Se abre un tranvía llamado Desire en Broadway

Se abre un tranvía llamado Desire en Broadway

El 3 de diciembre de 1947, el famoso grito de Marlon Brando de "¡STELLA!" primer boom en un escenario de Broadway, electrizando a la audiencia en el Ethel Barrymore Theatre durante la primera presentación de la obra de Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo.

Brando, de 23 años, interpretó al rudo polaco-estadounidense de clase trabajadora Stanley Kowalski, cuyo violento enfrentamiento con Blanche DuBois (interpretada en Broadway por Jessica Tandy), una belleza sureña con un pasado oscuro, está en el centro de Williams. drama famoso. Blanche viene para quedarse con su hermana Stella (Kim Hunter), la esposa de Stanley, en su casa en el Barrio Francés de Nueva Orleans; ella y Stanley inmediatamente se desprecian. En la escena culminante, Stanley viola a Blanche, haciéndola perder su frágil control de la cordura; la obra termina con ella siendo llevada con una camisa de fuerza.

Tranvía, producida por Irene Mayer Selznick y dirigida por Elia Kazan, sorprendió al público de mediados de siglo con su franca descripción de la sexualidad y la brutalidad en el escenario. Cuando bajó el telón la noche del estreno, hubo un momento de asombrado silencio antes de que la multitud estallara en una ronda de aplausos que duró 30 minutos. El 17 de diciembre, el elenco salió de Nueva York para salir de gira. El espectáculo duraría más de 800 presentaciones, convirtiendo al carismático Brando en una estrella de la noche a la mañana. Tandy ganó un premio Tony por su actuación y Williams recibió el premio Pulitzer de drama.

En 1951, Kazán hizo Tranvía en una película. Brando, Hunter y Karl Malden (como amigo de Stanley e interés amoroso de Blanche) repitieron sus papeles. El papel de Blanche fue para Vivien Leigh, la estrella masticadora de paisajes de Lo que el viento se llevó. La controversia estalló cuando la Legión Católica de la Decencia amenazó con condenar la película a menos que se eliminaran las escenas explícitamente sexuales, incluida la violación culminante. Cuando Williams, quien escribió el guión, se negó a sacar la violación, la Legión insistió en que Stanley fuera castigado en la pantalla. Como resultado, la película (pero no la obra) termina con Stella dejando a Stanley.

Un tranvía llamado deseo obtuvo 12 nominaciones al Oscar, incluidos los guiños de actuación para cada uno de sus cuatro protagonistas. La película ganó el premio a la Mejor Dirección de Arte, y Leigh, Hunter y Malden se llevaron premios a casa; Brando perdió ante Humphrey Bogart en La reina africana.


15 hechos sobre Tennessee Williams Un tranvía llamado deseo

En una sofocante Nueva Orleans, una beldad sureña marchita choca con el disfuncional matrimonio de su dulce hermana y su brutal cuñado. Esta es la trama de la obra clásica de Tennessee Williams, Un tranvía llamado deseo, que se estrenó en Broadway el 3 de diciembre de 1947. Pero la historia de su creación y legado es incluso más salvaje que los gritos de Stanley Kowalski.

1. WILLIAMS ESTABLECIÓ EL JUEGO EN SU CASA ELEGIDA.

El niño nacido Thomas Lanier Williams III vivió en Columbus, Mississippi, hasta los 8 años. A partir de ahí, su padre, un vendedor ambulante, llevó a la familia por Missouri, mudándose 16 veces en solo 10 años antes de abandonarlos. Mientras se forjaba su propio camino, Williams vagó de la Universidad de Washington de St. Louis a la Universidad de Iowa a la New School en la ciudad de Nueva York, e incluso pasó algún tiempo trabajando en un rancho de pollos en Laguna Beach, California. Pero a los 28 años, encontró su "hogar espiritual" en Nueva Orleans. Allí cambió oficialmente su nombre de pila por el apodo de la universidad que había llegado a preferir. Inspirado por la cultura del Barrio Francés, escribió cuentos y la que se convertiría en una de sus obras más populares. Allí se convirtió en Tennessee Williams, en más de un sentido.

2. UN TRANVÍA LLAMADO DESEO FUE EL NOMBRE DE UNA LÍNEA REAL DE STREETCAR.

Llamada así por su punto final en Desire Street en el Ninth Ward, la línea Desire corría por Canal Street hasta Bourbon y más allá. Operó desde 1920 hasta 1948, lo que significa que poco después de hacerse famoso en Broadway, se retiró a favor de los autobuses que eran más silenciosos y ponían menos estrés en las calles y los edificios circundantes. Desaparecido pero no olvidado, uno de los autos Desire fue restaurado en 1967 y se convirtió en una atracción turística. En 2003, la ciudad incluso propuso resucitar los tranvías y el nombre de esta famosa línea, pero este sueño murió cuando se le negó la financiación federal.

3. STANLEY KOWALSKI FUE INSPIRADA POR DOS HOMBRES.

El nombre "Stanley Kowalski" fue tomado de un trabajador de una fábrica que Williams conoció mientras vivía en St. Louis. Pero la verdadera musa del dramaturgo fue Amado 'Pancho' Rodríguez y Gonzales, un boxeador mexicano que alguna vez fue amante de Williams, y que argumentó que el personaje que inspiró debería ser latino, no polaco.

Diez años menor que él, González conoció a Williams cuando el escritor viajó a la Ciudad de México a fines de 1945. Encantado por el macho de 24 años, Williams invitó a González a mudarse a su casa de Nueva Orleans. Su relación duró solo dos años. Para el momento Tranvía llamado deseo En Broadway, Williams se había mudado al que sería el amor de su vida, el aspirante a escritor Frank Merlo.

4. BLANCHE PUEDE HABER SIDO UN SUSTITUTO DE WILLIAMS.

Como hombre gay, el escritor había sido objeto de burlas toda su vida, sus compañeros burlones lo llamaban "mariquita" y su padre borracho y abusivo lo llamaba "señorita Nancy". En algunos aspectos, era como Blanche, un alma gentil sureña, sedienta de amor y bondad, pero peligrosamente fascinado por hombres rudos. Elia Kazan, quien dirigió la producción original de Broadway de Tranvía y su adaptación cinematográfica, dijo una vez de Williams, "Si Tennessee era Blanche, Pancho era Stanley ... ¿No se sintió él [Williams] atraído por los Stanley del mundo? ¿Marineros? ¿Comercio rudo? ¿Peligro en sí mismo? Sí, y más salvaje. La violencia en ese chico, siempre al borde del gatillo, atrajo a Williams en el mismo momento en que lo asustó ".

Lo más cerca que estuvo Williams de comentar esta comparación fue decir de su trabajo: "Extraigo cada personaje de mi muy múltiple personalidad dividida. Mis heroínas siempre expresan el clima de mi mundo interior en el momento en que esos personajes fueron creados".

5. UN TRANVÍA LLAMADO DESEO FUE EL SEGUNDO GRAN ÉXITO EN BROADWAY DE WILLIAMS.

En 1945, Williams se abrió paso con su innovador drama autobiográfico. El zoológico de cristal. Solo un año y medio después del cierre de esta aclamada producción, Un tranvía llamado deseo abierto a mayores elogios. Según se informa, la ovación de pie duró 30 minutos después de que descendió el telón la noche del estreno.

6. LA OBRA FUE DRÁSTICAMENTE DIFERENTE DE SUS CONTEMPORÁNEOS DE BROADWAY.

En su ensayo histórico sobre Williams, la crítica Camille Paglia señala que Un tranvía llamado deseo fue un cambio total de El zoológico de cristal. Mientras que el primero tenía una "gentileza fuertemente herida", el segundo se jactaba de "energía bulliciosa y erupciones de violencia". Pero más que eso "Tranvía explotó en el mundo del teatro en un momento en que Broadway estaba dominado por comedias musicales y avivamientos ". Ella agrega," la impactante franqueza con la que Tranvía trataba el sexo —como una fuerza tremendamente revolucionaria— estaba en desacuerdo con la naciente vida doméstica de la era de la posguerra y, en cambio, esperaba con ansias la revolución sexual de la década de 1960 ".

7. CEMENTÓ LA REPUTACIÓN DE WILLIAMS COMO UNA VOZ PRINCIPAL EN EL TEATRO AMERICANO.

Los New York Times El crítico Brooks Atkinson proclamó: "El Sr. Williams es un dramaturgo genuinamente poético cuyo conocimiento de la gente es honesto y completo y cuya simpatía es profundamente humana". Un tranvía llamado deseo pasó a tener más de 800 representaciones y ganaría el Premio del Círculo de Críticos de Drama de Nueva York a la Mejor Obra. Jessica Tandy ganó un premio Tony por crear el papel de Blanche, y Williams fue honrada con el premio Pulitzer de drama.

8. STANLEY KOWALSKI LANZÓ MARLON BRANDO.

A los 23 años, Brando era un actor de método que estaba recibiendo elogios en una serie de papeles de Broadway. El año anterior Un tranvía llamado deseo debutó en el Ethel Barrymore Theatre, los críticos de Nueva York lo habían votado como "el actor más prometedor de Broadway" debido a su poderosa actuación en la película de Maxwell Anderson. Truckline Café. Su interpretación de Kowalski cumplió esa promesa, y algo más. El dramaturgo Arthur Miller escribió que parecía "un tigre suelto, un terrorista sexual ... Brando era un bruto que soportaba la verdad". Y esta intensidad quedó plasmada en la adaptación cinematográfica de 1951, que le valió al actor una nominación al Oscar por su segundo papel cinematográfico.

9. UN TRANVÍA LLAMADO DESEO REPUTACIÓN REDIMIDA DE WILLIAMS EN HOLLYWOOD.

Tras el éxito de El zoológico de cristalEn Broadway, Warner Bros. contrató a Williams para que redactara un guión adaptado para una versión cinematográfica. Pero en busca de una oferta más comercial, contrataron a otro escritor para darle un final feliz, a espaldas de Williams. El resultado fue un fracaso criticado que el dramaturgo denunció como una "parodia". No obstante, Williams regresó a Warner Bros. con Un tranvía llamado deseo. Esta vez, sin embargo, el director y la mayor parte del elenco del espectáculo de Broadway se quedaron para la película, que ganó la impresionante cantidad de 12 nominaciones al Premio de la Academia, ganando cuatro, incluyendo Mejor Actriz de Reparto (Kim Hunter) y Mejor Actriz ( Vivien Leigh).

10. JESSICA TANDY FUE LA ÚNICA PRINCIPAL DE LA OBRA DE BROADWAY QUE NO SE ENCUENTRA EN LA PELÍCULA.

Hollywood no se preocupó por su Tony o sus críticas favorables. Warner Bros. necesitaba un gran nombre para asegurar el éxito de la película. Así que Tandy se dejó caer en favor de Leigh, que había interpretado el papel de Blanche en una producción londinense de Un tranvía llamado deseo, pero lo más importante fue un nombre familiar gracias a su primer papel ganador del Oscar, el de Scarlett O'Hara en la épica histórica de 1939 Lo que el viento se llevó.

11. LA PELÍCULA FUE MÁS DOMINANTE QUE LA OBRA.

Con la creciente presión de un público preocupado por la influencia que tienen las películas en los niños, Hollywood creó The Motion Picture Production Code, una serie de pautas sobre lo que era aceptable y no en la película. Por lo tanto, Un tranvía llamado deseoLa adaptación cinematográfica se vio obligada a bajar el tono de un lenguaje más vulgar y eliminar algunos de sus elementos más escandalosos, como la promiscuidad de Blanche y el hecho de que su difunto esposo fuera un homosexual en el armario. Por ejemplo, en la obra de teatro Blanche le pide a su hermana: "¿Dónde estabas? ¡En la cama con tu abadejo!". En la película, ella dice: "¡Ahí dentro con tu abadejo!"

12. WILLIAMS LUCHÓ PARA EVITAR QUE LA VIOLACIÓN DE BLANCHE SEA CORTADA.

Tras su enfrentamiento culminante, la obra implica que Stanley viola a Blanche. Pero Warner Bros. sintió que esto era demasiado oscuro para la película. Williams y Kazan discutieron con el estudio sobre esto. El primero argumentó: "[La] violación de Blanche por Stanley es una verdad fundamental e integral en la obra, sin la cual la obra pierde su significado, que es el arrebato de lo tierno, lo sensible, lo delicado por las fuerzas salvajes y brutales de sociedad moderna." Como en la obra, este grave crimen ocurre entre escenas, pero su implicación es clara por los hechos violentos que conducen a un fundido a negro.

13. UNA VEZ MÁS, HOLLYWOOD MARCÓ UN FINAL FELIZ.

El compromiso al incluir la violación fue que Stanley tendría que ser castigado por el acto. Así como lo hicieron con El zoológico de cristal, Warner Bros. suavizó el final de la aclamada tragedia de William con un cambio de guión. En este caso, se incluye una línea, donde Stella declara que no volverá con su marido abusivo. Es un marcado contraste con la obra, que concluye con la dirección del escenario "Se arrodilla a su lado y sus dedos encuentran la abertura de su blusa", mientras Stanley la arrulla. Williams continuaría diciendo que la adaptación fue "sólo ligeramente estropeada por [un] final de Hollywood".

14. LA PELÍCULA REALIZADA UN TRANVÍA LLAMADO DESEO ICÓNICO.

La actuación de Brando en el tour de force puede que no le haya valido el Oscar, pero su brutal actuación, su camiseta blanca ajustada y su firma "¡Stella!" El llanto hizo que la película fuera inolvidable. Hoy en día, la obra se considera un clásico y ha sido revivida en Broadway ocho veces. En 1999, la adaptación cinematográfica se incorporó al Registro Nacional de Cine, cuyo objetivo es preservar las obras cinematográficas "cultural, histórica o estéticamente". Y en 2005, el American Film Institute incluyó el grito agónico de Kowalski de "¡Stella! ¡Oye, Stella!" entre sus 100 mejores citas de películas de los últimos 100 años. Entró en el número 45.

15. CADA PRIMAVERA, NUEVA ORLEANS LANZA UN FESTIVAL EN HONOR DEL JUEGO.

Llamado Tennessee Williams / New Orleans Literary Festival, el evento anual de cinco días celebra el trabajo de fama mundial de Williams, presenta a escritores emergentes y brinda oportunidades educativas para estudiantes literarios. También ofrece recorridos por los lugares del Barrio Francés donde Williams caminó, conversó y trabajó, como el Hotel Maison de Ville, el restaurante Galatoire's, que recibe una mención en Tranvía y el departamento donde vivía con Pancho, que daba a la línea Desire.


& # 8216A Tranvía llamado Deseo & # 8217: Reseña de teatro

LONDRES & ndash Una vez fue un sensacional despliegue de fuegos artificiales de química sexual explosiva, política de clases y de género, Un tranvía llamado deseo está ahora tan firmemente incrustado en el canon literario estadounidense que hace mucho tiempo perdió su poder de conmoción. Pero el director nacido en Australia Benedict Andrews y ex Archivos X estrella Gillian Anderson hacer un esfuerzo encomiable para volver a conectar con las pasiones primordiales en el corazón de esta tan escenificada Tennessee Williams clásico en su atrevido renacimiento londinense. La producción más vendida en la historia de Young Vic & # 8217 también se transmitirá en vivo a más de 500 pantallas de cine en todo el mundo el 16 de septiembre.

Anderson se une a una ilustre lista de estrellas y mdash que incluyen Jessica Tandy, Vivien Leigh, Rachel Weisz y Cate Blanchett & mdash que han interpretado previamente a Blanche DuBois, la decadente Southern Belle cuyo decoro exterior enmascara un pozo sin fondo de trauma emocional y sexual. Al llegar al humeante Barrio Francés de Nueva Orleans, Blanche encuentra refugio temporal con su hermana recién embarazada Stella y su exaltado esposo Stanley Kowalski. Pero sus mentiras, su esnobismo y sus delirios de grandeza finalmente llevan a Blanche a una confrontación explosiva y cargada de erotismo con Stanley.

