the religious world view he had becomes clear to the world. Michelangelo painted not to blind us to his perspective, but to give us a glimpse into his mind – into the world that he imagined. He painted and left his work free of interpretation, giving any observer the chance to drink in this marvellous creation and make their conclusions.

Right from the entrance of the chapel, the painter shows us a vision of what it was like for a man to meet the touch of God during creation. He shows us this in a bold and energetic way, using images of ancient prophets and seers to include the concept of the future. Looking at the Sistine Chapel ceiling is looking directly at the divine not through the eyes of Michelangelo, but through those of every human being ever created. These paintings are not limited by what has been preached, and they go beyond the rules that have been set about religion and fully express an idea of God that most people could not dare imagine.

More than 500 years down the line and the modern world is still in awe each time we look at Michelangelo's creation. After the chapel was cleaned, the real complexity of the artist's palette was exposed, and since then, the Sistine Chapel has become some school and inspiration for everyone around the world. At 33, this artist unwillingly started out on this commission to paint the pope's private chapel only for it to become the best thing he ever created. For a sculptor who insisted that he was not a painter, the work he did on the Sistine Chapel ceiling comes awfully close to perfect.

The period of 1508-1512 represented a key time in the career of Michelangelo as he set about constructing an array of frescos across the ceiling of the Sistine Chapel.

This monumental task was to be completed with such immense creativity and technique that the artist himself was to become a household name from then on.

Certain specific elements of the overall piece are considered masterpieces in their own right, and to see them all together is truly extraordinary.

The popularity of Michelangelo's work is also shown in the fact that he was invited back some years later to complete The Last Judgement painting which sat on the altar wall, close to his previous work.

Michelangelo was an artist with huge confidence as well as technical ability which was necessary in order to take on such a challenging request, which had come from Pope Julius II.

The complex combinations of figures across the ceiling has helped many budding artists to understand the true skills of the artist in capturing the human body in a manner of different ways. His understanding of anatomy was impressive and necessary to produce such lifelike and believable portraits.

All of Michelangelo's work on the ceiling is now over 500 years old and so it has been very necessary to continuously protect the frescos and plaster work from all natural elements as well as enthuastic tourists who have been flocking to the Chapel for centuries.

There have also been restorative work in recent generations to remove darkening effects from natural elements that can never be entirely guarded against. The nature of this large artwork also means that it is harder to look after than a normal sized standard painting or sculpture.

The art within the Sistine Chapel, which also includes work by many other notable Italian artists, underlines the wealth and status of the Pope and Christianity itself at that time. Quite simply, it could attract and afford commissions with the finest artists of that time and Michelangelo was clearly around the top of that list.


We Calculated the Total Number of Dicks in Michelangelo’s Oeuvre

When it comes to Michelangelos, the artist Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni is only my second favorite. My third favorite was a mediocre pizza joint by my aunt’s house when I was a kid, but they closed in the 1990s, so really, the competition of “Who’s the best Michelangelo?” is only between the Renaissance artist and the nunchuck -wielding Teenage Mutant Ninja Turtle .

While I admit that I have advanced knowledge of the Ninja Turtle and limited knowledge of the actual human being, from my perspective, the turtle is just way better, surely? He’s trained in martial arts! He knows how to throw a good pizza party ! That other Michelangelo, all I know for sure about him is that he painted a whole bunch of dicks.

But how many dicks? Well, let’s find out!

The first of Michelangelo’s dicks is undeniably the strangest. I’ll get to David and other, more recognizable nether regions later, but the first known painting done by Michelangelo was completed when he was just 12- or 13-years-old. Based on the engraving The Temptation of Saint Anthony by the artist Martin Schongauer , Michelangelo painted this around 1488:

Not seeing any penises? Well, neither did I, at first, but then I took a closer look at all those demons attacking that old dude, and I found this:

Yes, that’s a very pointy demon penis, complete with weird balls, a gaping asshole and some ass-eyes to boot. Frankly, I’m glad that the style Michelangelo would become known for was nothing like this, as I don’t think I could take counting up hundreds of demon cocks.