Llevando al escenario un nuevo y musculoso naturalismo de estilo Método, Un tranvía llamado deseo debutó en Broadway en 1947 con Elia Kazán dirigente Marlon Brando como el Stanley definitivo, ganando múltiples premios, incluido un premio Pulitzer para Williams. Un lanzamiento en Londres siguió dos años más tarde con Laurence Olivier dirigiendo a su esposa Vivien Leigh como Blanche. Brando y Leigh luego compartieron la pantalla en Kazan & # 8217, la exitosa versión cinematográfica de 1951 ganadora del triple Oscar. Desde entonces, este clásico imperecedero ha inspirado decenas de adaptaciones teatrales y televisivas, una ópera, tres ballets, una célebre parodia musical en Los Simpsons, y un cuasi-remake apenas disfrazado en Woody Allen& # 8216s Azul Jazmín.

Andrews es un ex director residente de Sydney Theatre Company que también ha trabajado extensamente en Berlín y su hogar adoptivo de Islandia. Sus créditos pasados ​​con el Young Vic incluyen un remake radical y premiado de Chekhov & # 8217s. Tres hermanas en 2012, que se jactaba de un diseño escénico beckettiano de montículos de tierra y mesas que desaparecían lentamente. Este tipo de tratamiento muy estilizado le ha valido a Andrews una reputación entre algunos críticos por su teatro efectista, autoindulgente y de director. aburguesado en piezas nostálgicas de museo.

El concepto de diseño detrás de esta producción redonda implica un marco de metal gigante que marca las dimensiones claustrofóbicas de un apartamento de dos habitaciones, amueblado en un estilo contemporáneo escaso, que gira lentamente a lo largo de casi toda la actuación. Ocasionalmente se detiene o cambia de dirección, principalmente cuando la frágil salud mental de Blanche comienza a desmoronarse. Un poco desorientador al principio, el efecto acumulativo de este truco del tocadiscos eventualmente se vuelve hipnótico. Andrews ha comparado al diseñador Magda Willi& # 8216s en forma de jaula configurada en un Francis Bacon lienzo, aunque en realidad se siente más como mirar dentro de uno de esos apartamentos compactos de maquetas dentro de una sala de exposición de muebles de IKEA. O posiblemente en las ratas de laboratorio humano de algún experimento de televisión de realidad voyeurista.

Anderson, ahora residente de Londres y rostro habitual en la televisión británica, ha interpretado solo cuatro papeles en el West End en los últimos 12 años, más recientemente su interpretación aclamada por la crítica como Nora en Una muñeca y una casa n. ° 8217 en el Donmar Warehouse en 2009. Pero el ímpetu inicial para esta producción provino de ella, y claramente disfruta cada acento sureño maduro e insinuación lasciva de su blanche rubia blanqueadora, a quien lanza en algún lugar entre Dolly Parton y Samantha de Sexo y la ciudad. Una actuación dentro de una actuación, Blanche es todo fachada y fabricación, una drag queen heterosexual que subvierte y celebra las nociones socialmente aceptables de una elegante feminidad.

Blanche & # 8217s némesis Stanley es interpretado por Ben Foster, quien hizo su debut en Broadway el año pasado frente a Alec Baldwin en Huérfanos. Foster nunca iba a eclipsar a Brando en la inquietante belleza masculina, pero irradia una sexualidad convincentemente animal, con su acecho simiesco y sus brazos de Popeye cubiertos de tatuajes. Teniendo en cuenta que Stanley es un matón de mecha corta, un golpeador de esposas y un violador, Foster hace un trabajo impresionante al convertirlo en un antihéroe vagamente comprensivo y plausiblemente defectuoso.

La tercera esquina de este extraño triángulo amoroso es Stella, una eterna inocente tan adicta sexualmente a Stanley que perdona incluso sus excesos más violentos. El único no estadounidense del trío principal, Vanessa Kirby maneja el acento suavemente y hace lo mejor de un papel de felpudo en gran parte ingrato. Corey Johnson hace algo similar con Mitch, el vecino infantil que se enamora de los encantos calculados de Blanche hasta que Stanley sabotea cruelmente su incipiente romance.

Además del escenario giratorio, Andrews desafía la convención con cambios de escena rápidos que tienen lugar a la vista de la audiencia, generalmente acompañados de números de rock de gente como PJ Harvey y cisnes. Entre estos clips más ruidosos, combina el drama con jazz clásico de Nueva Orleans, además de ominosos drones y retumbos del compositor. Alex Baranowski. Este enfoque musical disperso se siente un poco indeciso y, a veces, corre el riesgo de caer en un cliché. ¿Alguien puede oír ahora? Chris Isaak& # 8216s & # 8220Wicked Game & # 8221 sin pensar en David Lynch& # 8216s Salvaje de corazón?

Pero cualquier defecto en esta producción es menos culpa de Andrews que de la obra de teatro & # 8217s vintage. Las doloridas confesiones de Blanche sobre el trágico destino de su ex amante secretamente gay, o la imprudente promiscuidad que arruinó su carrera docente, ahora suenan más a monólogos cursis de una John Waters película que las bombas para romper tabú que debieron haber sido en 1951, cuando la adaptación cinematográfica de Kazán tuvo que ser censurada. Las impactantes revelaciones de ayer se convierten en las conversaciones habituales de hoy en día, y ninguna cantidad de engaños escénicos de alta tecnología puede rebobinar los valores culturales de una audiencia en seis décadas.

Un tranvía llamado deseo sigue siendo un clásico estadounidense, y Andrews lo aborda con razón con seriedad y determinación. Pero en un mundo donde el feminismo, los derechos de los homosexuales y las parodias posmodernas sobre Los Simpsons Ahora están arraigados en la cultura popular, el infierno febril que Williams describe quizás inevitablemente se siente más como un melodrama estridente que como un drama innovador. Afortunadamente, Blanche es la salvadora aquí, una heroína de accidentes automovilísticos enormemente seductora en cualquier década. Las mejores notas para Anderson, que da una gran diva y parece disfrutar cada minuto.

Lugar: Young Vic, Londres (hasta el 19 de septiembre)
Reparto: Gillian Anderson, Ben Foster, Vanessa Kirby, Corey Johnson
Dramaturgo: Tennessee Williams
Director: Benedict Andrews
Escenografía: Magda Willi
Diseñador de iluminación: Jon Clark
Diseñadora de vestuario: Victoria Behr
Diseñador de sonido: Jon Arditti
Música: Alex Baranowski
Presentado por The Young Vic y Joshua Andrews


En este día: 3 de diciembre de 1947: Un tranvía llamado deseo abrió en Broadway

Blanche Dubois, escena 1, en Tranvía llamado deseo:

& # 8220Me dijeron que tomara un tranvía llamado Desire, y luego me trasladara a uno llamado Cemeteries y montara seis cuadras y me bajara en & # 8211 Elysian Fields! & # 8221

Tennessee Williams vivió en Nueva Orleans mientras terminaba Tranvía, originalmente llamado La noche del póquer. Kenneth Holditch, quien ofrece recorridos literarios en Nueva Orleans, dijo:

[Williams] dijo desde ese apartamento que podía escuchar ese tranvía llamado Desire que corría a lo largo de Royal y otro llamado Cemeteries que corría a lo largo del Canal. Y le pareció la metáfora ideal de la condición humana.

Tennessee Williams sobre Irene Selznick, quien fue elegida para producir Tranvía:

Se supone que tiene 16 millones de dólares y el buen gusto. Tengo mis dudas.


Irene Selznick, Tennessee Williams y Elia Kazan asesorando en el backstage de Streetcar

Uno debe hacer uno & # 8217s mejor y en cierto punto decir, & # 8216 & # 8217 he hecho todo lo que puedo. No voy a mejorar esto. & # 8217

He notado que las mejores obras de escritura para el teatro que he conocido están completas al nacer. El primer borrador lo tenía & # 8212 o no & # 8217t. En ambos Tranvía llamado deseo y Muerte de un vendedor, Le pedí al autor que no lo reescribiera, y los ensayos no revelaron la necesidad de hacerlo. Esas obras nacieron con sonido. El trabajo, la lucha, la autodeclaración & # 8212 habían tenido lugar dentro del autor antes de que tocara la máquina de escribir. Por lo general, cuando hay muchas manipulaciones y problemas con un manuscrito, hay & # 8217 algo básicamente mal para empezar. & # 8221

Tennessee Williams, carta a Jay Laughlin, 9 de abril de 1947, incluida en Las cartas seleccionadas de Tennessee Williams, vol. 2: 1945-1957:

He trabajado mucho, he terminado dos jugadas largas. Uno de ellos, colocado en Nueva Orleans, UN TREN DE CALLE LLAMADO DESEO, resultó bastante bien. Es una obra fuerte, más cercana a & # 8220Battle of Angels & # 8221 que cualquiera de mis otros trabajos, pero no es lo que los críticos llaman & # 8220pleasant & # 8221. De hecho es bonito Naciones Unidasagradable.

En 1947 (cuando Tranvía todavía estaba en las etapas de planificación), Williams vio a Arthur Miller & # 8217s Todos mis hijos en Broadway. Había dirigido Elia Kazan. Williams quedó impresionado e inmediatamente se acercó a Kazán para entablar correspondencia. Se acercó a Kazán sobre la posibilidad de dirigir su nueva obra & # 8220 desagradable & # 8221. Kazán tenía reservas al principio. Kazan respondió a la política zurda teñida de rojo de Miller, y el trabajo de Williams es apolítico (al menos a primera vista). Kazan reconoció el talento de Williams, pero no estaba seguro de si era su taza de té. La agente de Williams & # 8217, Audrey Wood, inició las negociaciones con Kazán e incluyó a Irene Selznick. En algún momento, muy temprano, las negociaciones se rompieron y Kazán retiró su interés. Williams escribió Kazan (o & # 8220Gadg & # 8221 como lo conocían sus amigos, abreviatura de & # 8220Gadget & # 8221), expresando su decepción. Me encantan estas primeras cartas porque su relación aún no se había solidificado. Terminó siendo una colaboración espectacular, una de las más importantes en la historia cultural estadounidense, pero no lo sabían en 1947. Todavía se estaban sintiendo mutuamente.

Tennessee Williams a Elia Kazan, 19 de abril de 1947.

Estoy amargamente decepcionado de que usted y la Sra. Selznick no llegaran a un acuerdo & # 8230 Estoy seguro de que también debe haber tenido reservas sobre el guión.

Intentaré aclarar mis intenciones en esta obra. Creo que su mejor cualidad es su autenticidad o su fidelidad a la vida. No hay personas & # 8220good & # 8221 o & # 8220bad & # 8221. Algunos son un poco mejores o un poco peores, pero todos se activan más por malentendidos que por malicia. Una ceguera a lo que está sucediendo en el corazón del otro. Stanley ve a Blanche no como una criatura desesperada e impulsada agachada en una última esquina para hacer una última parada desesperada & # 8211, sino como una perra calculadora con & # 8220 tacones redondos & # 8221. Mitch acepta primero su propia falsa proyección de sí misma como una joven virgen refinada, reservándose para la única pareja eventual y luego salta a la concepción que Stanley tiene de ella. Nadie ve a nadie verdaderamente, pero todo a través de los defectos de su propio ego. Así es como todos nos vemos en la vida. Vanidad, miedo, deseo, competencia & # 8211 todas esas distorsiones dentro de nuestros propios egos & # 8211 condicionan nuestra visión de aquellos en relación con nosotros. Agregue a esas distorsiones en nuestro propio egos, las correspondientes distorsiones en los egos de la otros & # 8211 y ves lo turbio que debe volverse el vidrio a través del cual nos miramos & # 8230

Recuerdo que me preguntaste qué debería sentir el público por Blanche. Ciertamente lástima. Es una tragedia con el objetivo clásico de producir una katharsis de lástima y terror, y para ello Blanche debe finalmente contar con la comprensión y la compasión del público. Esto sin crear un villano teñido de negro en Stanley. Es una cosa (malentendido), no una persona (Stanley) lo que la destruye al final. Al final deberías sentir & # 8211 & # 8220Si solo todos tuvieran conocido ¡el uno del otro! & # 8221 & # 8211 ¡Pero siempre estaba la linterna de papel o la bombilla desnuda! & # 8230

He escrito todo esto en caso de que le preocupara principalmente mi intención en la obra. Por favor, no considere esto como & # 8220presión & # 8221. Un telegrama de Irene y una carta de Audrey indican que ambos sienten que definitivamente se ha retirado de su asociación con nosotros y que debemos encontrar a otra persona. No quiero aceptar esta necesidad sin explorar la naturaleza y el grado de la diferencia entre nosotros.

Después de que Kazan se retiró, Irene Selznick, Audrey Wood y Williams descartaron nombres de directores diferentes & # 8211 Josh Logan, John Huston, Tyrone Guthrie (Williams descartó la idea de inmediato: & # 8220Es inglés. Esta es una obra de teatro estadounidense. & # 8221 ). Pero luego se reabrieron las negociaciones con Kazán. A Kazán le preocupaba que Selznick fuera demasiado & # 8220 verde & # 8221 para producir. No la conocía, no confiaba en ella. Originalmente, dijo que solo dirigiría Tranvía si Selznick fuera despedido. De ida, de vuelta, de atrás. Kazán negoció el control artístico y la facturación, hasta que finalmente estuvo a bordo. Williams estaba extasiado.

El 1 de mayo de 1947, Tennessee Williams le escribió a Elia Kazan y me encanta su confianza. Es inspirador.

Irene dice que crees que la obra necesita una reescritura considerable. Como nunca dijo esto, ni lo insinuó, en nuestra charla o en su carta, no me tomo esto en serio, pero creo que es justo decirle que no espero hacer nada más. importante trabajar en el guión. Pasé mucho tiempo en él y el guión actual es una destilación de muchos ensayos anteriores. Ciertamente no es tan bueno como podría ser, pero es tan bueno como ahora puedo hacerlo. Nunca he sido para nada difícil con los cortes y los cambios de línea incidentales, pero no voy a hacer nada para alterar la estructura básica, con una excepción. Para la última escena, donde Blanche es sacada a la fuerza del escenario & # 8211, tengo un final alternativo, físicamente más tranquilo, que podría ser sustituido si el final actual resulta demasiado difícil de montar. Eso es todo el cambio importante que podría prometer a cualquier director, y solo eso si el director considera que el otro no funciona.

En mayo de 1947, se estableció el contrato de Kazan & # 8217. Williams fue a Cape Cod para & # 8220tranquility & # 8221.

Carta de Tennessee Williams a Elia Kazan, mayo de 1947, desde Cape Cod:

El tipo de soñador turbio que debo admitir necesita el ojo complementario del trabajador más objetivo y dinámico. Creo que también eres un soñador. Hay toques de ensueño en tu dirección que son enormemente provocativos, pero tienes un dinamismo que mi trabajo necesita traducirse en un teatro apasionante. No & # 8217t creo & # 8220 & # 8220 Tirar de los golpes & # 8221 beneficiará a este espectáculo. Debe ser controlado pero violento & # 8230.Creo que podemos aprender y crecer con él y posiblemente podamos hacer algo hermoso y vivo, ya sea que todos lo entiendan o no. Las personas están dispuestas a vivir y morir sin comprender exactamente de qué se trata la vida, pero a veces deben saber exactamente de qué se trata una obra de teatro. Espero que podamos mostrarles de qué se trata, pero como no puedo decir exactamente de qué se trata, esto es solo una esperanza. Pero tal vez si logramos nuestro primer objetivo de lograrlo viva en el escenario, el significado será evidente.

En la segunda visita a & # 8220All My Sons & # 8221, decidí que [Karl] Malden era adecuado para Mitch. Espero que estés de acuerdo. El rostro es cómico pero el hombre tiene una sencillez digna y es un gran actor. También conocí a Burt Lancaster. Quedó impresionado favorablemente. Tiene más fuerza y ​​rapidez de lo que esperaba del tipo bastante plegmático que retrató en The Killers. También parecía un hombre que trabajaría bien bajo una buena dirección.

Como indica el último párrafo, tanto Williams como Kazan estaban pensando en el casting.

Tennessee Williams a Audrey Wood, mediados de junio de 1947:

[Margaret] Sullavan es & # 8230 el tipo de actriz que recibiría & # 8220 excelentes avisos personales & # 8221, pero la obra no sirve de nada: a menos que tenga más en la bola de lo que deducimos de sus lecturas. En este momento [Jessica] Tandy es la única que se ve bien para mí y estoy esperando a verla y escucharla & # 8230 No hay & # 8217t mucho en el guión que deba modificarse hasta que sepamos las limitaciones exactas de la Blanche seleccionada y escuchar las líneas habladas. Entonces haré muchos cortes. La reescritura en la Escena V no se lee tan bien como la original, pero creo que funcionará mejor y es más comprensiva para Blanche. (Hace que Mitch sea más importante para ella).


Karl Malden y Jessica Tandy

Tennessee Williams le escribió a Margo Jones, a principios de julio de 1947, sobre el diseño de la escenografía inicial de Jo Mielziner:

Los diseños de Jo & # 8217s para Streetcar son casi los mejores que he visto en mi vida. La pared trasera del interior es traslúcida con un panorama estilizado que muestra a través de ella los patios del ferrocarril y la ciudad (cuando está iluminada por detrás). Se sumará inmensamente a la calidad poética.

Tanto Kazan como Williams tenían en mente a John Garfield para el papel de Stanley. Kazan y Garfield volvieron a los años 30, al Group Theatre, y Garfield ahora era una estrella de cine. Garfield se opuso a la idea de regresar para una carrera abierta que lo mantendría fuera de Los Ángeles por tiempo indefinido. Los periódicos comerciales anunciaron a principios de agosto que Garfield se había inscrito para interpretar a Stanley & # 8211, aunque esto no era cierto. Garfield quería hacer una ejecución limitada de cuatro meses, y también quería que se le garantizara el papel en la película, si las cosas se movían en esa dirección. Irene Selznick rechazó a Garfield y, de nuevo, tuvieron que buscar otro Stanley.


Thomas Hart Benton: Noche de póquer (de "Un tranvía llamado deseo") (1948)

Tennessee Williams a Audrey Wood, 25 de agosto de 1947 en medio del alboroto de Garfield:

El actor George Beban voló aquí desde la costa y me leyó esta mañana. Este actor ha tenido experiencia en acciones de verano y ha perseguido a una entrenadora de escenario en un western de grado B. Era la primera vez que montaba a caballo. Él es más aventurero que yo. No quiero poner mi juego debajo de él. Él leyó una escena en sus pies y sus movimientos corporales eran rígidos y tímidos, sin la gracia y la virilidad animales (cuando digo gracia, significa una gracia viril) que la parte pide y me hizo más amargamente consciente que nunca de lo bueno que habría sido Garfield. Creo que fue una experiencia brutal para este actor, y considero a los actores como seres humanos, algunos de ellos tan sensibles y capaces de desilusionarse y sufrir como yo. No entiendo por qué pasó por esta prueba sin más atributos aparentes de los que mostró esta mañana & # 8230

Eso nos deja con Marlon Brando, de los que se han mencionado hasta la fecha. Estoy muy ansioso por verlo y escucharlo tan pronto como pueda. Va a leer para Gadge y si le gusta a Gadge, me gustaría echarle un vistazo.

Un par de días después de esta carta, Elia Kazan llevó a Marlon Brando a Provincetown para conocer a Williams. Brando tenía 23 años. Williams había rechazado originalmente incluso la idea de ver a Brando para el papel, ya que en su mente Stanley tenía alrededor de 30 años. Brando era un & # 8220auditioner & # 8221 terrible, como lo son muchos grandes actores. Las personas que estaban presionando a Brando para el papel estaban preocupadas de que si leía el guión, no se mostraría bien en absoluto. Kazan entendió la diferencia entre audición y actuación y # 8211 que alguien puede ser increíble en el escenario y horrible en las audiciones. Había visto a Brando en el escenario y sabía que tenía el & # 8220magnetismo & # 8221 que podría funcionar muy bien para Stanley. Brando leyó el guión y quedó impresionado pero también asustado.

Brando al reportero Bob Thomas:

Finalmente decidí que era demasiado grande para mí y llamé a Gadg para decírselo. La línea estaba ocupada. Si hubiera hablado con él en ese momento, estoy seguro de que no habría interpretado el papel. Decidí dejarlo descansar un rato, y al día siguiente Gadg me llamó y me dijo: & # 8216Bueno, ¿qué es & # 8211 sí o no? & # 8217. Tragué saliva y dije, & # 8216Sí. & # 8217.

La reunión de Provincetown entre Brando y Williams es bastante notoria, contada por todas las partes que estuvieron allí. Williams estaba sentado en su casa de la playa en Provincetown, con Pancho, su amante temperamental y un par de amigos de Texas. Todos estaban borrachos. La electricidad y la plomería no funcionaban, así que estaban sentados en la oscuridad cuando llegó Brando. Brando entró, evaluó la situación, entró al baño, metió la mano por el inodoro para desatascarlo y luego jugueteó con los fusibles quemados para volver a encender la electricidad.

Imagínese a un joven Brando haciendo esto. Brando no era un idiota. Estoy seguro de que era consciente de que la lectura del guión no era su punto más fuerte, y tal vez hacer un poco de trabajo de plomería y electricidad mientras el dramaturgo lo observaba ayudaría en su caso. O quién sabe, tal vez estaba completamente inconsciente y pensó, & # 8220 ¿Qué demonios? ¿Sin luces? ¿Sin baño? ¿Qué está mal con ustedes? & # 8221 Cualesquiera que sean sus motivaciones, cuando terminó con los fusibles quemados, se paró en medio de la sala de estar y comenzó su audición. Llegó 30 segundos cuando Williams lo detuvo y le dijo que tenía el papel. Williams le dio un pasaje de autobús para que regresara a Nueva York a firmar el contrato.

Irene Selznick recuerda su primer encuentro con Brando, cuando firmó un contrato de dos años en su oficina:

No se comportó como alguien a quien acababa de suceder algo maravilloso, ni trató de dar la impresión de que estaba demasiado ocupado evaluándome. Independientemente de lo que esperaba, yo no lo estaba. Parecía cauteloso y sin saber cómo clasificarme. Se mostró rebelde en un momento, juguetón al siguiente, se ofreció como voluntario de haber sido expulsado de la escuela y luego me sonrió provocativamente. No mordí el anzuelo. Después de eso, fue fácil. Se sentó en su silla y se volvió franco, serio, incluso cortés.

Tennessee Williams a Audrey Wood, 29 de agosto de 1947:

No puedo decirles qué alivio es que hayamos encontrado a un Stanley enviado por Dios en la persona de Brando. No se me había ocurrido antes el excelente valor que obtendría elegir a un actor muy joven para este papel. Humaniza el carácter de Stanley en el sentido de que se convierte en la brutalidad o la insensibilidad de la juventud en lugar de un anciano vicioso. No quiero centrar la culpa o la culpa en particular en ningún personaje, sino que sea una tragedia de malentendidos e insensibilidad hacia los demás. Un nuevo valor salió de la lectura de Brando & # 8217, que fue, con mucho, la mejor lectura que he escuchado. Parecía haber creado ya un personaje dimensional, del tipo que la guerra ha producido entre los jóvenes veteranos.Este es un valor más allá de cualquiera que Garfield pudiera haber contribuido, y además de sus dotes como actor, tiene un gran atractivo físico y sensualidad, al menos tanto como Burt Lancaster. Cuando se firme Brando, creo que tendremos un elenco de 4 estrellas realmente notable, tan emocionante como cualquiera que pueda reunirse y que valga la pena por todos los problemas por los que hemos pasado. Tenerlo a él en lugar de una estrella de Hollywood creará una impresión muy favorable, ya que eliminará el estigma de Hollywood que parecía estar asociado a la producción. Utilice toda su influencia para oponerse a cualquier movimiento por parte de la oficina de Irene para reconsiderar o retrasar la firma del chico, en caso de que ella no lo acepte.

El resto del reparto estaba finalizado. Ensayos para Tranvía comenzó en octubre.

Aquí está Elia Kazan sobre cómo trabajó con Brando. Kazán era astuto, manipulador, reservado: trabajaba con cada actor de manera diferente, apartando a cada uno de ellos, susurrando, engatusando, plantando semillas. Sin embargo, Brando era diferente.

Con otros actores, yo siempre digo lo que quiero: Tú haces esto. No, no me gusta eso, quiero que lo hagas así. Con Marlon, era más como, & # 8216Escucha esto y deja que & # 8217s vea qué haces con él. & # 8217 & # 8230 & # 8217 había oído hablar de sus padres, pero no de él, y nunca pregunté. Lo traté con gran delicadeza. Una de las razones por las que llegó a confiar en mí & # 8211 como director & # 8211 fue que yo respetaba su privacidad & # 8230. Siempre estaba esperando un milagro con él, y a menudo lo conseguía.

Kazan describe apartar a Brando y comenzar a decirle algo, y Brando escuchaba las primeras dos o tres palabras, luego asentía, se volvía y se alejaba. Porque lo consiguió. Él entendió. Absorbió todo & # 8211 rápidamente, de inmediato. Muy pocas personas son tan absorbentes.

Mire, Marlon siempre estaba al alcance de la mano y se sentía seguro allí, sin que lo inspeccionaran ni lo probaran. Sin embargo, cuánto de la penetración potencial se basó en mi conocimiento, a diferencia de las cosas que recogí aquí y allá, no sé & # 8230 & # 8217 es mi oficio. Sé dónde buscar, dónde meter la mano, qué intentar sacar, qué conseguir.

La sensación de Brando de que la jugada era demasiado grande para él se intensificó al saber que John Garfield había sido la primera opción. No podía sacárselo de la cabeza. En medio de un ensayo, cuando estaba luchando, murmuraba: "Deberían haber atrapado a John Garfield". Sin embargo, sus conocimientos sobre el personaje de Stanley fueron (y son) invaluables. En mi opinión, él muestra la mentira detrás de todo & # 8220 tienes que gustar el personaje que estás interpretando & # 8221 malarkey al que se suscriben tantos actores. (Sin embargo, Brando era un genio. Así que tenemos que tener en cuenta eso. Fue un caso inusual). Brando describió a Stanley:

Un hombre sin sensibilidad, sin ningún tipo de moral excepto sus propios maullidos, gimiendo insistencia en su propio camino & # 8230 uno de esos tipos que trabajan duro y tienen mucha carne sin nada flexible en ellos. En realidad, nunca abren los puños. Agarran una taza como si un animal la envolviera con una pata. Son tan musculosos que apenas pueden hablar.

Ese es un análisis increíblemente perspicaz.

En lo que es un hecho bien conocido ahora, después de una semana de ensayo, Brando se mudó al teatro, durmiendo en un catre entre bastidores. Se sintió inseguro. Dejó de comer, de dormir. Llegó tarde a los ensayos. Kazán, en lugar de impacientarse, se mostró tierno. Comprendió el tramo que estaba experimentando Brando y el miedo que lo acompañaba. Los otros actores estaban casi al nivel de la actuación en sus ensayos, y Marlon todavía estaba murmurando y deambulando. Esta fue una verdadera lucha. Marlon Brando está tan imitado ahora que es difícil recordar cuán revolucionaria fue la actuación. No salió de la nada. Brando tenía un gran talento, sí, e instintos perfectos & # 8211 pero parte de ese talento era saber cómo operaba su propio talento, y eso significaba dejar de comprometerse con una elección específica, resistir & # 8220 clavarla & # 8221, tener la paciencia para tratar de encontrar su camino. Fue muy frustrante para los otros actores.

Karl Malden describe un momento en el ensayo:

Estábamos ensayando la escena del baño, en la que salgo y me encuentro con Blanche por primera vez y Stanley dice: & # 8216 ¡Oye, Mitch, vamos! & # 8217 Ahora, mientras estábamos trabajando en ello, cada día sería diferente. . Marlon entraba antes de que dijeras tu línea, o mucho después de que dijeras tu línea, o incluso antes de que tuvieras algo que decir. Lo mejor estaba todo mal.

De todos modos, estaba empezando a ir bien para mí por primera vez & # 8211 cuando piensas, Oh, Dios mío, esto es todo & # 8211 y auge, me golpeó con uno que lo trastornó todo. Dije, & # 8216 ¡Oh, mierda! & # 8217, tiré algo y salí del escenario, subí al ático. Kazán dijo: & # 8216¿Qué diablos pasó? & # 8217

& # 8216 No puedo & # 8217t concentrarme, & # 8217 le dije. & # 8216 Iba muy bien y, de repente, entra esta cosa discordante. Me arroja. Es & # 8217s imposible & # 8217. Estaba furioso y le expliqué que había estado sucediendo con regularidad. Dijo: & # 8216 Espera & # 8217.

Kazán pronunció un pequeño discurso al día siguiente para el elenco, diciendo:

Vamos a hablar de esto ahora mismo. Karl, tienes que acostumbrarte a la forma en que trabaja Marlon. Pero Marlon, debes recordar que también hay otras personas en el elenco.

A mediados de octubre, el elenco estaba listo para una revisión. Stella Adler estuvo presente, así como Hume Cronyn, Jessica Tandy y su esposo. Después de un par de semanas de tratar de & # 8220 encontrar & # 8221 el papel, Marlon de repente dio una actuación en toda regla al rojo vivo en la noche de apertura, electrizando a todos los presentes. Nadie olvidó el día en que se dieron cuenta de que estaban en presencia de alguien que obviamente iba a ser una estrella gigante. Hume Cronyn se puso nervioso. Tranvía se trataba de Blanche, no de Stanley. Si Blanche parece incidental a Stanley y # 8217s viaje, entonces, ¿no era eso contrario a lo que realmente trataba la obra? Cronyn habló con Kazán al respecto. (Si lees el guión, Stanley es un papel pequeño. Stella es un papel mucho más importante. Si te olvidas de Brando y solo lees el guión, la historia es sobre dos hermanas).

Quizás Hume quiso decir que, en contraste con Marlon, cuyas palabras no parecían algo memorizado, sino la expresión espontánea de una intensa experiencia interior & # 8211, ¿cuál es el nivel de trabajo que todos los actores intentan alcanzar? & # 8211 ¿Jessie era qué? ¿Experto? ¿Profesional? ¿Fue suficiente para esta obra? No para Hume. La suya parecía ser una actuación que Marlon estaba viviendo en el escenario. Jessie había trabajado cada momento con cuidado, con sensibilidad e inteligencia, y todo iba encajando, tal como Williams y yo esperábamos y queríamos. Marlon, trabajando & # 8216desde el interior & # 8217, manejó su emoción dondequiera que lo llevara, su actuación estuvo llena de sorpresas y superó lo que Williams y yo esperábamos. Se estaba gestando un milagro de rendimiento.

Tranvía abrió en Boston para una prueba y jugó desde el 3 de noviembre hasta el 15 de noviembre de 1947. Hubo problemas de censura burbujeantes, especialmente en lo que respecta a la escena de la violación. Se volvería aún más controvertido, preocupando a Kazán. Más sobre esto más adelante. Las críticas que recibieron en Boston fueron justas. Tandy obtuvo la mayor parte de la prensa. El terremoto de Marlon Brando no se estaba haciendo sentir todavía.