El siguiente es The Young Archer , which looks much more like what we’d expect from a young Michelangelo, who is believed to have sculpted it around age 16. What’s impressive about The Young Archer is that you can already see Michelangelo’s immense talent when it comes to the human form. “He was good at everything really, it wasn’t just nudity,” says art history professor William E. Wallace, author of Michelangelo: The Artist, the Man and His Times and several other Michelangelo books . “Michelangelo painted, he sculpted, he was an architect. There was something really remarkable about him — he had a gift — but he also worked really hard at it.”

Unfortunately, the archer is missing his little arrow, it having fallen off sometime between 1492 and 1996, when the sculpture was rediscovered . So, despite young Michelangelo’s obvious talent, it’s hard to say how refined his dick-carving skills were at this point.

The Young Archer, who, in addition to missing his dick, is probably a lousy shot.

Next we turn to The Battle of the Centaurs from 1492. This piece is chock-full of naked dudes, but only Tres of them have their penises visible. One of which, by the way, is the penis of Socrates ! Later on, Michelangelo did a similar piece called Battle of Cascina , which also had a ton of naked guys fighting, but only four of which have visible penises.

Michelangelo’s next dick is yet another lost dick, but this one went missing along with its owner, the Roman demigod Hercules. Michelangelo’s Hércules was sculpted in 1492 at the palace of Lorenzo de Medici . In 1529, it was gifted to the King of France and was last seen in 1713, when it may have been destroyed . Fortunately, we have a pretty good idea of what it looked like thanks to drawings of it, so we do know for sure that it included Hercules’ less-than-herculean love muscle.

A copy of Michelangelo’s Hércules by artist Peter Paul Rubens.

The subject matter of Hercules also offers a bit of insight as to why Michelangelo sculpted so many nudes to begin with. As Wallace explains, “The reason why nudity is so common in Michelangelo’s work is that it was common in antiquity. ‘Renaissance’ means ‘rebirth’ and the artists of the Renaissance were looking back toward Greece and Rome, but mostly Rome for Michelangelo.”

Next up is some Christ cock! I’m not a religious person, but I feel like most of the depictions I’ve seen of Jesus on the cross have him wearing a loincloth, which raises the question: Was Jesus crucified naked, or in a loincloth? No matter, that’s an investigation for another day.

Jesus, sans loincloth

Over the course of his career, Michelangelo sculpted and painted Jesus a lot there were, however, only a few times where Jesus had his dick out. All told, he sculpted adult Jesus’ dick six times and baby Jesus ’ baby dick three times (also, one of the baby Jesus sculptures includes a naked toddler of John the Baptist, so that’s another one). Michelangelo also pintado Jesus’ dick twice. Jesus was depicted in much larger works as well — like the Sistine Chapel — but right now I’m just talking about the pieces where Jesus is the main subject.

This one is Christ the Redeemer. Michelangelo did sculpt Jesus’ dick here, but someone covered it up later with a bronze loincloth, the damned prudes.

At this point, I should also note that there are many drawings by Michelangelo that include frontal male nudity — including that of Jesus — but I’m only counting Michelangelo’s sculptures and paintings (the only exception being the already-mentioned Battle of Cascina , which is considered a completed cartoon ). The reason why I’m not counting the drawings is that Michelangelo’s drawings are usually incomplete works that he simply created to plan for something larger. He would even go as far as to destroy many of his drawings so that no one would see his works in progress. Thus, out of deference to Michelangelo’s wishes, I will not be counting any of his sketched penises or any of his models made of clay or wood, as they were all just for planning bigger stuff.

If you get to the end of this thing and deem it to be an insufficient amount of dick, you can always go looking for Michelangelo’s sketches.

Next up is some more Cupid cock. Aside from the archer that I noted earlier — which podría have been Cupid — Michelangelo sculpted a sleeping Cupid and a standing Cupid in the late 1490s, both of whom had their dicks out. That brings us to 24 dicks total.

Then there’s the sculpture of Bacchus, the Roman god of wine, from 1497. Bacchus’ penis chipped off some centuries ago, but it still counts. Even more interesting is the presence of a little goat man in this sculpture, who además has his dick out. Fortunately, the goat-man’s dick is far less frightening than that earlier demon dick.

GOAT BOY dick

Now, finally, for dick number 27, we arrive at the David . To offer a bit of background, Wallace again refers to Michelangelo’s Roman influence. “Michelangelo had just come from Rome after five years looking at ancient sculptures, and the David was a carving of an ancient statue all over again, just in a giant size.” Fortunately, though so many of Michelangelo’s sculptures have degraded over the years, a great deal of care has been taken to preserve the David , so the statue — and its penis — remain intact.