Tranvía se mudó a Filadelfia para otra prueba (del 17 al 29 de noviembre) y finalmente, a Nueva York. El zumbido había comenzado.

Tranvía llamado deseo abrió en este día en 1947.

En la noche del estreno, Tennessee Williams le envió un telegrama a Marlon Brando, que decía:

SALGA AL NIÑO Y ENVÍELO SÓLIDO. DE GREASY POLACK LLEGARÁS ALGÚN DÍA AL GLOOMY DANE PORQUE TIENES ALGO QUE HACE DEL TEATRO UN MUNDO DE GRANDES POSIBILIDADES.

Tennessee Williams le escribió a Jay Laughlin al día siguiente, 4 de diciembre de 1947:

El tranvía se abrió anoche con una aprobación tumultuosa. Nunca había sido testigo de una velada tan emocionante. Mucho mejor que New Haven, no creerá que N.H. fue solo una lectura de la obra. Mucha más calidez, alcance, inteligencia, interpretación, etc. & # 8211 mucho debido a mejores detalles en la dirección, el tiempo. Casa llena, de las decoraciones habituales de la primera noche, & # 8211 Cecil B & # 8217ton, Valentina, D. Parker, los Selznick, los demás y así sucesivamente, & # 8211 y con un calentamiento lento para el primer acto y comentarios. como & # 8220 Bueno, por supuesto, no es & # 8217t un juego, & # 8221 el segundo acto (ahora & # 8217s en 3) envió a la audiencia zumbando a alturas locas, y el último los dejó & # 8211 y a mí & # 8211 marchitos, jadeando, débiles, confundidos, drenados (ver reseñas de más palabras) y luego un alboroto de aplausos que siguió y siguió. Casi nadie se levantó de un asiento hasta que se subieron muchas cortinas en todo el elenco, los 4 principios, luego Tandy, quien fue recibido por un gran aullido de & # 8220BRavo! & # 8221 desde toda la casa. A continuación, repita todo el programa de cortinas para Tandy de nuevo y finalmente & # 8230 & # 8230 & # 8230 .. ¡10 Wms subieron al escenario, después de las llamadas del Autor! e hizo una reverencia a Tandy. Todo estuvo genial estupendo, ¡ESTUPENDO!

Irene Selznick describe la noche de apertura:

En aquellos días, la gente solo se paraba por el himno nacional. Esa noche fue la primera vez que vi a un público ponerse de pie, y la primera vez que vi a los Shubert quedarse para un telón final & # 8230 ronda tras ronda, cortina tras cortina, hasta que Tennessee hizo una reverencia en el escenario a los bravos. .

Ahora, sobre la escena de la violación, que se enlaza con la preocupación de Hume Cronyn sobre el poder de Brando que cambia la estructura de la obra. Kazan vino a compartir las preocupaciones de Cronyn & # 8217, lo que lleva a un comentario extremadamente revelador de Williams. Quizás el ÚNICO comentario que necesita saber. Es lo que hace a Williams Williams.

Kazan escribió en sus memorias sobre cómo Brando inclinó la balanza de la obra a favor de Stanley & # 8217:

Pero estaba sucediendo lo que se había insinuado en nuestros ensayos finales en Nueva York. El público adoraba a Brando. Cuando se burló de Blanche, respondieron con una risa de aprobación. ¿Se estaba convirtiendo la obra en el Show de Marlon Brando? No mencioné el problema porque no conocía la solución. En especial, no quería que los actores supieran que estaba preocupado. ¿Qué podría decirle a Brando? ¿Ser menos bueno? ¿O a Jessie? ¿Mejorar? & # 8230

Louis B. Mayer me buscó para felicitarme y asegurarme que & # 8217 todos haríamos una fortuna & # 8230.Me instó a hacer que el autor hiciera una reescritura de suma importancia para asegurarme de que una vez esa & # 8220 mujer horrible & # 8221 quien & # 8217d vino a romper esa & # 8220fina pareja joven & # 8217s feliz hogar & # 8221 fue enviado a una institución, la audiencia creería que la joven pareja viviría feliz para siempre. Nunca se le ocurrió que la principal simpatía de Tennessee estaba con Blanche, ni yo lo iluminé. Su reacción equivocada se sumó a mi preocupación. Tuve que preguntarme: ¿Estaba satisfecho de que la actuación perteneciera a Marlon Brando? ¿Era eso lo que pretendía? ¿Qué pretendía? Miré al autor. Parecía satisfecho. Solo yo & # 8212 y quizás Hume [Cronyn, Tandy & # 8217s marido] & # 8212 sabía que algo iba mal & # 8230

Lo que me asombró fue que el autor no estaba & # 8217t preocupado por que la audiencia & # 8217 favoreciera a Marlon. Eso me desconcertó porque Tennessee era mi autoridad final, la persona a la que tenía que complacer. Todavía no había planteado el problema, estaba esperando a que lo hiciera. Recibí mi respuesta & # 8230 por algo que sucedió en el Hotel Ritz-Carlton, al otro lado del pasillo de mi suite, donde se alojaban Tennessee y Pancho [el compañero de Tennessee & # 8217 en ese momento]. Una noche escuché una conmoción terrible desde el otro lado del pasillo, maldiciones en español, amenazas de muerte, el sonido de porcelana rota & # 8230 y un estrépito & # 8230 Cuando salí corriendo al pasillo, Tennessee irrumpió por su puerta, luciendo aterrorizado. , y corrió a mi habitación. Pancho me siguió, pero cuando bloqueé mi puerta, se volvió hacia el ascensor todavía maldiciendo y se fue. Tennessee durmió en la cama individual de mi habitación esa noche. A la mañana siguiente, Pancho no había regresado.

Noté que Wiilliams no estaba & # 8217t enojado con Pancho, ni siquiera desaprobando & # 8212, de hecho, cuando habló sobre el incidente, admiró a Pancho por su arrebato. En el desayuno, mencioné mi preocupación por Jessie y Marlon. & # 8220Ella & # 8217 mejorará & # 8221 Tennessee, y luego tuvimos nuestra única discusión sobre la dirección de su juego. & # 8220Blanche no es un ángel sin defectos, & # 8221 dijo, & # 8220 y Stanley & # 8217s no es malvado. Sé que estás acostumbrado a temas claramente establecidos, pero esta obra no debe cargarse de una forma u otra. No trates de simplificar las cosas. Luego agregó: "Me estaba burlando de Pancho y él explotó". Se rió. Recordé la carta que me había escrito antes de comenzar los ensayos, recordé cómo, en esa carta, me advirtió que no inclinara la balanza moral contra Stanley, que en aras de la fidelidad no debía presentar a Stanley como un negro. -Villano teñido & # 8221. & # 8220¿Qué debo hacer? & # 8221, le pregunté. & # 8220 Nada, & # 8221 dijo. & # 8220Don & # 8217t tomar partido o tratar de presentar una moraleja. Cuando empieces a organizar la acción para hacer un punto temático, la fidelidad a la vida se resentirá. Sigue trabajando como estás. Marlon es un genio, pero es trabajadora y mejorará. Y mejor. & # 8221

Marlon Brando, años después, habló con Truman Capote en un momento de descuido y le describió lo que se sintió al darse cuenta de que era famoso. Es una de las mejores e infiernos, una de las ÚNICAS descripciones que he escuchado.

Puede & # 8217t siempre ser un fracaso. No y sobrevivir. ¡Van Gogh! Hay un ejemplo de lo que puede suceder cuando una persona nunca recibe ningún reconocimiento. Dejas de relacionarte: te pone fuera. Pero supongo que el éxito también lo hace. Sabes, me tomó mucho tiempo antes de darme cuenta de que eso & # 8217 era lo que era & # 8211 un gran éxito. Estaba tan absorto en mí mismo, en mis propios problemas, que nunca miré a mi alrededor, tomé en cuenta. Solía ​​caminar en Nueva York, millas y millas, caminar por las calles a altas horas de la noche y nunca ver cualquier cosa. Nunca estuve seguro de actuar, si eso era lo que realmente quería hacer, todavía no lo estoy. Luego, cuando estaba en & # 8220Streetcar & # 8221, y había estado funcionando un par de meses, una noche & # 8212 tenuemente, tenuemente & # 8212 comencé a escuchar este rugido.

Brooks Atkinson observó en su revisión de la obra de Los New York Times:

Tennessee Williams nos ha traído un drama magnífico, & # 8220A Streetcar Named Desire, & # 8221, que se actuó en el Ethel Barrymore anoche. Y Jessica Tandy ofrece una magnífica actuación como una heroína arrepentida cuya miseria el Sr. Williams está registrando tiernamente. Este debe ser uno de los matrimonios más perfectos de actuación y dramaturgia. Porque la actuación y la dramaturgia se mezclan perfectamente en una interpretación límpida, y es imposible decir dónde la señorita Tandy comienza a dar forma y calidez al estado de ánimo que el señor Williams ha creado.

Como & # 8220The Glass Menagerie & # 8221, la nueva obra es un estudio entretejido silenciosamente de intangibles. Pero para este observador muestra una percepción más profunda y representa un gran paso hacia la claridad. Y revela al Sr. Williams como un dramaturgo genuinamente poético cuyo conocimiento de la gente es honesto y completo y cuya simpatía es profundamente humana & # 8230De acuerdo con los estándares habituales de Broadway, & # 8220Streetcar Named Desire & # 8221 es demasiado largo, no todas esas palabras son esenciales. Pero el Sr. Williams tiene derecho a su propia independencia. Porque no ha olvidado que el ser humano es el sujeto básico del arte. A partir de la imaginación poética y la compasión ordinaria, ha tejido una historia conmovedora y luminosa.

Brooks Atkinson fue un & # 8220watcher & # 8221 de Tennessee Williams desde hace mucho tiempo, y sus críticas mostraron una consideración cuidadosa de lo que Williams estaba intentando. Él y Williams disfrutaron de una larga correspondencia privada. El 14 de diciembre de 1947, como Tranvía El alboroto estaba en crescendo, Atkinson escribió otro artículo en el Veces, expresando algunas reservas sobre la obra.

Ahora bien, esto es interesante: Atkinson, un hombre perspicaz y perspicaz, sintió que la obra se debilitó porque no llegó a ninguna conclusión moral. El dramaturgo no toma & # 8220 ningún bando en el conflicto & # 8221. Sintió que Williams se limitó al negarse a descender por uno u otro lado.

Williams le escribió una nota a Atkinson en respuesta:

¡Por fin una crítica que conecta directamente con la esencia de lo que pensé que era la obra! Me refiero a su artículo dominical que acabo de leer con la más profunda satisfacción de todos los que me ha dado el éxito de la obra. Muchos de los otros, diciendo & # 8216alcoholic & # 8217, & # 8216nymphomaniac & # 8217, & # 8216prostitute & # 8217, & # 8216boozy & # 8217 y así sucesivamente parecían & # 8211 aunque conmovidos por la obra & # 8211 estar completamente fuera de lugar. pista, o casi. Quería mostrar que la gente es no definibles en tales términos, pero son cosas de múltiples facetas y casi infinita complejidad que no se ajustan a & # 8220 ninguna etiqueta conveniente & # 8221 y rara vez son más que parcialmente visibles incluso para aquellos que viven justo al otro lado de & # 8220los portieres & # 8221. También ha tocado mi principal problema: expandir mi material y mis intereses. No puedo responder a esa pregunta. Lo sé y lo temo y solo puedo hacer más esfuerzo para extender mis & # 8220feelers & # 8221 más allá de lo que & # 8217 he sentido hasta ahora. Gracias, Brooks.

El productor David O.Selznick estaba en proceso de divorciarse de Irene Selznick en este momento, pero le envió una carta el 17 de diciembre de 1947 después de leer la primera reseña de Atkinson & # 8217:

Querida Irene: Acabo de leer el aviso entusiasta de Brooks Atkinson & # 8217 en Sunday & # 8217s New York Times & # 8230 Además, recibo el telegrama más entusiasta de Bob Ross, quien dice, entre otras cosas, que tienes & # 8220 jugadas más gratificantes, estimulantes y emocionantes en muchas temporadas, & # 8221 y & # 8220 un éxito real y distinguido & # 8221 & # 8230 Por consiguiente, me siento justificado en enviarles las más emocionadas y felices felicitaciones.Es un placer saber que todas mis predicciones de su éxito están comenzando a hacerse realidad, y a lo grande. Estoy seguro de que está bien encaminado hacia el reconocimiento como el mejor y más distinguido productor de teatro. Amor david

Curiosamente, Brando no fue destacado en las reseñas. Tandy consiguió los verdaderos elogios. Solo con retrospectiva, la gente pareció comprender lo que había sucedido. Pero los actores seguro que lo sabían. Y los directores seguro que lo sabían.

Aquí está el director Robert Whitehead sobre Brando en Tranvía:

No hubo modelos para Brando. Su relación con los sonidos y la realidad poética de Williams fue particularmente abrazando lo que Tennessee escribió, tanto en relación con la edad como con la sensibilidad de Marlon, todo funcionó. Ese tipo particular de realidad existía de una manera que nunca había existido. antes de.

Aquí está Maureen Stapleton en Brando:

& # 8220 Va mucho más allá del talento. Es & # 8217s MASCULINO. Es talento MÁS.”

Joan Copeland, actriz, hermana menor de Arthur Miller, dijo:

Ver a [Brando en tranvía] fue como estar en el ojo del huracán.

Dakin Williams (Tennessee Williams y hermano # 8217):

Blanche es Tennessee. Si le dijera algo, no sería necesariamente cierto. Y Blanche dice en Tranvía: "No digo lo que es verdad, digo lo que debería ser verdad". Y así, todo en Blanche era realmente como Tennessee.


Tennessee Williams, frente al plató que se está construyendo para la producción de Broadway de Streetcar Named Desire


& # 8216Un tranvía llamado Deseo & # 8217 fue la primera parada para muchas estrellas importantes

Variedad declaró & ldquoA Streetcar Named Desire, & rdquo, que abrió el 3 de diciembre de 1947, & ldquoa, un éxito rotundo & rdquo. Eso fue un eufemismo. La obra de Tennessee Williams se convirtió en un éxito en Broadway, en la carretera, y en su adaptación cinematográfica de 1951 ganó el Pulitzer y se convirtió en un elemento básico del teatro estadounidense, haciendo de los personajes Stanley Kowalski y Blanche DuBois sinónimo de brutos sexys y nerviosos, frágiles. mujeres, respectivamente. La entonces impactante producción confirmó el talento de Williams, después de su película de 1944 "The Glass Menagerie", y del director Elia Kazan, cuya película "Gentleman & rsquos Agreement" ganó el premio a mejor película y director. & ldquoStreetcar & rdquo hizo una estrella de Marlon Brando, elegido después de que John Garfield rechazara el papel. Jessica Tandy ganó un Tony como Blanche, y hubo grandes elogios para Karl Malden y Kim Hunter. Unas semanas después de la inauguración, Variedad La columnista Radie Harris dijo que Irene Selznick se había convertido en el productor más comentado en Broadway, hombre o mujer.

El director Kazan recibió un récord del 20% de las ganancias, además de su participación semanal del 3% en el bruto. El máximo anterior del 15% se había reservado solo para los mejores escritores y directores como George S. Kaufman y Moss Hart.

Popular en variedad

El lenguaje poético de Williams y el tema de la soledad demostraron ser una potente mezcla con temas tabú como los impulsos sexuales de una mujer, que era increíblemente atrevida en una temporada de teatro que generalmente presentaba platos saludables como & ldquoMister Roberts & rdquo y & ldquoHigh Button Shoes & rdquo.

La adaptación cinematográfica de 1951 retuvo gran parte del material para adultos, en un momento en que Hollywood generalmente saneaba las obras de teatro, como las adaptaciones de & ldquoGlass Menagerie & rdquo y, unos años más tarde, Williams & rsquo & ldquoCat on a Hot Tin Roof & rdquo.

Recreando su trabajo escénico en la película & ldquoStreetcar & rdquo fueron Kazan, Brando, Hunter y Malden. La única que se pasó por alto fue Tandy, con Vivien Leigh interpretando a Blanche, un papel que había creado en Londres.

VariedadEl crítico de & rsquos sintió que la obra & rsquos & ldquobrutal realism y la prosa mordaz & rdquo funcionó aún mejor en pantalla, gracias a la intimidad de la cámara & rsquos con los personajes. Dijo que la franca sensualidad de la trama y el diálogo eran "narraciones peligrosas para las películas", ya que el código de Hollywood para los estándares se aplicaba estrictamente. Pero tuvo grandes elogios por la película & rsquos & ldquosensitivity, shading y conmovedor. & Rdquo

También saludó la "partitura musical única y conmovedora de Alex North", que ayudó a introducir elementos de jazz en la composición cinematográfica.

Y en un artículo que menciona las grandes multitudes en 1951, Variedad Dijo que la publicidad de & ldquosexed-up & rdquo de la película ayudó a que fuera un éxito.

La película fue nominada a 12 premios Oscar. & ldquoStreetcar & rdquo y & ldquoA Place in the Sun & rdquo fueron considerados los dos favoritos en la categoría de mejor película, aunque ambos perdieron ante & ldquoAn American in Paris. & rdquo Leigh, Malden y Hunter ganaron todos los Oscar, al igual que la dirección de arte de Richard Day, con decoración de escenario por George James Hopkins.


Hombre de método

En medio de la "temporada de la victoria" de Broadway, en marzo de 1946, apareció un anuncio indignado en el que se denunciaba a los críticos. Veces. Firmado por el equipo de producción de Elia Kazan y Harold Clurman, el anuncio no pudo evitar que su drama sobre los veteranos que regresaban, "Truckline Café", cerrara después de apenas trece funciones. Pero la obra ha pasado a la historia, gracias a un discurso de cinco minutos que pronunció un actor poco conocido en un papel secundario: Marlon Brando, a los veintiún años, interpretó a un ex-G.I. quien llega a casa y descubre que su esposa le ha sido infiel en su escena final, entró exhausto y escurriendo y mojado, y confesó que la había matado y llevado su cuerpo al mar. Karl Malden, quien interpretó otro papel menor, informó que el resto del elenco a veces tuvo que esperar casi dos minutos después de la salida de Brando mientras la audiencia gritaba y pateaba. La actuación fue tan notable por lo que Brando no hizo como por lo que hizo. Pauline Kael, muy joven y a años de una carrera crítica, llegó tarde a la obra una noche y recordó que desvió la mirada, avergonzada, de lo que parecía ser un hombre que tenía un ataque en el escenario: no era hasta que su compañero "me agarró del brazo y dijo '¡Mira a este tipo!', que me di cuenta de que estaba interino.”

El triste destino de "Truckline Café" inspiró a Kazán a formar el Actors Studio. De todo el elenco, solo Brando y Malden habían ofrecido el tipo de interpretación que él y Clurman querían: natural y psicológicamente aguda, como lo requerían las obras de teatro estadounidenses contemporáneas. Su ideal de actuación se derivaba de sus días en el Group Theatre, que había florecido en los años treinta con obras teatrales descaradamente vernáculas y políticamente conscientes ("Waiting for Lefty" de Clifford Odets fue su primer gran éxito) en la que se retrataba a la gente común de una manera sorprendentemente realista. estilo. (Los actores de grupo eran tan auténticos que a veces era difícil entender lo que decían). Esta revolución en la actuación surgió de los relatos de Stanislavsky de sus actuaciones con el Teatro de Arte de Moscú, un enfoque que finalmente se conoció simplemente como el Método, y, en su búsqueda para la honestidad en el escenario, reemplazó el entrenamiento teatral tradicional con ejercicios diseñados para despertar recuerdos personales, refinar los poderes de observación y liberar la imaginación a través de la improvisación. El objetivo más amplio del Grupo era un teatro de poder y relevancia anti-Broadway y anti-comercial. Para los actores, el objetivo era una paradoja: emoción real, producida en el momento justo.

Aunque el grupo se había disuelto cuando Brando llegó a Nueva York, en 1943, pronto comenzó a tomar clases con un miembro fundador, Stella Adler, quien había estudiado con Stanislavsky, y a quien reconoció como su maestro hasta el final de su vida. . ("Ella me enseñó a ser real", escribió, "y a no tratar de representar una emoción que no experimenté personalmente durante una actuación"). Parece que Adler tardó menos de una semana en decidir que los inquietantes diecinueve -añero con los jeans rotos y la camiseta sucia iba a convertirse en "el mejor actor de Estados Unidos", pero ella siempre negó haberle enseñado algo. Como comentó más tarde su compañera de estudios Elaine Stritch, "Marlon ir a clase para aprender el Método era como enviar un tigre a la escuela de la jungla".

Sin embargo, los primeros ensayos de Brando para "Truckline Café" habían sido desastrosos. Murmuró sus líneas y no pudo ser escuchado más allá de la quinta fila. Kazán, quien estaba produciendo, preocupado de que Adler, quien no era casualidad, estaba casado con Clurman, había hecho afirmaciones que su protegido no podía cumplir. Pero Clurman, que estaba dirigiendo, sintió que el actor novato estaba casi ahogado por los sentimientos y lo empujó hasta que hizo estallar. Al final resultó que, esa temporada de Broadway fue el primer signo de una transición trascendental en el arte, si no en el negocio, de la actuación: Variedads La encuesta anual nombró a Laurence Olivier como Mejor Actor por interpretar a Shakespeare y Sófocles en una gira con Old Vic Brando de Inglaterra, en una obra olvidable, ganó el premio al Actor Joven Más Prometedor y se quedó sin trabajo tan pronto como cerró. Pero había aprendido de todos sus primeros mentores que incluso en Estados Unidos, privado de Shakespeare y Sófocles, el teatro era una empresa moralmente seria que trataba los temas importantes de la vida. Y así, después de una temporada incómoda en "Candida" de Shaw, el actor joven más prometedor rechazó "Present Laughter" de Noël Coward, exigiendo imperiosamente: "¿No sabes que hay gente muriendo de hambre en Europa?" Rechazó un contrato de siete años a tres mil dólares a la semana con M-G-M. En cambio, en el otoño de 1946, eligió hacer una obra de teatro que Ben Hecht había ideado para recaudar fondos para el transporte de refugiados judíos de Europa a Palestina, durante la cual gritó a la audiencia acobardada: "¿Dónde estabas cuando seis millones de judíos estaban siendo quemado hasta morir en los hornos de Auschwitz? Puede que no haya sido arte, pero mucha gente llenó los formularios de donación insertados en sus programas.

Brando no fue la primera opción de nadie cuando, el verano siguiente, finalmente apareció una gran obra estadounidense. `` A Streetcar Named Desire '' de Tennessee Williams fue la historia de un hombre polaco-estadounidense de mediana edad muy sexuado y mal hablado llamado Stanley Kowalski, otro veterinario con una vena violenta, que viola a una mujer aristocrática y emocionalmente frágil, Blanche DuBois. El tema de advertencia de la obra fue descrito por Williams, quien se identificó fuertemente con Blanche, como "los simios heredarán la tierra". Kazan estaba programado para dirigir, Irene Mayer Selznick para producir, y todos estuvieron de acuerdo en que John Garfield, no solo una estrella de cine, sino también un graduado del Group Theatre que hablaba en la calle, era la elección correcta para su antihéroe. Fue solo cuando Garfield hizo demandas imposibles que Kazán, escaneando su clase de "principiantes" en el Actors Studio, decidió arriesgarse con Brando, a pesar de que era demasiado joven para el papel. Al audicionar para Williams, Brando fue como un rayo: eléctrico e iluminador. No solo tenía el poder sexual que requería la obra, sino que también proporcionaba la clave para corregir lo que a Williams le había preocupado era el desequilibrio moral demasiado fácil de su trabajo. Precisamente porque apenas tenía veintitrés años, Brando humanizó al vengativo Stanley, reduciendo su intencionalidad destructiva a lo que Williams describió con entusiasmo como "la brutalidad o la insensibilidad de la juventud". El bien y el mal estaban ahora emparejados de manera más sutil: no sería tan fácil tomar partido. Brando no estaba tan seguro como Williams de ser un "Stanley enviado por Dios". Trabajaba lentamente y parecía tener dificultades para aprender sus líneas Selznick se quejaba repetidamente de que no podía oírlo. Pero Kazán tenía fe, y también Williams, cuyo telegrama de la noche del estreno a Brando predijo: "Del grasiento polaco algún día llegarás al lúgubre danés".

Para entonces, Kazán estaba casi arrepentido de que la obra, que Williams había construido alrededor del personaje de Blanche, se viera como "el show de Marlon Brando". Sin cambiar una palabra, el actor parecía haber ampliado el papel y puesto patas arriba el significado original de Williams. Jessica Tandy, la actriz británica que interpretó a Blanche, estaba furiosa de que el público se riera junto con las bromas de Stanley a su costa, como si fuera un tipo normal que pusiera a una mujer engreída en su lugar, y se sorprendió de que expresara abiertamente sus condolencias más a la verdugo que a su víctima. La razón no fue solo la juventud de Brando: fue la inocencia cómica lo que alimentó las burlas, la ternura desconcertada debajo de la dureza. El rostro sobre el cuerpo fuertemente musculoso era angelical, el dolor que mostró cuando se derrumbó y lloró porque su esposa era abrasador, elemental. Y su intensidad era casi insoportable. Un crítico escribió que "Brando parece estar siempre a punto de derribar el proscenio con sus propias manos". “Streetcar” fue un gran éxito y Tandy recibió excelentes avisos, pero era Brando el que amaba al público. Además, la gente del teatro lo reconoció como la revolución en la carne prometida durante mucho tiempo. En opinión de Kazán, otros estaban dando buenas actuaciones, pero Brando estaba "viviendo en el escenario", con el resultado de que anhelaba escapar de la obra después de solo unas pocas semanas. ¿Cuántas veces, según lo programado, se puede destrozar uno mismo?

Sin embargo, tenía un contrato que lo mantuvo rompiendo platos y lamentándose durante un año y medio, durante el cual su desempeño varió enormemente de una noche a otra. Libre por fin, a finales de 1949, acabó en Hollywood, donde se enfrentó alegremente a los monarcas locales (Louella Parsons escribió que tenía "el descaro de un investigador de Kinsey") y anunció que pronto volvería a los escenarios. Sin embargo, estaba entusiasmado con su primera película, "The Men", una edificante producción de Stanley Kramer sobre un veterano paralizado cuya fiel prometida lo saca de la desesperación y lo lleva a la vida. Aunque a la película no le fue bien (el tema de los veteranos heridos perdió su fascinación cuando comenzó la Guerra de Corea), las críticas de Brando tendieron a variaciones extáticas de la palabra "real". Y se hizo conocido por una forma de trabajar correspondientemente real, aunque peculiar: la publicidad enfatizaba que había pasado tres semanas viviendo en un hospital de veteranos entre parapléjicos, aprendiendo cómo se movían y qué sentían. En el set, el lento perfeccionismo de sus interminables repeticiones hizo que un coprotagonista se quejara de la "actuación de Nueva York", que era exactamente lo que quería Kazán cuando, en 1950, comenzó a filmar "Streetcar".

De izquierda a derecha: Brando en "Truckline Café" en "A Streetcar Named Desire" en el set de "On the Waterfront" ganando el Oscar por "Waterfront" y en el set de "The Godfather". Fotografía de (de izquierda a derecha): Colección Kobal Warner Bros / Colección Neal Peters Sunshine / Retna George Silk / Time Life / Getty Steve Schapiro

Fotografía de (de izquierda a derecha): Colección Kobal Warner Bros / Colección Neal Peters Sunshine / Retna George Silk / Time Life / Getty Steve Schapiro

Con la excepción de Vivien Leigh, como Blanche, todos los miembros principales del elenco de la película habían sido parte de la producción de Broadway y apenas tenían que hacer más que familiarizarse con sus papeles. Sin embargo, a Kazán no le gustaba repetirse a sí mismo tanto como a Brando, y aprovechó la sublime fragilidad de Leigh como una forma de darle la vuelta a la obra y restaurar algo parecido al equilibrio moral original de Williams. Brando, que siempre había pensado que Tandy estaba mal interpretado, sintió que Leigh era realmente la "mariposa herida" de Williams y reaccionó con una carga emocional y sexual más allá de todo lo que había mostrado en el escenario. Sin embargo, visto en contra de esta Blanche trágicamente comprensiva, la brutalidad de Stanley era más difícil de tolerar si no era un villano, era un monstruo extremadamente encantador y la audiencia estaba incómodamente implicada en la destrucción de Blanche por su risa temprana y su profunda atracción por él. Brando fue nominado para un premio de la Academia (y también Leigh, quien ganó). Sin embargo, como resultado de la extraña vida que puso en la actuación encorvada, rasposa y sudorosa, sus payasadas de la prensa sensacionalista y probablemente alguna confusión pública sobre el tan promocionado Método, ¿significaba que un actor simplemente se estaba interpretando a sí mismo? como lo que él llamaba con resentimiento "un bocón baboso de vaqueros azules" y apodaba "el hombre de Neandertal".

Ésta no era la única razón por la que Brando odiaba a Stanley, de quien hablaba con un disgusto no muy diferente al que sentía Blanche DuBois. En su siguiente película, "Viva Zapata", un esfuerzo socialmente digno (dirigido por Kazán) sobre un revolucionario idealista, prácticamente desapareció detrás de un fuerte maquillaje "mexicano" y un acento a juego. Aunque esta muestra de rango le valió otra nominación al Premio de la Academia, el anuncio de que iba a interpretar a Mark Antony en "Julio César" fue recibido con mucha alegría por los comediantes de la nación, que no perdieron el tiempo declamando "Amigos, romanos, compatriotas" en un balido nasal, kowalskiano. El propio Brando estaba preocupado por parecer un tonto. Aunque era un ávido lector y memorizador de Shakespeare, su experiencia en la interpretación se había limitado a una producción de la escuela de actuación de "Twelfth Night" y, más recientemente, a burlarse de Vivien Leigh, entonces la Sra. Laurence Olivier, con una imitación desagradablemente precisa de Discurso de Olivier en Agincourt de "Henry V." El director de "Julius Caesar", Joseph Mankiewicz, encontró a su estrella estudiando cintas de discursos de Olivier, John Barrymore y Maurice Evans, y se quejó de que el elegante resultado lo hacía sonar más como June Allyson. Brando explicó más tarde que el aspecto más abrumador de interpretar a Shakespeare era confiar en el texto escrito, ya que había aprendido a buscar alrededor y debajo de las palabras, en pausas, gestos, gruñidos y murmullos, incluso en silencio, en busca de un sentido de la verdad.