Snark is my natural inclination for so much of this kind of stuff, but the David is such a renowned, extraordinary and beautiful piece of art that I feel like an asshole just trying to come up with a joke here. So, let’s just admire the David and its still-attached penis:

Michelangelo sculpted three nude slaves as well, and though it’s lost today, there was also a small bronze David that Michelangelo completed around the same time as the big one, bringing the running dick total to 31.

Here’s where shit gets nuts. Apparently, unsatisfied with just sculpting one dick at a time, Michelangelo decided to up his dick-art game by painting a bunch of penises all at once. The first of these great dick feasts is the ceiling of the Sistine Chapel, which, along with the David , is Michelangelo’s most famous work.

To count all of these dicks, I had to be methodical. Between 1508 and 1512, Michelangelo painted more than 5,000 square feet of the Sistine Chapel, which includes 49 different individual scenes, so, to make sure I didn’t miss a prick, I had to go one section at a time and mark each penis, luego count them up at the end. This took hours of examination, as each section had to be looked up and scoured for dick separately. At the end of it all, I counted a total of 57 penises on solo the ceiling, which wasn’t the only part of the chapel that Michelangelo painted.

This is my actual worksheet, and every pink dot is a penis location. I changed the image to black and white so that the dicks stand out. There are 57 here.

In addition to those 57 dicks, there are another seven dicks at the lower edges of the ceiling and another three dicks in the chapel’s lunettes, which are the sections Michelangelo painted over the windows.

A lunette featuring one baby penis

Finally, Michelangelo returned to paint más of the Sistine Chapel in 1534, creating a huge mural named The Last Judgment. The dicks here are especially notable, as Wallace explains, “The nudity in The Last Judgment was an issue from the beginning, and people did object to it, feeling it was inappropriate. On the other hand, if you think of what the subject is, it makes sense. It’s the last judgment, and on the day of the last judgment, you’re going to be judged before God and you’re not going to go with a tuxedo on, you’re going to stand naked before him. But, because some people objected to it, some of the nudes were painted over, even in Michelangelo’s lifetime.”

Michelangelo’s The Last Judgment, which is painted onto a wall in the Sistine Chapel.

On the current version of The Last Judgment in the Sistine Chapel, I counted a mere 17 penises, which is kind of underwhelming considering that the painting appears to be of hundreds of naked dudes. But, fortunately, before any of the changes were made, Cardinal Alessandro Farnese commissioned a copy of the work in 1549 by artist Marcello Venusti . Venusti’s copy now resides in the National Museum of Capodimonte , and most art historians believe it offers a true representation of Michelangelo’s original.

Venusti’s copy of The Last Judgment

By examining Venusti’s copy, I located another 19 visible dicks in addition to those 17 that remained. That brings the total number of dicks that Michelangelo painted in the Sistine Chapel to 103, and if you add that to the running total, Michelangelo’s got 134 dicks so far (and we’re not done yet).

While he was painting the Sistine Chapel, Michelangelo also sculpted The Genius of Victory , as well as two naked dudes riding panthers , adding three more dicks to the list.

Okay, Michelangelo, you were definitely trying too hard with these.

In the 1520s and 1530s he sculpted some figures for the Medici Chapel , two of which were naked dudes with their dicks exposed. And in 1530 he sculpted a nude Apollo , bringing our running total to 140

Michelangelo’s final work was the Rondanini Pietà , which was a sculpture of a nude Christ along with the Virgin Mary. I already counted that back in my Jesus tally, so the only things left to count are the penises from Michelangelo’s final two paintings, The Conversion of Saul y The Crucifixion of St. Peter , both of which are in the Vatican . However, for both of these pieces, their degree of dick is difficult to discern. For one, they both hang in an area of Vatican City that’s off-limits to visitors, which means there aren’t a ton of clear, hi-res pictures of these murals. Also, they were left to decay for a few centuries, and when they were finally restored, it once again seems that some loincloths were added to hide Michelangelo’s original nudity.

Originally, that scrap of cloth didn’t cover St. Peter’s peter.