Una vez en el plató de "Caesar", en 1952, le pidió a John Gielgud, que interpretaba a Cassius, que le hiciera una grabación de los discursos de Antony, presumiblemente como modelo de dicción y acento prosódico. Brando admiraba a Gielgud, pero no hay rastro de la música estilizada y cargada de vibrato del actor británico en la lectura cruda y motivada del joven estadounidense. Para estar de acuerdo con el resto del elenco, Brando adoptó un acento británico, pero la forma en que flexionó sus líneas fue tan inesperada y tan de sentido común que las frases más familiares adquirieron una urgencia natural (“Prestar me tus oidos! ”) Y gran parte del resto parecía casi inventado en el acto, como cuando la insinuación de un tartamudeo le hace vacilar en su súplica:“ Ten paciencia conmigo, mi corazón está en el ataúd allí con César y debo hacer una pausa hasta que vuelva a mí ". Los críticos estaban encantados, había un gran orgullo al pensar que un Olivier estadounidense podría estar cerca, y fue nominado para otro Premio de la Academia. Gielgud quedó lo suficientemente impresionado como para pedirle a su futuro alumno que participara en una temporada de teatro que estaba dirigiendo en Inglaterra, donde Brando podría cumplir la predicción de Tennessee Williams e interpretar a Hamlet. Brando lo rechazó. Parece haber sido la única persona que no creía que estuviera a la altura de la prueba.

En cambio, hizo una película de motociclistas. Estaba destinado a ser otra película de conciencia social, basada en un incidente que tuvo lugar en 1947, cuando una banda de motociclistas aterrorizó a una ciudad de California. Brando dijo que esperaba que la película explorara las razones por las que los jóvenes recurren al comportamiento antisocial; de hecho, la delincuencia juvenil se había convertido en una preocupación tan grande que un subcomité del Senado estaba investigando sus causas. "The Wild One", lanzado en diciembre de 1953, no exploró tanto las causas como definió los términos de oposición de la época: hipsters que hablan bromas versus cuadrados, chaquetas de cuero versus camisas y corbatas, libertad de conducción fácil versus lo recto y estrecho. . Juventud versus edad. Una película mediocre, fue lo suficientemente adelantada a su tiempo como para tocar un nervio: Jack Kerouac estaba luchando para que se publicara su libro sobre sus aventuras en la carretera (una vez que apareció, le rogó a Brando que hiciera la película) Elvis estaba a un año de distancia. de aparecer en la televisión nacional y ser llamado "un Marlon Brando que toca la guitarra". El Johnny de Brando, el líder de la manada, era un antídoto para esa otra figura mítica de los años cincuenta, el inconformista Hombre del Traje de Franela Gris. Pero, al igual que con Stanley Kowalski, el actor era indistinguible del papel y el propio Brando llegó a encarnar el mito rebelde. El guión dejaba entrever el dolor que había detrás de la férrea frialdad de Johnny, pero su enfado e insatisfacción eran implacables. A diferencia de los héroes duros de los años cuarenta, con sus nobles causas ulteriores, a diferencia de, digamos, Bogart en “Casablanca”, Johnny no tenía idea de lo que realmente quería. En la línea más citada de la película, alguien pregunta: "Oye, Johnny, ¿contra qué te estás rebelando?". Y Brando responde, inexpresivo, "¿Qué tienes?"

¿Qué tenía de real el actor más real de todos ellos? ¿En qué se basó durante esas improvisaciones o ensayos cuando, por entrenamiento y por instinto, para llegar más lejos tenía que ir hacia adentro? "El tormento que subyace al arte de Brando es el tema de este libro", Stefan Kanfer comienza "Alguien: La vida imprudente y la notable carrera de Marlon Brando", la primera biografía que aparece desde la muerte de Brando, a los ochenta años, en 2004, porque, como Kanfer explica, "la angustia interna del hombre fue lo que lo llevó a las alturas de su vocación". Al examinar una carrera que abarcó más de cinco décadas y treinta y ocho películas, Kanfer sostiene que Brando, único entre los actores, "trabajó sin máscara". Mientras que otros actores preservan las líneas divisorias entre sus vidas privadas y sus actuaciones, "no existía tal límite entre Brando el actor y Brando el hombre", quienes aparentemente sufrían de lo que Kanfer, con la ayuda de varios psiquiatras, denomina "trastorno de oposición desafiante". "Trastorno narcisista de la personalidad" y una "fijación oral". Esto no es del todo noticia: hace mucho tiempo Harold Clurman escribió que la actuación de Brando tenía "su origen en el sufrimiento", y Peter Manso, el autor de una biografía anterior, consultó a su propio grupo de psiquiatras para diagnosticar la "personalidad disociada", "maníaco" del actor. - cambios de humor depresivos ”y“ ansiedades por la identidad sexual ”, entre otras aflicciones. (Brando parece haberse acostado con un número incierto de hombres y un número asombroso de mujeres durante su vida). Pero nada se ha acercado a la afirmación de Kanfer de que "el capullo de rosa en la vida de Brando" era "la enfermedad mental que lo había perseguido durante décadas". una enfermedad que convirtió sus logros en una maravilla y sus fracasos no son una sorpresa.

Brando podría haber estado de acuerdo. En sus últimos años, contó su historia y explicó libremente su impacto, comenzando con el hecho de que nació en 1924 en Omaha, Nebraska, de una madre que "me abandonó por un biberón cuando era poco más que un bebé". y quien procedió a beber durante su infancia, su padre también era alcohólico, aunque en su caso el problema mayor fue su falta de mostrar afecto o aprobación a su hijo. Sus dos hermanas le brindaron algún apoyo y una joven niñera brindó algo parecido al amor, pero ella se fue un día sin despedirse: lo habían abandonado dos veces y, escribió, “mi mundo se derrumbó”. Reprobó el jardín de infancia y no le fue mejor en la escuela a medida que avanzaban los años. Tartamudeaba mal, y parece haber sido disléxico, por lo que leer en voz alta en clase era una agonía, algunos de los que lo conocían en ese momento sugirieron, en entrevistas con Manso, que esa era la fuente de las famosas pausas y murmullos obscuros. Siempre el chico malo de la clase, fue expulsado de la escuela militar que se suponía que debía enseñarle disciplina. Aparte de los deportes, ya pesar de sus primeros problemas con el habla, el teatro fue la única materia en la que se destacó.

Actuar, que por otro método podría haberle proporcionado una vía de escape, era para él una forma de sondear sus profundidades. Describió su trabajo con Adler como “psicoterapéutico”, enseñándole no sólo sobre el teatro sino sobre sí mismo. Durante sus primeros años en Nueva York, su madre vino a vivir con él por un tiempo —era una aspirante a actriz y un alma poética, algo así como una Blanche DuBois— y cuando regresó con su padre, Brando le confesó que tenía un ataque de nervios. Para cuando estuvo en “Tranvía”, los ataques de pánico habían empeorado y tenía tanto miedo de que en su ira pudiera matar a alguien, que comenzó a ver a un psiquiatra recomendado por Kazán. Cinco años más tarde, en 1953, le dijo a Kazán que la única razón por la que había aceptado hacer "On the Waterfront" era que la ubicación de Nueva Jersey le permitía estar cerca de su psiquiatra. Su contrato incluía el derecho a salir temprano cada tarde para hacer su sesión.

Inicialmente, Brando se había negado a aparecer en "On the Waterfront", debido a la conmoción y la decepción de que Kazán, quien, según él, era el mejor director con el que había trabajado, había testificado como testigo "amistoso" ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes. no solo confesando su antigua membresía en el Partido Comunista, sino también traicionando a viejos amigos del Grupo de Teatro. Kazán admitió más tarde que la película había sido un intento de excusar e incluso glorificar sus acciones, o, como dijo Brando, un intento de justificar el "engaño" de sus amigos. En el escenario, el ingenuo exboxeador Terry Malloy poco a poco se da cuenta de que es su deber moral informar sobre sus amigos gánsteres ante una comisión del gobierno: este acto de valentía lo convierte en un hombre y un héroe. Es dudoso que muchos espectadores vieran una conexión entre comunistas y mafiosos, pero el agarre emocional de la película y su autenticidad visual sin precedentes la convirtieron en un triunfo.

Filmada en los muelles de Hoboken durante un invierno helado, con un elenco extraído casi en su totalidad del Actors Studio y respaldado por una población de estibadores auténticamente desgastados, "On the Waterfront" marcó un nuevo tipo de estilo neorrealista y anti-Hollywood de filmación que no menos que los pintores revolucionarios del otro lado del Hudson, Kazan y compañía podrían haberse llamado la escuela de Nueva York. Pero el éxito de la película también se debió a Brando, quien, según todos los informes, inventó a Terry tanto como lo interpretó, alterando libremente palabras y escenas con un sentido infalible de lo que haría el niño gentil y torturado. Kazán, quien calificó esta actuación como la mejor jamás realizada por un hombre en el cine estadounidense, habló de la importancia de que Brando haya podido recurrir a su propio "dolor", "dudas de sí mismo" y "conflicto interno", pero también escribió sobre la profesionalidad y el talento excepcional del actor, sin los cuales ninguna angustia hubiera podido hacer el trabajo. En cuanto a Brando, dijo que hacía "tanto frío que no se podía exagerar".

“On the Waterfront” ganó ocho premios de la Academia, incluidos los Oscar por Brando y Kazán, pero demostró no ser el comienzo de algo sino el final. Ninguna escuela de cine independiente se desarrolló a partir de ella, y la vulgaridad de Hollywood solo pareció empeorar a medida que los estudios luchaban contra la nueva amenaza de la televisión, cortejando al público a través del color y el espectáculo. Brando, que había bajado la guardia lo suficiente como para firmar un contrato de dos películas, fue asignado a una inflada epopeya histórica titulada "El egipcio", de la que huyó cuando comenzó el tiroteo. Demandado por el estudio por dos millones de dólares, fue liberado oficialmente de la imagen solo después de que su madre murió repentinamente, en marzo de 1954, y aceptó interpretar a Napoleón en otro pavo histórico, "Désirée" en su lanzamiento, anunció que había dejado que su maquillaje desempeñara el papel. Tiempo, en una historia de portada que presentaba a Brando con su nariz puntiaguda napoleónica y charreteras, se centró en el significado de esta película notablemente insignificante: si a Brando le importaba actuar como un arte, ¿qué había para él en Hollywood? Sin embargo, regresar al escenario no fue más prometedor, ya que Broadway rara vez produjo obras de primer nivel, y "no existe un teatro de repertorio estadounidense en el que un actor joven pueda probar los grandes papeles de tamaño". En comparación con las carreras de sus homólogos europeos (Olivier, por supuesto, o Jean-Louis Barrault, en Francia), incluso los papeles que ya había interpretado eran lamentablemente limitados, por lo que muchos eran "variaciones sobre el tema de Kowalski". Estas preguntas se repitieron con cada película que hizo Brando durante los siguientes dieciocho años. Aquí, por fin, estaba el gran actor estadounidense: no una copia de un actor británico o un mero ídolo matinée, sino alguien original, contemporáneo y singularmente representativo de la cultura. Pero, ¿qué podría producir la cultura para que él hiciera?

La respuesta fue "Chicos y muñecas", "La casa de té de la luna de agosto", "Sayonara", "Los leones jóvenes", "El tipo fugitivo", "Tuerto" y "Motín en el Bounty", solo para llevar su carrera a los sesenta. Difícilmente se puede dudar de su deseo de romper con el "tema de Kowalski". Interpretó a un elegante gángster que cantaba (un poco), un sirviente japonés, un oficial estadounidense, un oficial nazi, un semental sureño, un bandido fronterizo y un aristocrático petimetre británico. Incluso dirigió, en el caso de "One-Eyed Jacks", un western extrañamente edípico que parece casi una ilustración de la tesis de Kanfer: un villano llamado papá traiciona al héroe (Brando como Rio the Kid, inevitablemente llamado Kid), lo que provocó un Consumidor deseo de venganza, aunque papá castiga aún más al Niño con una brutal paliza, el Niño finalmente tiene éxito y dispara a papá para matarlo. Fue la primera película realizada por la productora de Brando, Pennebaker Productions, fundada en 1955 con el apellido de soltera de su madre y con su padre como empleado principal, un refugio fiscal estándar de Hollywood que se dedicó a hacer películas "importantes" de "valor social". " Pennebaker produjo muy pocas películas durante su existencia, pero este idealismo impregnaba la obra de Brando, y ahora tenía el poder de reescribir los guiones y remodelar los personajes para exponer sus puntos: ante su insistencia, el nazi de "Los jóvenes leones" vio el error de sus caminos y se elevó a la iluminación ética, el soldado de "Sayonara" parecido a Pinkerton superó el racismo de la sociedad y se casó con la mujer japonesa que amaba. A través de la inconmensurable influencia de las películas, Brando creía que también podría ayudar a remodelar la realidad.

Sin embargo, con metas tan elevadas, todos los proyectos fueron, tarde o temprano, una decepción. En respuesta a sus frustraciones, causó problemas en el set, se negó a aprender sus líneas, comió de manera tan compulsiva que tuvo que ser equipado con trajes nuevos en tallas cada vez más grandes: la línea entre la autocomplacencia y el desprecio por sí mismo se vuelve difícil localizar. Y le costó a los estudios una fortuna, ya que película tras película fracasaba. Sin embargo, el rostro en la pantalla era tan convincente que la cuestión de qué hacer con su talento siguió siendo una especie de carga nacional. Truman Capote, con un perfil mordaz de finales de los cincuenta, retrató al actor como un aburrido y un farsante, pero lo presionó seriamente sobre cuándo volvería a interpretar los "papeles del monte Everest en la literatura escénica". A finales de los sesenta, Pauline Kael, con sus esperanzas para su carrera seriamente estropeadas, señaló que "su grandeza está en un rango que es demasiado perturbador para ser abarcado por películas normales". Pero, ¿qué otro tipo había?

Brando tenía buenas razones para elegir muchas de sus películas en estos años sombríos: "The Ugly American" y "Burn!" giraba en torno a problemas políticos serios, había un joven director consumado, Arthur Penn, detrás de "The Chase", y un director legendario, Charlie Chaplin, detrás de "A Countess from Hong Kong", "Reflections in a Golden Eye" ofreció el papel que rompió la imagen de un oficial del ejército homosexual rígidamente reprimido. Sus actuaciones variaron desde las mejores posibles en circunstancias mortales ("The Chase", "Una condesa de Hong Kong") hasta brillantes ("Golden Eye"), pero no ha habido otra carrera que ilustre tan claramente lo complejo que es un trabajo de arte que una película es realmente, y cuántas fuerzas requiere, de cualquier genio, para hacerla bien.

Incluso cuando sus fotos eran claramente malas, se esforzaba por aferrarse a algún propósito (luchó contra los estereotipos indios habituales en la película de vaqueros "The Appaloosa"), pero su sentido de logro ya no tenía mucho que ver con su trabajo, fuera de ganar el dinero necesario para mantener a dos ex esposas, una tercera esposa que había sido su coprotagonista tahitiana en “Mutiny on the Bounty” y un número creciente de hijos. En 1963, que buscaba abiertamente el significado de su vida, se convirtió en un firme partidario del movimiento por los derechos civiles, recaudó dinero para Martin Luther King, Jr. y se unió a la marcha sobre Washington. Era fácil suponer que no era más que un diletante político, sobre todo después de que se involucró con las Panteras Negras (resultó que Bobby Seale era un gran admirador de "The Wild One") y fue criticado con frecuencia por distraerse. y por desaparecer en un atolón privado que había comprado en Tahití. Sin embargo, no hay duda de que se sintió profundamente afectado cuando le dispararon a King, en 1968, y probablemente lo decía en serio cuando anunció que dejaría el cine por completo para trabajar por los derechos civiles. Pero para entonces era más exacto decir que las películas lo estaban abandonando. Con el fracaso del incendiario "¡Burn!" en la taquilla, en 1969, completó una década completa de fracasos comerciales. Estaba, en sus propias palabras, "arruinado y sin empleo", cuando llamó Mario Puzo.

Puzo tenía a Brando en mente todo el tiempo mientras escribía "El Padrino", que fue elegida por Paramount antes de terminar el libro. Sólo Brando, dijo, podía aportar la "fuerza silenciosa y la ironía" que quería a Don Corleone, patriarca de la familia y honorable asesino. Aunque los ejecutivos del estudio se negaron a considerarlo, el joven director que contrataron para lo que ellos consideraron una película de gángsters de bajo presupuesto, Francis Ford Coppola, tenía cosas más grandiosas en mente y argumentó que el Don debería ser interpretado por uno de los dos. grandes actores vivos: Olivier o Brando. Como Olivier estaba demasiado enfermo para trabajar, Coppola conspiró con Brando para superar los escrúpulos de Paramount. Brando incluso acordó hacer una prueba de pantalla, principalmente para demostrar que, a los cuarenta y siete, era capaz de envejecer los veinte años requeridos. Rellenó sus mejillas para crear papada ("la cara de un perro toro", dijo con satisfacción, "aspecto mezquino, pero cálido por debajo") e ideó una voz ligera e inofensiva basada en cintas del mafioso Frank Costello: poder real hace que otras personas se inclinen para escuchar. Sin embargo, no podía o no recordaba sus líneas. Las escribió en sus puños, mantuvo las tarjetas de referencia pegadas por todo el juego. Cuando Coppola lo desafió, afirmó que esto era necesario para su espontaneidad: “La gente real no sabe lo que van a decir. Sus palabras a menudo les sorprenden. Así debería ser en una película ". Si esta era realmente su razón o no, funcionó. Los toques de improvisación de Brando se encuentran entre los aspectos más memorables del personaje: detenerse a oler una rosa mientras niega ser un asesino, abofetear repentinamente a un joven llorón, moldear una cáscara de naranja en un par de colmillos cuando el Don juega con su nieto en un jardín de verano. Nada de esto estaba en el guión, simplemente sucedió cuando las cámaras empezaron a rodar. Aunque Coppola dice que Brando nunca pidió cambios en el diálogo, aparentemente dio a conocer sus sentimientos al respecto, quejándose en un momento, como si mirara hacia atrás al héroe que había interpretado tan a menudo: “Solo una vez, me gustaría ver esto. hombre no inarticulado. Me gustaría verlo expresarse bien ”.

"¿Soy un hombre blanco en un estado rojo que vota por un presidente negro, o un hombre azul en un estado blanco que vota por un presidente verde?"

"El Padrino" no solo fue la redención de Brando, sino también la de Hollywood, lo que demuestra que una gran película comercial puede ser una obra de belleza y significado. Fue una epopeya estadounidense y, al menos durante un tiempo, eliminó el aguijón oxímorónico del término "cultura de masas". Todos estuvieron de acuerdo en que era el tipo de película que Brando debería haber estado haciendo todo el tiempo. En el otro extremo del espectro populista, también estaba su próxima película, "El último tango en París", una película de arte europeo que utilizaba sexo simulado y un barniz de elegancia existencial para hacer con la pornografía lo que "El padrino" hizo con la policía y los ladrones. . El director, Bernardo Bertolucci, diseñó el papel solo para Brando. O, mejor dicho, le pidió a Brando que elaborara el papel: “Quería que me hiciera yo mismo, que improvisara por completo y retratara a Paul” —un expatriado estadounidense en París, que cae en una intensa aventura con una chica hermosa— “como si estuviera un espejo autobiográfico de mí ". Brando estaba más que dispuesto a complacer.Entonces, cuando Paul le dice a la niña que "mi padre era un borracho, rudo, prostituta, peleador de bar" y "mi madre era muy, muy poética y también borracha", la vida que Brando estaba exponiendo era la suya, y parece Hemos llegado al cruce preciso entre el Método y el psicoanálisis. El resultado, aún más emocionante por haber sido prohibido por obscenidad en Italia, fue recibido como una obra maestra claramente moderna. Pauline Kael comparó su estreno con el de "Rite of Spring" de Stravinsky, y declaró que la actuación de Brando era el cumplimiento de su actuación sin actuar en "Truckline Café", veintiséis años antes. "Paul se siente tan 'real' y el personaje se acerca tanto", escribió, "que se ha alcanzado una nueva dimensión en la actuación en la pantalla".

“El Padrino” se estrenó en la primavera de 1972 y “Last Tango” se estrenó en el Festival de Cine de Nueva York ese otoño. Fue un doble tour de force, el abuelo italiano seguido por el semental de la casa de arte, y Brando aportó la antigua intensidad y una nueva y lúgubre dignidad a ambos. Quizás debería haberse detenido allí por un tiempo, parecía que lo haría. Siguió su notorio rechazo a su Premio de la Academia por "El Padrino", cuando hizo que una mujer apache diera un discurso sobre el maltrato de los indios en Hollywood, con tres años inmersa en causas indígenas. Habló de hacer una película sobre la historia de la India, pero nunca llegó a ningún lado, y cuando regresó a lo que Kael había llamado películas "normales" (guiones malos, sin guiones, nadie que lo controlara), algún vínculo final de disciplina desapareció. Recibía honorarios enormes, pero su actuación en el incoherente "Missouri Breaks" era cursi, con un borde de desprecio en la época de "Apocalypse Now", en 1979, había ganado tanto peso que Tennessee Williams sugirió que estaba siendo pagado por la libra. Brando escribió más tarde que la profundización emocional de “Last Tango” había sido tan devastadora que “en las siguientes imágenes dejé de intentar experimentar las emociones de mis personajes” y comencé “simplemente a representar el papel de una manera técnica”. Estaba seguro de que "la audiencia no conoce la diferencia". Es imposible saber si estaba tratando de explicar o simplemente justificar en qué se había convertido. En 1980, interpretando a un viejo y gordo magnate del petróleo en "La Fórmula", usaba un transmisor de radio disfrazado de audífono sin tener que molestarse en usar tarjetas de referencia, ahora tenía sus líneas leídas directamente en sus oídos.

Durante el resto de la década, Brando interpretó sólo un pequeño papel, en una sola película, "A Dry White Season", sobre el apartheid sudafricano. Lo hizo por la escala: aproximadamente cuatro mil dólares. El resto del tiempo, "me contentaba con hacer otras cosas: viajar, buscar, explorar, buscar". En su casa en Beverly Hills, vio a un psiquiatra varias veces a la semana, aprendiendo lentamente a "ser el niño que nunca tuve la oportunidad de ser". Al mismo tiempo, divorciado de nuevo y padre de nueve (según su propio recuento, el número real es incierto), estaba tratando de "conocer mejor a mis hijos". Los esfuerzos involucrados en estas dos empresas — convertirse en niño, convertirse en padre — rara vez fueron compatibles. No puede sorprender que los hijos de Brando hayan tenido una infancia aparentemente no más feliz que la suya. Su hijo mayor, Christian, había estado adicto a las drogas y el alcohol desde su adolescencia, y había abandonado la escuela secundaria en su nuevo intento de acercamiento, Brando propuso que obtuvieran sus títulos de secundaria juntos: Brando tenía sesenta y tres años, Christian veintiocho, pero Brando no pudo seguir el ritmo y abandonó el proyecto. Un destino similar corrió con todos los proyectos utópicos que soñó para su paraíso de Tahití: iba a ser un lugar de reunión para artistas e intelectuales, habría experimentos ecológicos que conducirían a avances en la energía solar y eólica, científicos contratados encontrarían una manera de procesar las algas. en un suplemento proteico para las naciones del Tercer Mundo. En cambio, vio cómo su costoso equipo se oxidaba y sus planes se desmoronaban. Un día, al hablar de poesía con un entrevistador, había salido "La canción de amor de J. Alfred Prufrock", comentó: "Si las sirenas no pueden cantar para mí aquí, Dios, nunca lo harán".

En 1990, Christian Brando disparó a quemarropa, por detrás, en la cabeza, al novio tahitiano de su media hermana embarazada, en el estudio de la casa de su padre en Beverly Hills. El juicio hipnotizó a la prensa, y algunos (incluido el padre del niño muerto) consideraron que la actuación de Papa Brando en el estrado de los testigos fue una de las mejores que jamás haya dado: sollozando, aturdido y, a menudo, incoherente, se disculpó lamentablemente por lo que juró. Ha sido un terrible accidente. Al final, Christian se declaró culpable de homicidio voluntario y recibió una sentencia de diez años. Brando, cargado con enormes facturas legales, se puso a trabajar en su autobiografía.

Según los informes, la tarifa por el libro fue de cinco millones de dólares. Su primera estipulación fue que no debería contener nada sobre sus películas (que no son lo suficientemente importantes) o sus matrimonios e hijos. Aunque se convenció de que discutiera las películas, el tema central incontenible de "Songs My Mother Taught Me", que apareció en 1994, fue su infancia y lo que podría llamarse la vida psiquiátrica que siguió a ella. Lamentablemente, hasta sus mejores impulsos se reducen al lenguaje del diván: “Frustrado en mis intentos de cuidar a mi madre, supongo que en cambio traté de ayudar a indios, negros y judíos”. Sin embargo, sus comentarios sobre la actuación son sorprendentes, ya sea por el escaso respeto que tiene por sus propios logros ("que yo entrara al set de una película y interpretara a Mark Antony sin más experiencia fue una tontería"), o por su rechazo del dominio de Hollywood en el cine internacional y la televisión como "una tragedia". Pero, más allá de la autodenigración del niño no amado de setenta años, vale la pena considerar el argumento de Brando de que, en cierto sentido, toda su carrera fue un error.

"Por lo general, los actores no se dan cuenta de lo profundamente afectada que fue la técnica de actuación por el hecho de que Stella fue a Rusia y estudió con Stanislavsky", escribe Brando sobre su amada maestra, Stella Adler, medio siglo después de haber estudiado con ella en Nueva York. . Y agrega, modestamente, "Prácticamente todas las actuaciones en películas de hoy provienen de ella". Por supuesto, la mayoría de los actores dirían que proviene de Brando: el hombre que llevó a la pantalla esas teorías ligeramente increíbles sobre el realismo y la honestidad y un nuevo tipo de arte. Y ninguna de las películas horribles, además de las gloriosas seis u ocho que son su legado principal, ha hecho daño a su ejemplo o reputación. Él es el creador de una tradición que se extiende desde James Dean ("El Sr. Dean parece estar usando mi guardarropa del año pasado", Brando se burló del estreno de la primera película de Dean, en 1955, "y usando mi talento del año pasado") hasta Robert De Niro y Al Pacino y más. Jack Nicholson, hablando en nombre de los actores estadounidenses, dijo: "Él nos dio nuestra libertad". Pero los pensamientos de Brando sobre su herencia continúan: "Esta escuela de actuación sirvió bien al teatro estadounidense y al cine, pero fue restrictiva". A pesar de todos los logros, algo esencial se había perdido, o, mejor dicho, nunca se le dio la oportunidad de desarrollarse: una capacidad estadounidense para "presentar a Shakespeare o el drama clásico de cualquier tipo de manera satisfactoria". La única actuación contemporánea que Brando analiza con gran admiración es "Henry V" de Kenneth Branagh. "En Estados Unidos no podemos acercarnos a tales refinamientos", escribe. "Simplemente no tenemos el estilo, la consideración por el idioma o la disposición cultural". Y probablemente estemos más lejos después de Brando que antes. Stella Adler, hablando tarde en la vida sobre los roles que había tenido su ex protegida no interpretado, respondió a una pregunta sobre si Brando era realmente un gran actor, "Nunca lo sabremos".

Sin embargo, había una forma en la que los estilos contrastantes estaban de acuerdo, una verdad más profunda y satisfactoria sobre la verdad en la actuación. "Si no eres bueno improvisando, no eres actor", insistió Brando en su última gran entrevista, con Piedra rodante, en 2002, apenas dos años antes de su muerte. Había estado impartiendo un taller de actuación, con la ayuda de Leonardo DiCaprio y Sean Penn, a un grupo selecto que incluía al equilibrista Philippe Petit, uno de los guardaespaldas de Michael Jackson, varios estudiantes de actuación locales y un hombre que había encontrado hurgando en el basura fuera del estudio. Estaba sometiendo al grupo a muchas improvisaciones y, por primera vez en años, estaba disfrutando de su trabajo. Aún hablando de improvisación, informó al entrevistador de otra fuente de la tradición que él había fundado sin saberlo. “Hay un discurso de 'Hamlet' que se aplica a todos los artistas”, explicó, “pero ciertamente se aplica a los actores:“ ‘Sostener como si fuera el espejo de la naturaleza.'Ser natural ". ¿No resumía esto las lecciones que estaba tratando de transmitir? Y luego, contra todas las expectativas sobre quién era y qué representaba, Brando retrocedió unas pocas líneas y se lanzó al soliloquio de Hamlet, acto III, escena 2, de memoria: "Deje que su propia discreción sea su tutor. Adapte la acción a la palabra, la palabra a la acción, con esta particular observancia de que no se sobrepase la modestia de la naturaleza: porque todo lo que se sobrepasa es del propósito del juego, cuyo fin, tanto al principio como al principio. ahora, era y es, sostener como espejo a la naturaleza."Y continúa", le dijo Brando al chico de Piedra rodante. "Lo dice todo". ♦


Brando toma Broadway: LIFE en el set de & # 8216A Streetcar Named Desire & # 8217 en 1947

Junto con Arthur Miller & # 8217s Muerte de un vendedor, Eugene O & # 8217Neill & # 8217s Long Day & # 8217s Journey into Night y algunas otras obras modernas notables, Tennessee Williams & # 8217 1947 obra maestra, Un tranvía llamado deseo, ayudó a dar forma a la apariencia del drama estadounidense en las próximas décadas. Pero nada de lo que ocurrió durante la ejecución original de Broadway de la obra # 8217 eclipsó el surgimiento de un joven Marlon Brando como una fuerza creativa importante y una estrella a tener en cuenta. Décadas después del estreno original en Broadway el 3 de diciembre de 1947, LIFE.com presenta fotos & # 8212 algunas de las cuales nunca se publicaron en la revista & # 8212 tomadas durante los ensayos por el fotógrafo Eliot Elisofon.

Dirigida por Elia Kazan y protagonizada por Brando, Jessica Tandy, Kim Hunter y Karl Malden, la producción de 1947 sigue siendo una piedra de toque en el drama estadounidense, ganando tanto el Premio Pulitzer como el premio New York Drama Critics & # 8217 Circle por la mejor obra del año & # 8217, así como un Tony a la Mejor Actriz para Tandy por su interpretación fundamental como la inestable, alcohólica y melodramática belle sureña, Blanche DuBois. A pesar de todos los elogios que obtuvo, sin embargo, Brando de 24 años & # 8217s giro galvanizador como Stanley Kowalski & # 8212 tanto en la obra como en Kazan & # 8217s 1951 adaptación cinematográfica & # 8212 fue lo que realmente quemó la producción en la cultura pop. conciencia.

Valiente, sensual, violenta y sombría, Williams & # 8217 gran obra sigue siendo una de las pocas obras dramáticas estadounidenses absolutamente indispensables del siglo XX, mientras que la sensual ferocidad de Brando & # 8217s Stanley todavía puede sorprender, siete décadas después de que desató por primera vez al personaje en un público absorto en el teatro.

Un tranvía llamado deseo 1947

Kim Hunter (izquierda), Marlon Brando, Karl Malden y otros en el ensayo de la producción original de & # 8216A Streetcar Named Desire. & # 8217 (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Un tranvía llamado deseo 1947

Jessica Tandy como Blanche Dubois (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Un tranvía llamado deseo 1947

Marlon Brando y Kim Hunter. (Eliot Elisofon / The LIFE Picture Collection)

Un tranvía llamado deseo 1947

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock

Un tranvía llamado deseo 1947

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock

Un tranvía llamado deseo 1947

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock

Un tranvía llamado deseo 1947

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock

Un tranvía llamado deseo 1947

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock

Tennessee Williams en el rodaje de Streetcar Named Desire

Eliot Elisofon La colección de imágenes LIFE / Shutterstock


El juego

En este día de 1947, el famoso grito de "¡STELLA!" De Marlon Brando resuena por primera vez en un escenario de Broadway, electrizando a la audiencia en el Teatro Ethel Barrymore durante la primera presentación de la obra de Tennessee Williams. Un tranvía llamado deseo.