The best guess, though, is that The Crucifixion of St. Peter originally had one exposed penis and The Conversion of Saul had four ( which I discerned from a copy of it ). All told, that means that, in his 88 years on planet Earth, Michelangelo sculpted and painted a total of 145 penises that were part of a finished work.

Honestly, when I started on this venture, I figured that there would have been hundreds, if not thousands of Michelangelo dicks out there. But when I consider the fact that Michelangelo was primarily a sculptor and that most of his works took años to create, 145 penises is certainly not too shabby.

That said, this is yet another area where I wonder if Michelangelo the Renaissance painter falls short of the heroic reptile named after him. After all, Michelangelo the Teenage Mutant Ninja Turtle is a teenager, and he’s been a teenager since 1984, so, if you total up all the dicks he’s inevitably graffitied all over the walls of New York City’s sewers in the past 36 years, he might, once again, outdo Michelangelo, Renaissance (cock) master.

Brian VanHooker

Brian VanHooker is a writer at MEL. He is the co-creator of the John O'Hurley pilot ‘The Tramp’ and co-created 'Barnum & Elwood.’ He also hosts a TMNT interview podcast.


The Plot Behind Michelangelo's Sistine Chapel Masterpiece

God offers life to Adam – the Sistine Chapel ceiling centrepiece

By Ray Setterfield

September 11, 1503 — On this day Michelangelo began sculpting the twelve Apostles of Jesus Christ in marble. They were to stand in niches at Florence Cathedral. He abandoned the project two years later when he was summoned to Rome to build a tomb for Pope Julius II.

The tomb was scheduled to be finished in five years. It included forty statues and was on such a grand scale that the Pope and Michelangelo agreed Saint Peter&rsquos Basilica would have to be rebuilt to house it.

The five-year deadline came and went, and Michelangelo continued working on the tomb for 40 years. Even so, it was never completed to his satisfaction. It is now located in the Church of San Pietro in Vincoli (Saint Peter in Chains) in Rome and is famous particularly for Michelangelo&rsquos magnificent statue of Moses.

Delays in the tomb&rsquos completion could partly be explained by the Pope&rsquos tendency to find new projects for Michelangelo. At one stage he ordered a colossal bronze statue of himself. The sculptor spent more than a year modelling and casting the figure, which, three years later, was melted down to make a cannon!

The principal architect for St Peter&rsquos Basilica, Donato Bramante, was said to be resentful about the young upstart Michelangelo being given such a big commission as the tomb project, and plotted against him. Michelangelo was famous as a sculptor, especially because of his five-metre tall statue of David, and his Pieta, which depicts the Virgin Mary holding the dead body of Christ. But he was not as highly esteemed for his art work.

Giorgio Vasari, an Italian writer at the time, and himself an artist and architect, recorded that Bramante joined forces with the painter Raphael in persuading the Pope that Michelangelo should paint the ceiling of the Sistine Chapel, where the conclave, baptisms and other official ceremonies take place.

Michelangelo's two artistic rivals hoped, according to Vasari, that the sculptor would make a poor job of it, fall out of public favour and have to leave Rome.

The man himself had strong doubts. He protested that he was no painter, but the Pope insisted, so Michelangelo began to work alone and in great discomfort, sticking at his painstaking task for four years.

What resulted was a monumental work of genius illustrating stories from the Old Testament including the Creation of the World, and Noah and the Flood. Bramante's hopes were dashed, and Michelangelo&rsquos work became &ndash and remains &ndash one of the greatest masterpieces of Western Art. It is now admired every year by millions of tourists from all over the world.

In 1787, philosopher Johann Wolfgang von Goethe wrote: &ldquoWithout having seen the Sistine Chapel, one can form no appreciable idea of what one man is capable of achieving.&rdquo

Michelangelo was born to Leonardo di Buonarrota and Francesca di Neri del Miniato di Siena, a middle-class family of Italian bankers on March 6, 1475. He died of a fever aged 88 on February 18, 1564 after walking in the cold night air.

The Pope wanted him to be interred at St. Peter&rsquos but Michelangelo&rsquos nephew and heir, Leonardo, took the body back to Florence to be buried in the Basilica of Santa Croce. More than a hundred artists attend his funeral.

*According to some reports, Galileo Galilei, the &ldquofather of modern science&rdquo, shifted his official birth date by 24 hours to coincide with the day Michelangelo passed away. He had in mind the assertion that genius never dies.