Brando, de 23 años, interpretó al rudo, polaco-estadounidense de clase trabajadora Stanley Kowalski, cuyo violento choque con Blanche DuBois (interpretada en Broadway por Jessica Tandy), una belleza sureña con un pasado oscuro, está en el centro de Williams & # 39 drama famoso. Blanche viene para quedarse con su hermana Stella (Kim Hunter), la esposa de Stanley, en su casa en el Barrio Francés de Nueva Orleans, ella y Stanley se desprecian de inmediato. En la escena culminante, Stanley viola a Blanche, lo que hace que pierda su frágil control de la cordura, la obra termina con la llevada con una camisa de fuerza.


Contenido

Blanche DuBois, profesora de inglés de secundaria de mediana edad, llega a Nueva Orleans. Ella toma un tranvía llamado "Desire" [5] hasta el Barrio Francés, donde su hermana, Stella, y el esposo de Stella, Stanley Kowalski, viven en un apartamento en ruinas. Blanche afirma estar de licencia en su trabajo de maestra debido a sus nervios y quiere quedarse con Stella y Stanley. Los modales recatados y refinados de Blanche contrastan marcadamente con el comportamiento crudo y brutal de Stanley, lo que los hace mutuamente cautelosos y antagónicos. Stella agradece tener a su hermana como invitada, pero Blanche a menudo la trata con condescendencia y la critica.

Blanche revela que la propiedad de la familia, Belle Reve, se perdió a los acreedores, y Blanche está en quiebra y no tenía a dónde ir, ya que quedó viuda a una edad temprana después del suicidio de su esposo. Cuando Stanley sospecha que Blanche puede estar ocultando una herencia, ella le muestra la prueba de la ejecución hipotecaria. Stanley, en busca de más pruebas, tira al suelo algunos de los papeles privados de Blanche. Llorando, los recoge, diciendo que son poemas de su difunto marido. Stanley explica que solo estaba cuidando a su familia, luego anuncia que Stella está embarazada.

Blanche conoce al amigo de Stanley, Mitch, cuya forma cortés contrasta con los otros amigos de Stanley. Mitch se siente atraído por el encanto coqueto de Blanche y un romance florece. Durante una noche de póquer con sus amigos, Stanley explota en una rabia borracha, golpeando a Stella y terminando el juego Blanche y Stella huyen escaleras arriba al apartamento de la vecina Eunice. Después de que su ira disminuya, Stanley grita arrepentido por Stella desde el patio de abajo. Atraída irresistiblemente por su pasión física por él, acude a Stanley, quien la lleva a la cama. A la mañana siguiente, Blanche insta a Stella a dejar a Stanley, llamándolo un animal subhumano. Stella no está de acuerdo y quiere quedarse.

A medida que las semanas se convierten en meses, aumenta la tensión entre Blanche y Stanley. Blanche tiene esperanzas sobre Mitch, pero la ansiedad y el alcoholismo la hacen tambalearse mentalmente mientras anticipa una propuesta de matrimonio. Finalmente, Mitch dice que deberían estar juntos. Mientras tanto, Stanley descubre la historia oculta de Blanche de inestabilidad mental, promiscuidad y ser despedida por acostarse con un estudiante menor de edad. Stanley luego le pasa esta noticia a Mitch, con pleno conocimiento de que esto terminará con las perspectivas de matrimonio de Blanche y la dejará sin futuro. Stella culpa enojada a Stanley por la catastrófica revelación, pero su pelea se interrumpe cuando Stella se pone de parto.

Más tarde, Mitch llega y se enfrenta a Blanche sobre las afirmaciones de Stanley. Inicialmente niega todo, luego rompe a confesar. Ella pide perdón, pero Mitch, herido y humillado, termina bruscamente la relación. Más tarde esa noche, mientras Stella continúa el trabajo de parto, Stanley regresa del hospital para dormir un poco. Blanche, vestida con un vestido viejo hecho jirones, finge que se va de viaje con un viejo admirador. Ella cuenta una historia tras otra sobre sus planes futuros ficticios, y él destruye sin piedad sus ilusiones. Se involucran en una lucha, después de la cual Blanche se muestra en un estado psicótico regresivo, lo que implica que Stanley puede haberla violado.

Semanas más tarde, durante otra partida de póquer en el apartamento de Kowalski, Stella y Eunice están empacando las pertenencias de Blanche. Blanche, quien cree que se va de vacaciones, ha sufrido un colapso mental completo y está siendo internada en un hospital psiquiátrico. Blanche le contó a Stella lo que pasó con Stanley, pero Stella no la cree. Cuando un médico y una enfermera llegan para sacar a Blanche, ella se resiste y se derrumba, presa de una confusión total. El médico le ofrece gentilmente a Blanche su brazo, y ella va de buena gana, entregando la famosa frase: "Quienquiera que sea, siempre he dependido de la amabilidad de los extraños". Mitch, presente en el juego de póquer, está visiblemente molesto. Mientras el auto se aleja con Blanche, Stella lleva al bebé arriba a casa de Eunice, ignorando las llamadas de Stanley y prometiendo no regresar.

    como Blanche como Stanley como Stella como Mitch como Steve como Pablo como Eunice como un coleccionista
  • Ann Dere como la matrona
  • Edna Thomas como la mexicana como doctora como marinero

En abril de 2021 [actualización], Mickey Kuhn es el último miembro del reparto superviviente.

  • La obra se desarrolló íntegramente en el apartamento de Kowalski, pero el alcance visual de la historia se amplía en la película, que muestra lugares que solo se mencionan brevemente o que no existen en la producción teatral, como la estación de tren, las calles del Barrio Francés, la bolera. callejón, el muelle de un casino de baile y la fábrica de máquinas.
  • El diálogo presentado en la obra se abrevia o se corta por completo en varias escenas de la película, incluso, por ejemplo, cuando Blanche intenta convencer a Stella de que deje a Stanley y cuando Mitch se enfrenta a Blanche sobre su pasado.
  • El nombre de la ciudad de donde era Blanche se cambió de la ciudad real de Laurel, Mississippi, al ficticio "Auriol, Mississippi".
  • Los temas de la obra fueron controvertidos, lo que provocó que el guión se modificara para cumplir con el Código de producción de Hollywood. En la obra original, el esposo de Blanche murió por suicidio después de que se descubrió que tenía una aventura homosexual.Esta referencia fue eliminada de la película Blanche dice en cambio que mostró desprecio por la naturaleza sensible de su esposo, lo que lo llevó al suicidio. Sin embargo, hace una vaga referencia a "su salida del armario", implicando homosexualidad sin decirlo explícitamente.
  • La escena en la que Stanley viola a Blanche se corta en la película y termina dramáticamente con Blanche rompiendo el espejo con la botella rota en un intento fallido de autodefensa.
  • Al final de la obra, Stella, angustiada por el destino de Blanche, permite que Stanley la consuele en silencio. En la película, esto cambia a Stella culpando a Stanley por el destino de Blanche y resolviendo dejarlo. [6]
  • Se filmaron otras escenas, pero se cortaron después de que se completó el rodaje para cumplir con el Código de Producción y más tarde, para evitar la condena de la Legión Nacional de la Decencia.
  • En 1993, después de que Warner Bros. descubriera las imágenes censuradas durante un inventario de rutina de archivos, [7] varios minutos de las escenas censuradas se restauraron en un relanzamiento de video de la "versión original del director". [8]
  • La fotografía cercana y ajustada alteró las cualidades dramáticas de la obra, por ejemplo, en las largas escenas de conflicto creciente entre Stanley y Blanche, o cuando Mitch ilumina a Blanche para ver cuántos años tiene, o cuando la cámara se cierne sobre Blanche, colapsa en el suelo, con la cabeza en la parte inferior de la pantalla, como si estuviera boca abajo.
  • En la película, se muestra a Blanche montando en el tranvía que solo se menciona en la obra. Sin embargo, cuando la película estuvo en producción, la línea de tranvía Desire se había convertido en un servicio de autobús, y el equipo de producción tuvo que obtener permiso de las autoridades para alquilar un tranvía con el nombre "Desire". [9]
  • La partitura de Alex North fue escrita en breves conjuntos de música que reflejaban la dinámica psicológica de los personajes. Por su trabajo en la película, North fue nominado para un Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora, una de las dos nominaciones en esa categoría ese año.

Taquilla Editar

En los meses posteriores a su lanzamiento en septiembre de 1951, Un tranvía llamado deseo recaudó $ 4.2 millones en los Estados Unidos y Canadá, con 15 millones de boletos vendidos contra un presupuesto de producción de $ 1.8 millones. [10] Una reedición de la película por 20th Century Fox en 1958 recaudó $ 700,000 adicionales. [11]

Respuesta crítica Editar

Tras su estreno, la película recibió grandes elogios. Los New York Times El crítico Bosley Crowther afirmó que "los tormentos internos rara vez se proyectan con tanta sensibilidad y claridad en la pantalla" y elogió las actuaciones de Vivien Leigh y Marlon Brando. El crítico de cine Roger Ebert también ha elogiado la película, calificándola de "un gran conjunto de películas". La película tiene actualmente una calificación del 98% en Rotten Tomatoes, basada en 50 reseñas. [12]

En su autobiografía de 2020 A propósito de la nada, Woody Allen derramó abundantes elogios: "La película Streetcar es para mí la perfección artística total. Es la confluencia más perfecta de guión, interpretación y dirección que jamás haya visto. Estoy de acuerdo con Richard Schickel, quien dice que la obra es perfecta. Los personajes están tan perfectamente escritos, cada matiz, cada instinto, cada línea de diálogo es la mejor opción de todas las disponibles en el universo conocido. Todas las actuaciones son sensacionales. Vivien Leigh es incomparable, más real y vívida que la gente real que conozco. Y Marlon Brando fue un poema viviente. Fue un actor que entró en escena y cambió la historia de la actuación. La magia, el escenario, Nueva Orleans, el Barrio Francés, las tardes lluviosas y húmedas, la noche de póquer. Genio artístico, sin límites. prohibido."

Premios y nominaciones Editar

Un tranvía llamado deseo ganó cuatro premios de la Academia, estableciendo un récord de Oscar cuando se convirtió en la primera película en ganar en tres de las categorías de actuación (la única otra película que lo logró fue La red en 1976). [13] [14]


Ensayo sobre un tranvía llamado deseo

Un tranvía llamado deseo de Kazán: ¿una clave para la confusión?
Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams y
La versión cinematográfica de la obra de Elia Kazan comparte los mismos personajes
y la misma historia. Excepto por la escena de apertura, Kazán
no cambia la trama en absoluto. Para enfatizar los significados de
muerte y deseo, la película muestra a Blanche tomando diferentes
tranvías en el área circundante donde Stanley y Stella
en vivo, y el espectador puede imaginar lo difícil que es para
Blanche para ajustar. En la obra, Blanche simplemente habla sobre el
tranvías, lo que pone a la audiencia en una situación
sin ninguna presentación. El escenario también es el mismo, y
apenas cambia, en la película. Kazán intentó hacer la película.
siga las instrucciones de la etapa lo más cerca posible.

La música le da a la audiencia la sensación correcta.
sobre Blanche y la diferencia de edad entre ella y el
chico. En la obra, es difícil crear una atmósfera de la
escena cuando las direcciones del escenario indican, "La música del
Se juega Four Deuces ". ¿Qué tipo de música tocan en el
HOLT, RINEHART Y WINSTON
Comparación de una obra de teatro y una película
Copyright © de Holt, Rinehart y Winston. Reservados todos los derechos.
6
CONCLUSIÓN
Reexpresión de
tesis
Clausura
declaración
¿Cuatro Deuces? Las direcciones del escenario obviamente carecen de algunos
detalles extremadamente importantes porque una música azul y triste puede
ser casi cualquier tipo de música y es imposible escucharla
que irradia de un libro.
La versión cinematográfica de Elia Kazan de Un tranvía llamado deseo
es interesante, pero en algunas escenas un poco confuso para aquellos que
he leído la obra. Los beneficios de las técnicas cinematográficas entretienen al
audiencia aún más y enfatizar las situaciones dramáticas
entre los personajes. Si bien la trama de la película apenas
difiere de la de la obra y los cambios en el tema no
no afectará mucho a la trama, la audiencia no se perderá mucho si
preferiría ver la película en lugar de leer o ir a ver
la obra original en a.


Un tranvía llamado deseo

Recientemente viajé a Nueva York para ver la nueva producción de A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams en el Broadhurst Theatre. La producción tiene un elenco multirracial de estrellas, con algunas caras muy familiares que reconocerás, como Blair Underwood "Stanley", Nicole Ari Parker "Blanche", Daphne Rubin-Vega "Stella" y Wood Harris como "Mitch" con una partitura original de Terence Blanchard y dirigida por Emily Mann.

Esta producción es sexy e intensa y te hará sentir como si acabaras de salir de la ruta del tranvía llamada Desire y entrar en el calor sofocante del Big Easy. Nicole Ari Parker realiza una actuación fenomenal en su papel de Blanche, una socialité inteligente con un acento auténtico, un vestuario fabuloso, una lujuria por los hombres y un gusto por el licor. Blair Underwood transforma lo que podría ser un simple personaje de Stanley, un hombre de clase trabajadora, en un apuesto trabajador de cuello azul que ama mucho y es autoritario, pero que puede convertir la cabeza de cualquier mujer, incluso una socialité como Blanche.

Como hermanas, Blanche y Stella son bastante diferentes. Blanche es la socialité educada que aparece en la puerta menos glamorosa de la casa de Stella y su esposo Stanley en un caluroso día de Nueva Orleans. Stella es una esposa devota y pronto será madre y depende de Stanley, quien es abusivo a veces pero siempre proclama su amor y afecto por Stella. Blanche es recibida inicialmente con los brazos abiertos por Stella, pero después de redecorar un poco la casa, comenzar una relación con Mitch y causar problemas en el matrimonio de su hermana, pronto agota su bienvenida. Stanley se entera de que Blanche se vio obligada a dejar su casa y su trabajo debido a una indiscreción. La naturaleza animal de Stanley sale a la superficie con toda su fuerza y ​​viola a Blanche, quien luego tiene un ataque de nervios y finalmente es internada en una institución mental.

La producción actual de A Streetcar Named Desire fue nominada al mejor diseño de vestuario de una obra de teatro en los premios Tony de 2012 y recibió el premio Actors 'Equity Association Extraordinary Excellence in Diversity on Broadway Award para la temporada 2011-2012, que reconoce a quienes promover metas de diversidad, inclusión e igualdad de oportunidades para quienes trabajan en teatro.

Tennessee Williams escribió A Streetcar Named Desire en 1947 y ganó un Premio Pulitzer de Drama en 1948. La obra se estrenó en Broadway en 1947 con Marlon Brando ("Stanley") y Jessica Tandy ("Blanche") y estuvo en cartelera durante dos años. La primera producción totalmente negra fue en 1953 en la Universidad de Lincoln en Jefferson City, Missouri. El primer renacimiento de Broadway de la obra fue en 1973. A lo largo de los años, ha habido numerosas renovaciones y adaptaciones (cine, ópera, ballet, televisión) de la obra popular tanto en el país como en el extranjero. El compromiso limitado actual termina en Broadway el 22 de julio de 2012. Próxima parada: Londres, Inglaterra, en el otoño para una producción en el West End.


Ver el vídeo: Reseña Un tranvía llamado Deseo - Tennesse Williams